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Autor:Noam Cohen
    Las revoluciones políticas con frecuencia están muy vinculadas a las herramientas de comunicación. La Revolución Americana no la causó la proliferación de panfletos, escritos para movilizar a los colonos a un frenesí contra los británicos. Pero por supuesto que ayudó.   Las redes sociales, un fenómeno distintivo del siglo 21, ya han recibido el crédito de ayudar a las protestas de la República de Georgia a Egipto a Islandia. Y Twitter, la más reciente herramienta de redes sociales, ha sido identificada con dos protestas masivas en cuestión de meses – en Moldova en abril y en Irán la semana pasada, cuando cientos de miles de personas tomaron las calles para oponerse a los resultados oficiales de la elección presidencial.   ¿Pero la etiqueta Revolución Twitter, que ha sido golpeada en los dos eventos más recientes, sobre vende la tecnología? Los escépticos notan que solo un pequeño número de personas usaron Twitter para organizar protestas en Irán y que otros medios – mensajes de texto individuales, los comentarios de boca en boca y los sitios web en idioma Farsi - fueron de más influencia. Sin embargo Twitter si resultó ser una herramienta crucial en el juego del gato y el ratón entre la oposición y el gobierno en cuanto a expresar la opinión del mundo. Como el gobierno iraní restringe el acceso a periodistas a los eventos, quienes protestan han usado el ágil sistema de comunicación de Twitter para dirigir al público y a los periodistas por igual hacia videos, fotografías y material escrito en relación con las protestas. (Como se ha vuelto costumbre en Twitter, los usuarios han acordado marcar o “etiquetar” cada uno de sus “tweets” con el mismo bit del tipo - #IranElection (Elección Irán) – para que los usuarios los puedan ubicar más fácilmente). Así que posiblemente no hubo una Revolución Twitter. Pero durante la semana pasada, aprendimos unas cuantas lecciones acerca de las fortalezas y debilidades de una tecnología que tiene menos de tres años y que está experimentando un crecimiento explosivo.   1. Twitter es una herramienta y por lo tanto, difícil de censurar   Twitter aspira a convertirse en algo diferente a los sitios de redes sociales como Facebook or MySpace: en vez de ser un vasto mundo auto-contenido en un sitio web, Twitter sueña con ser una herramienta que la gente pueda usar para comunicarse entre sí desde múltiples ubicaciones, como el correo electrónico. No es necesario visitar la página de Inicio (Home) para enviar un mensaje, “tweet”. Los “tweets” se pueden originar de mensajes de texto en un teléfono celular o incluso de software para blogs. De igual manera, los “tweets” se pueden leer de forma remota, ya sea como mensajes de texto, o digamos “actualizaciones de estado” en la página de Facebook de algún amigo. A diferencia de Facebook, que opera únicamente como un sitio web que puede, en cierto sentido ser, incautado, el cierre de Twitter.com no hace mucho por detener el Twittering ofensivo. Se tendría que cerrar todo el servicio, lo que se hace ocasionalmente para dar mantenimiento.   2. Los “Tweets” generalmente son banales pero tenga cuidado   “Las cualidades que hacen que Twitter parezca inofensivo y “a medio cocer” son lo que lo hace tan poderoso”, comenta Jonathan Zittrain, un profesor de leyes en Harvard quien es también experto en Internet. Incluso las cuentas de Twitter que parece que están promoviendo el movimiento de protesta en Irán son en gran parte una serie de enlaces a fotografías que se ubican en otros sitios o breves actualizaciones en cuanto a estrategia. Cada actualización puede no ser importante. De forma colectiva, sin embargo, los “tweets” pueden crear una personalidad o un ambiente que refleja las emociones del momento y ayudan a generar opiniones.   3. Cuidado, comprador   Nada se ha verificado acerca de Twitter. Mientras que los usuarios aprenden a través de la experiencia, a confiar en cierta cuenta de Twitter, todavía es cuestión de confiabilidad. Y así como Twitter ha ayudado a sacar reportes de primera mano de Teherán, también ha difundido información poco precisa, posiblemente incluso, desinformación. Un artículo publicado por el sitio Web True/Slant resaltó algunos de los mayores errores de Twitter que se repitieron y se amplificaron rápidamente en blogs: que tres millones protestaron en Teherán el fin de semana pasado (cuando eran cien miles); que el candidato de la oposición Mir Hussein Moussavi estaba bajo arresto domiciliario (estaba siendo vigilado); que el presidente del comité de monitoreo de la elección declaró como no válida la elección el sábado pasado (no fue así).   4. Cuide su espalda   No solo es difícil asegurarse que lo que aparece en Twitter es preciso, sino que algunos “Twitterers” (usuarios de Twitter) pueden estar tratando de engañarlo. Como el Rick’s Café, Twitter está lleno de discusiones en cuanto a quién es en realidad un informante y quién un agente provocador. Una duradera cuenta en Twitter pro .Moussavi, mousavil1388, que ha llegado a tener 16,000 seguidores, recientemente envió un “tweet”; “ADVERTENCIA: http://www.mirhoseyn.ir/ y http://www.mirhoseyn.ir/ son falsos, NO se unan…#IranElection11:02 AM (Elección en Irán) desde la red.” La implicación consistía en que agentes del gobierno habían creado esas cuentas para despistar al público. ABCNews.com anunció que los usuarios de Twitter que decían que estaban repitiendo (“retweeting”) los escritos del reportero, Jim Sciutto, habían inventado el material para que pareciera que el Sr. Sciutto respaldaba al gobierno. “Me convertí en una víctima involuntaria”, escribió el mismo.   5. Twitter se auto-corrige pero es un indicador engañoso   A pesar de todas las características democráticas de Twitter, no todos los usuarios son iguales. Un usuario que es popular y confiable, tiene más importancia, y como se comentó anteriormente, puede exponer a otros de quienes se sospecha que sean usuarios falsos. De esa manera, Twitter es una comunidad, con líderes y grupos. Por supuesto, Twitter es un cierto tipo de comunidad – que ama la tecnología, generalmente de buena posición, y con tintes occidentales. De esa manera, Twitter es una herramienta muy pobre para juzgar el sentimiento popular en Irán y el tratar de evaluar quién ganó la elección presidencial. El Sr. Ahmadinejad, quien supuestamente tiene algunos seguidores en algún lado de Irán, está perdiendo al estilo de la victoria aplastante de Corea del Norte en Twitter.   6. Twitter puede ser una poderosa herramienta para la crítica de los medios   Así como Twitter puede congregar a quienes protestan contra los gobiernos, su habilidad para la difusión puede congregarlos rápidamente y de forma eficiente contra nuevas canalizaciones. Una de estas protestas espontáneas recibió la etiqueta #CNNfail, usando el argot de Internet para llamar la atención de CNN el fin de semana pasado por no tener una cobertura extensa de las protestas iraníes. Esto se convirtió rápidamente en una campaña de escritura de correos electrónicos. CNN se vio obligada a defender su cobertura impresa y en línea.     Noam Cohen © The New York Times 20 junio de 2009         http://zonezero.com/magazine/articles/cohen/indexsp.php    
Sábado, 20 Junio 2009
Autor:Paul Schrader
        Desde los juegos de video hasta los “reality shows”, estamos inundados de narrativa y nadando en guiones, así lo dice el legendario guionista Paul Schrader. ¿Puede mantener este ritmo el cine tradicional? O estamos sufriendo de un agotamiento en la narrativa?                 A los guionistas les encanta quejarse. Los productores no los respetan, los directores los consideran indispensables, los críticos no les dan el crédito adecuado, los actores los tratan como empleados – aunque algunos se quejan de que histórica y cronológicamente se les ha pagado demás. Otra cosa de la que no se quejan es del “agotamiento de la narrativa”, aunque tiene un mayor peso en sus mentes. El que los guionistas se quejen de la escasez de ideas originales sería como que un vendedor se queje de falta de inventario. No es bueno para el negocio.   Los escritores siempre han estado concientes que sólo hay un número limitado de guiones. Las Siete Tramas de Christopher Broker hicieron popular el número siete, pero otros han argumentado que son 3, 20 y 36 las tramas básicas – Rudyard Kipling decía que 69. Eso no es nuevo. Sí contamos variaciones de las mismas historias una y otra vez. A eso no me refiero con “el agotamiento de la narrativa”. Lo que es nuevo es la omnipresencia y la ubicuidad de la trama creada por la proliferación de los medios. Estamos inundados de narrativa. Estamos nadando en guiones.   Veamos algunos números hipotéticos. Tome a una persona que está conciente de los medios, digamos una persona de 30 años de edad. Llamémoslo Ollie Overwhelmed. Cuando el bisabuelo de Ollie tenía 30 años, posiblemente había visto 2,500 horas de narrativa audio-visual (trama). Su abuelo, a los 30 años había visto unas 10,000 horas. Su padre había visto 20,000 horas. Ollie, en 2009, a los 30 años, ha visto aproximadamente 35,000 horas de narrativa audiovisual. Estos no son cifras fijas. No he leído ninguna encuesta al respecto; sin embargo esto parece correcto.   Esto representa 35,000 horas de trama. Películas, programas de televisión, caricaturas, video en internet, videos en Youtube. Guiones largos y cortos: comedias para adolescentes, telenovelas, historias de amor, dramas de la historia, espectáculos con efectos especiales, horror, pornografía, de alto perfil, de bajo perfil, hora tras hora, día tras día, año tras año. Esto es mucha narrativa. Es agotador.   ¿Qué quiere decir esto? Para un narrador, quiere decir que es cada vez más difícil cumplir con las expectativas del espectador. Casi todos los temas posibles han sido cubiertos y cubiertos exhaustivamente. ¿Cuántas horas de tramas de asesinos seriales ha visto el espectador promedio? ¿Cincuenta? ¿Cien? Ha visto las tramas básicas, las permutaciones de los desarrollos de las mismas, las imitaciones de las permutaciones de dichas tramas y las permutaciones de las imitaciones. ¿Cómo captura un escritor la imaginación de un espectador que ya está empapado de trama sobre asesinos seriales? ¿Haciéndola aún más tenebrosa? Ya se ha hecho eso. ¿Más perversa? Ya se ha visto eso. ¿Humor en los asesinos seriales? Ya hemos estado así. ¿Una parodia? Bostezo. El ejemplo de el sub-género de los asesinos seriales es algo fácil, pero lo que es cierto para las historias de asesinos seriales es verdadero para todos los temas de películas. ¿Familias de policías? ¿Parejas gays? ¿Políticos corruptos? ¿Desadaptados encantadores? Bostezo, bostezo, bostezo.   Esto se vuelve dolorosamente claro para cualquier escritor que pretenda narrar su historia de forma oral (la escritura de guiones está más cerca de la tradición oral que de la literatura). Usted empieza a contar un cuento, trata de atrapar la atención de quien lo escucha, y después observa a Ollie Overwhelmed empaquetar su historia y colocarla en una caja. Ha visto tantos guiones que guarda en cajas ya preparadas. Sólo le pone comillas alrededor de la premisa y la archiva: oh, ésta es del tipo de película de “dos parejas en un viaje por carretera” o del tipo de “seis hombres en el barco salvavidas”, usted, el guionista dice – “y la encuentra colgada, desnuda de un gancho en el baño,” Ollie, quien escucha, piensa: Conozco esa película.   La originalidad está escasa. ¿La proliferación de los medios querrá decir que es más difícil ser original hoy en día de lo que lo era hace 50 años? Bueno, sí. Los espectadores de hoy viven en una biosfera de narrativa. Multimedia todo el tiempo, los 365 días del año, las 24 horas del día. Cuando un narrador compite por la atención de un espectador, no solo compite con narrativas que suceden simultáneamente, sino que compite también con las variaciones de su propia narrativa. Esto es verdadera competencia. La medida de la originalidad se ha elevado. El mercado de la multimedia pone un bono en cualquier cosa que sea “nueva” o “fresca” y, al mismo tiempo, inunda a sus espectadores con narrativas continuas y en competencia.   A los críticos y comentaristas les fascina decir cosas como “Me encanta la historia de amor a la antigüita”, o “un buen misterio a la antigüita”. Pero cuál es su respuesta cuando se les presenta sólo eso? Adjetivos como “cansado”, “trillado”, “nada original”, “obsoleto”, y “prosaico”. ¿Qué debe hacer un escritor? Para empezar, trabajar cada vez más por fuera de los confines de la narrativa tradicional. Este agotamiento de la misma es lo que sustenta el incremento del entretenimiento de “contra narrativa”, tal como:   1. Programas de Reality. Cualquier espectador regular sabe que los programas de “reality” siguen sus propias fórmulas de guiones, pero la apariencia de no tener un guión es esencial para resultar atractivos. El espectador ya hastiado de tanta trama predecible opta por los programas de “reality”.   2. Narrativa de anécdotas. La atracción de películas como Slacker y su progenie *mumblecore es que permiten que se disfrute al ver un comportamiento cargado del artífice de la trama. No es “falso” ni “artificial” (aunque por supuesto lo es)."   3. Reconstrucción de dramas. Ya sea que se basen en eventos famosos o en otros menos conocidos, el entretenimiento de reconstrucción vende la premisa que estos eventos en realidad sucedieron en vez de haber sido “cocinados” por un grupo de escritores (aunque, de nuevo, si bien no fueron “cocinados”, los escritores sí los sazonaron y los sirvieron).   4. Juegos de video. La habilidad del espectador para participar en el proceso de la narrativa crea una ilusión de no-artificialidad.   5. Mini-mini dramas. Parte de la atracción de estas historias de tres a cinco minutos creadas para teléfonos celulares, YouTube y programación original es la ilusión de que no son narrativas elaboradas. Solo pedacitos de la vida.   6. Documentales. Un producto importante de entretenimiento filmado, desde sus inicios, los documentales, que son históricamente los parientes pobres del cine comercial, se han incrementado en número y en espectadores. Este incremento se debe en parte al deseo de los espectadores de ver más allá de las narrativas predecibles.   ¿Qué más? Escribir para los formatos basados en lo predecible y en la repetición (telenovelas, procedimientos de crímenes, caricaturas de súper héroes), re-empaquetar las viejas tramas, con nuevas estrellas y buscar ese elusivo giro “original” que vuelve fresco a un viejo guión. Y esperar. Esperar a que los medios emergentes definan la necesidad de nueva narrativa.   La narración se inició como una ceremonia y evolucionó hasta convertirse en un ritual. Se comercializó en la edad media, y se volvió un gran negocio en el siglo 19 y una industria internacional en el siglo 20. Hoy en día es el omnipresente papel tapiz de la era postmoderna. Como guionistas, luchamos contra nuestro propio éxito. Hemos tapizado nuestro mundo y ahora no logramos que nadie note el cuadro que acabamos de colgar. Esto no tiene importancia. No es una crisis. El “agotamiento de la narrativa” no es un desarrollo independiente. Es uno en una serie de crisis que afectan al cine actual.   Las películas eran una forma de arte del siglo 20. El concepto tradicional de las películas, una imagen proyectada en un cuarto oscuro para los espectadores, parece cada vez más viejo. Desconozco cual será el futuro del entretenimiento audio-visual, pero no creo que será lo que solíamos llamar películas. La narrativa se mutará y prevalecerá. El entretenimiento audio-visual está cambiando y la narrativa cambiará con él.   La Clase Maestra de Guiones de Paul Schrader es el 3 de julio en ScreenLit: Festival de Cine, TV y Escritura en el Broadway Cinema en Nottingham: broadway.org.uk/festival. El film de Schrader Mishima: Mishima: A Life in Four Chapters (Mishima: Una Vida en Cuatro Capítulos) se proyectará en el ScreenLit y abrirá en ICA, Londres el 10 de julio.   *Mumblecore: es un movimiento independiente para realizar películas de bajo presupuesto.     Paul Schrader The Guardian Fri Jun 19, 2009         http://zonezero.com/magazine/articles/schrader/indexsp.php  
Viernes, 19 Junio 2009
Autor:Rebecca Santana and Barbara Ortutay
  Junio 15, 2009. Fotografía de archivo que muestra al vencido candidato presidencial Iraní Mir Hossein Mousavi, a la izquierda abajo, junto a un monitor roto de una computadora en un dormitorio de una Universidad en Teherán después de que fue atacado por fuerzas militares durante disturbios en la capital de Irán en las primeras horas del lunes. De la noche a la mañana, la policía y la milicia tomaron por asalto al campus de la universidad mas grande de la ciudad, saqueando dormitorios y arrestando a docenas de estudiantes furiosos que reclamaban fraude electoral.   La represión en Irán por parte de los medios, busca restringir lo que sus ciudadanos y el resto del mundo pueden ver de las protestas en las calles. Pero nos encontramos en la era del Internet, y los manifestantes pueden tomar video y fotografías con celulares y transmitirlas en la red, un cambio enorme sobre las primitivas comunicaciones que existían durante la revolución de 1979 en Irán. (AP photo)   CAIRO –Irán tomó medidas drásticas el martes contra los medios en un intento por controlar las imágenes de las protestas contra la elección, pero las imágenes y los videos se filtraron de todas maneras – demostrando lo difícil que es impedir el flujo de la información en la era de la Internet.   Las restricciones impuestas por el gobierno les dieron más importancia a sitios de redes sociales como Twitter y Flickr – incluso con la petición del Departamento de Estado de los Estados Unidos de que no se cerrara el sitio para un mantenimiento programado.   Los iraníes estaban poniendo artículos en línea, pero no se sabía cuanta de esta información estaba siendo vista por otros dentro del país. Y aunque algunos de los artículos en Twitter parecían ser de usuarios de Teherán, otros claramente no lo eran.   Después de una manifestación de oposición masiva el lunes, las autoridades restringieron a los reporteros – incluyendo a los iraníes que trabajan para medios extranjeros – el llevar a cabo reportajes desde las calles. Solo podían trabajar desde sus oficinas, haciendo entrevistas telefónicas y monitoreando las fuentes oficiales tales como la televisión del estado.   Algunos periodistas extranjeros se vieron obligados a dejar Irán porque el gobierno no les extendió las visas que habían obtenido para cubrir la elección del viernes, en la cual el Presidente Mahmoud Ahmadinejad fue declarado el vencedor con una mayoría absoluta.   “Claramente, cuando nuestros reporteros no pueden salir a ver las cosas y hablar con la gente, nuestra habilidad para contra la historia no es tan buena como cuando podemos salir a llevar a cabo nuestro reporte y tomar fotos y video,” comentó Kathleen Carroll, Editora Ejecutiva de AP.   Cuando se imponen controles, “trabajamos con esas restricciones, tomando en cuenta que nuestra meta final es poder hacer nuestro trabajo como reporteros,” añadió.   La agencia de noticias Reuters, con sede en Londres incluyó una nota del editor en relación a que la cobertura de los reportes que venían de Irán estaba sujeta a prohibiciones en relación a “que los medios extranjeros dejaran la oficina para reportar, filmar o tomar fotos en Teherán.”   CNN se volvió en parte a los sitios de redes sociales, difundiendo imágenes puestas en Facebook y Twitter, y explicando al aire que estaba usando su “creatividad” para cubrir un evento grande bajo restricciones gubernamentales.   “No podemos verificar oportunamente parte de este material que les vamos a mostrar,” advirtió el corresponsal David Mattingly a los espectadores. Mucho del material en Twitter se coloca de forma anónima.   Bridget Leininger, vocero de CNN dijo que era necesario añadir contexto y explicar cuestiones al hacer reportes en dichas fuentes que están en línea. “Estamos comprometidos en lograr que la información esté disponible en un ambiente noticiero difícil, al mismo tiempo que se es totalmente transparente ante el público,” comentó.   Los periodistas iraníes también han sido marcados, al menos 10 han sido arrestados, según el grupo de libertad de prensa Reporteros Sin Fronteras.   “Estamos muy preocupados por ellos,” dijo Jean-Francois Julliard, secretario general de la organización con sede en París. “No sabemos en donde han sido detenidos, en qué condiciones. Y sabemos también que algunos “bloggers” han sido arrestados, gente que solo tomó fotos con sus teléfonos celulares ha sido arrestada, y todos los reporteros están bajo amenaza.”   El gobierno iraní también trató de evitar que sus ciudadanos difundieran información. El servicio de Internet y de celulares estuvo intermitente el martes, con largos retardos para conectarse. Muchos sitios, incluyendo algunos que dan apoyo al oponente reformista Mir Hossein Mousavi, estaban bloqueados.   Aun en circunstancias ideales, solo un cuarto de los 70 millones de habitantes que tienen acceso a Internet en Irán en casa o en el trabajo, y en cafés Internet se ubican solamente en las ciudades principales.   Temerosos de los intentos del gobierno iraní por rastrear a los usuarios de Twitter, algunos de aquellos que están en el exterior cambiaron sus configuraciones para que pareciera que están Irán – esperando dificultar a las autoridades la ubicación de los usuarios iraníes.   Los usuarios de Twitter también han estado compartiendo formas, llamadas “proxies” (“reemplazos”) que los iraníes pueden usar para sortear los esfuerzos por bloquear sitios.   La importancia de Twitter en Irán ha sido reconocida por el Departamento de Estado de los Estados Unidos, quien contactó a la compañía durante el fin de semana para solicitar que Twitter no quitara su servicio para el mantenimiento programado, de acuerdo con un oficial que habló de forma anónima debido a la delicadeza de la situación.   Twitter Inc. cuya sede está en San Francisco, retrasó el cierre planeado de 90 minutos, citando el papel que Twitter estaba representando en Irán.   Para evitar que los ciudadanos mandaran sus mensajes de texto, “tweets” fotos y correos electrónicos, Irán tendría que restringir el acceso a la red por completo, siguiendo los pasos de Corea del Norte o Cuba, dijo John Palfrey, un experto en censura en la Internet de la Universidad de Harvard.   A los reporteros se les restringió también durante la revolución iraní de 1979, que fue cuando se instaló el régimen islámico que está hoy en el poder.   En aquellos años, los reporteros usaban las líneas terrestres y los servicios de Telex de la compañía de telecomunicaciones del gobierno para sacar las noticias.   En vez de enviar una copia de las organizaciones americanas de noticias que se percibían como tendenciosas a favor de la monarquía, los simpatizantes revolucionarios en el gobierno con frecuencia bloqueaban los circuitos americanos.   Las censuras del gobierno y la Internet se han enfrentado con frecuencia.   Este abril, los manifestantes en Moldova usaron Twitter y la Internet cuando los teléfonos celulares y las estaciones de noticias de la televisión por cable se cayeron.   El gobierno militar de Myanmar ha tomado medidas contra el uso de Internet por parte de grupos disidentes, cerrando temporalmente las conexiones internacionales y encarcelando a “bloggers”.   “Nadie sabe bien a bien que tipo de presión…en realidad llevaría a una elección libre,” dijo Ethan Zuckerman, investigador del Centro Berkman de la Universidad de Harvard para el Internet y la Sociedad. “Seguramente, la atención internacional hace que sea más difícil esconder las cosas bajo la alfombra”.     Ortutay contributed from New York. Associated Press writers Matthew Lee in Washington, Robert H. Reid in Baghdad, Audrey Horowitz in Paris and Andrew Vanacore in New York also contributed to this report.   Ortutay contribuye desde New York. Los escritores de la Associated Press Matthew Lee desde Washington, Robert H. Reid en Baghdad, Audrey Horowitz en Paris y Andrew Vanacore desde New York también contribuyeron en este reporte.   Video de este artículo (en inglés):         Rebecca Santana y Barbara Ortutay Associated Press Jun 17, 2009           http://zonezero.com/magazine/articles/santana/indexsp.php    
Miércoles, 17 Junio 2009
Autor:Pedro Meyer
    Si hay una cosa que me queda clara, es que todo a mi alrededor cambia mas rápido de lo que tengo capacidad para procesar. Esto no siempre fue así. Veamos, de repente el mundo entero se precipitó al abismo financiero. Ya no es como lo fue en otras épocas, cuando se enteraba uno que una crisis económica se desataba en un país determinado; en un continente, Asia o América Latina, por ejemplo; o en una zona: la del euro, ahora le ha tocado al mundo entero. Y todo ocurrió en un abrir y cerrar de ojos en todo el planeta. Esto viene al caso porque hemos llegado a un punto en donde ya poco nos sorprende, sea esto que la mayor empresa automovilística del mundo, la General Motors se declaró en bancarrota, o porque en Irlanda la Iglesia Católica se encuentra inmersa en otro escándalo más de abusos y explotación sexual, como los que ya ha tenido a lo ancho y largo del planeta. Otro día nos despertamos con epidemias, otro con que nuestros ahorros se han perdido para siempre, debido a fraudes bancarios. Pero no vayan a creer que los fraudes son locales y de poca monta por algún charlatán seductor, son nada menos que originados en el epicentro de la economía mundial: Wall Street y por muchas de sus principales instituciones. Si uno de los bancos más grandes del mundo: Citibank, puede derrumbarse como ha sido el caso con esa institución, en cuestión de meses, queda bien poco para sorprenderse de lo que es posible que ocurra, (Para poner las cosas en perspectiva, en 1995, México un país de 100 millones de personas, obtuvo una fianza por 20 billones de dólares. Mientras tanto, Citibank ha recibido 300 billones de dólares de los contribuyentes de Estados Unidos, y esto es únicamente para un banco, y la historia aún no ha terminado.referencia) con lo que otrora eran instituciones entendidas como sólidas y eternas. Las nuevas tecnologías, nos despiertan todos los días con noticias de cambios cada vez más acelerados. La industria de la música, del cine, la prensa impresa, la industria editorial, la televisión, etc. todos sin excepción, han visto que lo que había sido su forma usual de operar, ha dejado de serlo. No hay un solo rubro que no haya visto totalmente cambiada la manera de operar. Imaginemos que en medio de este inmenso océano de incertidumbres, se encuentra ZoneZero, después de una década y media de existencia. Aparte del cuestionable mérito de haber logrado sobrevivir, que por otra parte no es poca cosa en estos tiempos, cuando a nuestro derredor son literalmente miles los proyectos que se han puesto en la red y luego desaparecieron con el paso del tiempo, hemos tenido que ir cambiando una y otra vez, no sólo la forma cómo se produce la página (por razones tecnológicas) sino también, su estructura y navegación interna. Una cosa había permanecido constante, y ha sido nuestro eslogan "de lo analógico a lo digital". Al hacer una revisión interna con el equipo de ZoneZero, de lo que hemos logrado en este tiempo, hemos concluido que esa etapa ya se cumplió con creces. Pensamos que ZoneZero contribuyó al diálogo y la discusión, a nivel mundial, de lo que fue la transición hacia la fotografía digital. La cuestión entonces es, como el que sale de la adolescencia y tiene que enfrentarse a la pregunta: y ahora ¿a qué me voy a dedicar? Estamos en el proceso de re-diseño de nuestra página y para esto quisieramos invitarlos cordialmente a escribirnos y darnos sus opiniones al respecto. Después de todo, si ZoneZero es una comunidad, entonces, esa decisión tiene que venir desde adentro, de lo que pensemos colectivamente. Compartan sus ideas, sus preocupaciones, sus ilusiones, en lo que será la búsqueda colectiva por encontrar nuestra propia voz y nuevo destino, en estos tiempos turbulentos y caóticos.   Pedro Meyer Junio 2009 Coyoacán, Ciudad de México       http://zonezero.com/editorial/junio09/junio09.php    
Lunes, 01 Junio 2009
Autor:Hans Durrer
      “El fotógrafo ganador de premios y columnista del Washington Post, Frank Van Riper reúne una colección de sus columnas más populares para deleitar a sus lectores con un tesoro de agudeza fotográfica...” Eso es lo que uno lee en la contraportada de este libro. Pues bien, vamos a ver cuál es la agudeza fotográfica de este autor.   Sobra decir que hay diferentes maneras de leer un libro. Una de las posibilidades es leerlo de principio a fin. La otra es abrirlo al azar y comenzar la lectura donde y cuando uno prefiera. En el caso de este tomo, yo opté por la segunda opción. Y efectivamente encontré “un tesoro de agudeza fotográfica” que me hizo re-pensar algunas de mis opiniones.   Aquí va un ejemplo: Aunque nunca he pensado que las fotografías se deben leer como textos, como suelen creer algunos críticos (el por qué las imágenes deben ser declaradas textos es algo que rebasa mi entendimiento), sin embargo, he utilizado a menudo (admito que sin pensarlo demasiado) la expresión “leer fotografías”, hasta que me topé con esta cita de Neil Selkirk (‘Ver y fotografiar por instinto’): “El proceso de mirar está más cercano al de oler o degustar que al de leer. La respuesta es inmediata e instintiva, más como un reflejo que considera al cerebro conciente como demasiado abarrotado y con falta de espontaneidad.   Me parece buen punto, pero ¿leer fotografías no significa que deberíamos pensar acerca de ellas, reflexionar sobre ellas, cuestionar qué es lo que estamos mirando, en vez de simplemente ser víctimas de nuestro inconsciente? Selkirk sigue diciendo: “Pensar, de hecho, limita nuestra habilidad para disfrutar las fotografías, que derivan su fuerza de su habilidad para penetrar directamente en el inconsciente. Allá en lo inalcanzable, las imágenes estimulan la memoria y establecen conexiones que luego saltan a la mente consciente, donde se vuelven accesibles para usted y para mí.”   ¿Tiene razón Selkirk? ¿El pensar limita nuestra habilidad para disfrutar las fotografías? Supongo que si lo que quiere usted de las fotografías es ante todo el placer, entonces él debe estar en lo cierto. No obstante hay muchísimas fotografías (piense por ejemplo en documentales, propaganda política, etc.) que claramente pretenden que se reflexione sobre ellas. De hecho, reflexionar sobre ellas es una condición para disfrutarlas.   Bajo el título Stephen King. Maestro de fotografía“ Van Riper se refiere a On Writing (Sobre la Escritura), de Stephen King, calificándolo como “un libro sobre fotografía perspicaz, claro y que se puede disfrutar plenamente”. Con esto, Van Riper quiere decir que lo que plantea King sobre la escritura, pudiera igualmente decirse sobre la fotografía. Por ejemplo: King aconseja a los escritores novatos que lean vorazmente, pues la lectura “es el centro creativo de la vida de un escritor.” Van Riper comenta: “Pudiera decir aquí que la observación, el estudio y la absorción de la buena fotografía sirve al mismo propósito para un fotógrafo principiante. Esto es así porque el aprendizaje de los componentes de una buena imagen –composición, iluminación, gestos- y la observación de esos elementos, usados de diferente manera, una y otra vez por diferentes maestros, le facilita a una persona alcanzar el mismo fin por sí misma, con el paso del tiempo. Y simplemente no hay alternativas para esto. No hay atajos.”   Van Riper también subraya que “en ninguna parte de su libro King tiene algo que decir acerca del ‘equipo’. Por mis propias conversaciones con él, yo sé que escribe sobre cualquier cosa, desde una computadora hasta el dorso de una servilleta. Tengan eso en cuenta la próxima vez que se sientan tentados de creer que su rendimiento creativo se duplicaría si gastaran el dinero de la renta en una cámara mejor. Mejor deberían gastar una parte de ese dinero en unos cuantos libros de fotografía y así podrían estudiar ahí las imágenes para hacer un mejor uso de la cámara que ya tienen.” Buen consejo, diría yo.   Otra pieza se titula “Elogio de la Obsesión”. Como yo nunca he considerado la obsesión como algo positivo (de hecho, todo lo contrario) me preguntaba acerca de qué pudiera tratar este “elogio”. Van Riper elabora lo siguiente: “Como fotógrafos comerciales, contratados como mercenarios por cada director artístico, organizador de eventos, revista o agencia publicitaria, podemos pensar que no tenemos tiempo para estos lujos artísticos, especialmente cuando enfrentamos momentos difíciles y tenemos la necesidad de sobrevivir. Sin embargo, sugiero que el fotógrafo que piense así se está limitando a sí mismo en un sentido importante y fundamental. El proyecto que nos habla directamente –que permanece en nuestra mente al final de un día aburrido de tableros o ensamblando encabezados- es el que va a mantenernos sanos en la rutina de la fotografía comercial. Yo sostengo que rendirse a la obsesión es la mejor manera de permanecer sano.” Sumamente perspicaz, ¿cierto?   En otra ocasión Van Riper anota: “La fotografía, como la pintura, constituye un gran aprendizaje para ver” y continúa, “y se vuelve más cómoda con el equipo que nos permite convertir lo que vemos en algo tangible.” Perspicacias como éstas son la que busco en los libros.   “Talking Photography” consiste de 99 artículos (incluyendo la introducción) y cubre un amplísimo rango de temas, desde entrevistas (por ejemplo, a Bruce Davidson o Frans Lanting) hasta reseñas (como Irlanda de Dorothea Lange, Eduard Steichen: Disminuido por su Éxito, Henri Cartier-Bresson y Brassai: Dos Modos Diferentes de Grandeza) a recomendaciones técnicas (como Fotografía de Obras de Arte o Capturando Venecia de Noche) y más.   ¿Qué fue lo que más me gustó de este útil y recomendable volumen? Las joyitas que encontré por aquí, por allá y por todas partes. Aquí pongo dos ejemplos más. El primero: “Puesto simplemente: Un pintor puede crear una imagen desde la memoria; un fotógrafo no puede. Por esta razón la fotografía ha ganado una reputación de veracidad (‘la cámara nunca miente,‘ aunque de hecho la cámara siempre miente al trasladar la imagen tridimensional a una de sólo dos dimensiones). El segundo es un título, y todavía me hace sonreír: “Stieglitz y Nueva York: Una ciudad a la altura de su ego.”       http://www.zonezero.com/magazine/dcorner/van/indexsp.php      
Lunes, 25 Mayo 2009
Autor:Pedro Meyer
El mundo despide a Mario Benedetti. En recuerdo a mi amistad con Mario Benedetti, fotos de los setentas que yo le tome. Así lo conocí y así lo recuerdo....   Pedro Meyer  
Domingo, 17 Mayo 2009
Autor:Karl Baden
  Haciendo covers de fotografías o Fotografía de cubierta   Ya sea que compremos un libro, nos lo preste un amigo o lo saquemos de la biblioteca, nuestro propósito casi siempre es leerlo. Si el libro tiene una portada ilustrada, generalmente le echaremos un vistazo rápido; pero aunque nos enamoremos de la imagen de esa portada y la grabemos en la memoria con fuego, en realidad lo que nos interesa es el contenido del libro, no la portada… y esto, querido lector, es como debe ser.   Los libros en esta exposición, sin embargo, no están aquí por su contenido; están aquí por sus portadas: trama, temática… todo lo que sucede entre los forros es, para propósitos de esta muestra, secundario, si no es que incidental.   ¿Por qué habríamos de ocuparnos acerca de las portada ilustradas de los libros? ¿Por la calidad del diseño? ¿El alto nivel de la ejecución? ¿La originalidad del concepto? Todas ésas son buenas razones, pero en este caso, no son las precisas. De hecho, la falta de originalidad de estas portadas es lo que las hace dignas de ser examinadas.   Todos estos libros han sido escogidos porque las imágenes en sus portadas hacen referencia de alguna manera, a otra imagen; a una fotografía, para ser más precisos: una cuya significación o popularidad le ha ganado a sí misma o a su creador, un lugar en la historia de la fotografía.   ¿Cómo? ¿Diseñadores e ilustradores se roban ideas pictóricas de los fotógrafos y las usan para sus propósitos particulares? Pues sí, y resulta ser que dicha práctica no es inapropiada o siquiera infrecuente. Gente creativa de todas las disciplinas se ha apoderado comúnmente de las ideas de otros, así sea como cimientos sobre los cuales construir. Viene al caso algo que dijo Sir Isaac Newton:   "Si he podido ver más lejos es por haberme parado en los hombros de gigantes."   Pero quizá Newton es demasiado respetuoso. Más a propósito puede resultar una cita del compositor Igor Stravinsky (aunque también atribuida a Pablo Picasso):   "Los artistas menores toman prestado; los grandes artistas roban."   Vivimos en una cultura que se mantiene actual mediante el reciclaje continuo del pasado, y lo hemos hecho en mayor o menor medida, durante siglos. De hecho, mientras más pasado acumulamos, parece que nos apoyamos más en él; acudimos a su fuente para buscar estimulación y lo desbaratamos para obtener partes sueltas. Artistas de todas las disciplinas exploran la historia del arte y la cultura como consecuencia lógica, en busca de la imaginería que les pueda ofrecer la inspiración o la justificación para su propio trabajo.   En el caso de las portadas de libros, los diseñadores examinan cotidianamente las monografías y antologías fotográficas, en busca del material que les pueda servir como metáfora para el contenido de los libros que les han encargado ilustrar.   En esta exposición, cada portada es comparada directamente con una fotografía muy conocida con la que tiene algún nivel de similitud. El grado de semejanza varía, por supuesto, y es ahí donde la comparación puede volverse interesante: a veces la conexión es muy evidente, un ejemplo de imitación o incluso de descarada apropiación. En otros casos resulta ser una cuestión en la que el diseñador o el ilustrador están sutil o inconscientemente influenciados por un fotógrafo o una fotografía en particular. Finalmente, puede no haber rastro o influencia directa — o aun indirecta—, sino que, a falta de un mejor término, se trata de una coincidencia ‘inteligente’, esto es, una idea o tropo visual que es, — como Carl Jung lo pondría—, parte de nuestra consciencia cultural colectiva. Este último tipo de conexión se puede manifestar de varias formas en grupos o individuos que no tienen una relación evidente entre ellos.   Mediante la comparación de los diseños de las portadas con las fotografías de donde provienen o podrían ser derivados, esta exposición intenta hacer las siguientes preguntas: ¿Qué tanto se puede estirar este concepto de influencia sin que se rompa? ¿Cómo se procesa la sintaxis visual en la cultura y dónde termina la influencia y se inicia la coincidencia? En lugar de ofrecer respuestas específicas para casos individuales, los ejemplos de esta exposición se han armado con la esperanza de que le demos una pensada a algunas de las ideas más complejas que estas interrogantes formulan y quizá, invitarnos a hacer algunas preguntas propias… o por lo menos a tener una experiencia visualmente más estimulante en nuestra próxima visita a una librería.     Ver tour  
Jueves, 07 Mayo 2009
Autor:Juan Antonio Molina
  ¿Qué está pasando con la fotografía en México?   Mi primer impulso es suponer que la Bienal de Fotografía puede dar una respuesta a esa pregunta. Y tal vez sí, pero no necesariamente. O tal vez no necesariamente del modo en que usualmente lo pensamos.   Quiero decir que la selección de obras escogidas por el jurado de la XIII Bienal de Fotografía es representativa de la fotografía mexicana, pero no en el sentido sustitutivo que se le da generalmente al término “representación”. Este grupo de obras no está en lugar de la fotografía mexicana. Su representatividad proviene de que parece resumir una norma. Entonces, ¿qué es lo “normal” en la fotografía mexicana contemporánea?.   Hace casi una década tuve la inocencia de escribir un texto donde revisaba el concepto de “fotografía construida” y su relación con diversas tradiciones artísticas, desde el surrealismo y el constructivismo hasta el conceptualismo y el postconceptualismo. Todo esto para encontrar una ubicación, dentro de lo normal, a varias tendencias de la fotografía mexicana que a mí, quizá por tener una mirada más extranjera o “extrañada”, me parecían muy coherentes con su actualidad, pero también con su historia.   Ya entonces me parecía ordinario encontrar dentro de la fotografía mexicana algunas claves que eran comunes a la práctica fotográfica y artística en muchos otros contextos culturales. Y también me parecía poco sorprendente descubrir que esas claves tenían conexiones con una tradición (tradición de ruptura, pero tradición al fin) que se remontaba probablemente a algunas de las experiencias modernistas. Ahora descubro además que esas claves persisten, con la única diferencia que han pasado a “normalizar” una situación que hace una década parecía mucho más subversiva.   Casi puedo repetir literalmente las palabras de hace 8 años: Ha cambiado la manera de concebir las relaciones de la imagen con la realidad, probablemente porque ha cambiado la manera de concebir la propia realidad. La imagen fotográfica ha dejado de verse como un objeto encerrado en su especificidad técnica y lingüística, ahora se ve y se piensa como un objeto mixto, abierto a cruces de lenguajes y referencias textuales. Los eventos se escenifican, los objetos se inventan, los sujetos se disfrazan. La ficción puede ser simultáneamente el tema, el soporte, el origen, el contexto, la epidermis y el significado de una imagen fotográfica. La fotografía se presenta como documento de un hecho estético previo. La experiencia visual resume un acto cognoscitivo que es en sí mismo una especie de invención del objeto de conocimiento. Todo con la finalidad de reconstruir su identidad, o de relatar una identidad altamente subjetivada. La imagen existe como paradoja más que como paradigma.       Más allá de las apariencias y de las inteligencias particulares puestas en función de cada proceso creativo, ésas son algunas de las tendencias dentro de la fotografía contemporánea a nivel internacional. Corresponden a un estado de la cultura visual que es transnacional y ecléctico. En esa situación, los contextos locales se abren, se expanden y se yuxtaponen. Y es fácil suponer que la ilusión de “globalidad” en que vivimos ha llegado a estandarizar todos los procesos de representación de acuerdo a un referente único o, lo que es peor, a una ausencia de referente definido.   Sin embargo, lo que demuestra este conjunto de fotografías -si alguna utilidad tiene extraer una hipótesis de una muestra tan poco “representativa”- es que la globalización trae adjunta su propia contraparte: la tendencia a enfatizar las identidades mínimas, los microrelatos, los contextos locales que, ciertamente, son inaprehensibles por los ambiciosos discursos nacionalistas, pero también se resisten a disolverse en una universalidad sospechosa.   Lo que está pasando con la fotografía mexicana es que está definiendo su “mexicanidad” a partir de fragmentos, a través de terrenos poco sólidos (y todavía no institucionales), mediante discursos que son “frágiles”, comparados con la grandilocuencia de la épica de otros tiempos.   En esos procesos se genera un realismo débil, que ya no busca un paradigma específico para afianzarse, y que, no obstante, sirve para explorar espacios culturales y sujetos que han estado históricamente al margen de la representación. En esas variantes de realismo el retrato ha adquirido una importancia insoslayable, porque parece uno de los instrumentos más adecuados para ciertas investigaciones y cuestionamientos de las identidades.       Por ejemplo, Carlos Álvarez Montero hace retratos de jóvenes de ambos sexos, que practican el boxeo. En el mismo gimnasio donde realizan sus prácticas, estos muchachos, que apenas rebasan la adolescencia, posan ante la cámara con expresiones que hacen notar que se encuentran muy conscientes de la ficción. Es algo muy interesante, porque parece como si cada sujeto estuviera al tanto de que el resultado del acto fotográfico será solamente una representación ajena a él o ella. Carlos Álvarez titula cada foto con el nombre del retratado, como buscando rescatar algo de esas identidades que la cámara ha puesto en crisis. Pero para los espectadores pueden ser más impactantes los rostros hinchados, las expresiones de cansancio, el aire ajeno (o enajenado) de las poses y la ausencia de simpatía hacia la cámara.   Con resultados igualmente ambiguos, Andrés Carretero propone una serie de retratos de albinos, bajo el título de Fenotipos. Igual son fotos donde la identidad de los retratados, que debería depender de su apariencia física, entra en contradicción con el aire ficticio de muchas de las imágenes. A ello contribuyen las poses que demuestran la manera teatral que tiene cada sujeto de representarse a sí mismo y de autodefinirse frente a la cámara. Pero también influye la manera en que el propio fotógrafo modifica la relación de coherencia entre cada sujeto y su contexto, buscando escenarios en los cuales las personas fotografiadas parecen trasplantadas, como si su destino fuera el sentirse incómodos en cualquier parte.   El trabajo de Carretero tiene un punto donde toca lo etnográfico, y ahí es donde se relaciona con otros proyectos, como el de Lizzet Luna Gamboa, quien partió de una encuesta y un programa de computadora para elaborar un retrato ficticio (más bien un modelo) del mexicano y de la mexicana ideales. Este trabajo (que en algunos aspectos recuerda la serie Antropología del cuerpo moderno, que realizara Marianna Dellekamp hace ya una década) logra filtrar, entre lo forense y lo antropológico, una mirada que no deja de ser irónica y crítica respecto al carácter inducido y artificial de los patrones de belleza. También José Luis Cuevas, con su serie titulada El hombre promedio, roza ese elemento de clasificación y tipología propio de las representaciones etnográficas, manteniendo un tono irónico. Incluso un trabajo como el de Tania Jiménez D'Sahagún parte de una metodología propia de los estudios sociológicos, y eso es lo que determina la selección de los sujetos fotografiados, y los formatos en que se presentan los retratos.     Como se ve, estas propuestas plantean un concepto de realismo que es paradójico, pues problematiza justamente la “realidad” de lo fotografiado. Es un realismo que asume las identidades como representaciones, como aspiraciones, como puestas en escena o como situaciones de transición, nunca como estados permanentes. Esta noción de realismo sigue abierta a obras que cuestionan la realidad cultural, política y social de México y América Latina, con un tono ambivalente, como en los respectivos proyectos de Carla Verea Hernández y de Arelí Vargas Colmenero (quienes, por cierto, también juegan con las tipologías) o con un carácter más directo, como en la serie de José Hernández Claire sobre la migración en México, o las fotografías de Livia Corona, sobre los asentamientos urbanos al norte del país.   Algunas de las obras surgen de esa afinidad que siempre ha tenido la fotografía con lo fantástico y lo misterioso. En el caso de Gerardo Montiel Klint esta particular visualidad parece deberse más evidentemente a su afición por las narrativas que bordean el absurdo, que exploran los límites de lo trágico y que sugieren siempre una posibilidad de violencia latente. En las obras de Lucía Castañeda Garma, Oswaldo Ruiz Chapa, Miguel Ángel Ortega Bugarin y del colectivo Sector Reforma, la foto surge de una relación más “primitiva” entre la subjetividad del fotógrafo, la realidad contemplada, y el instrumental fotográfico, aun cuando no se descarte la manipulación. Las fotos de Fernando Montiel Klint, compuestas de escenografías abigarradas y de colores estridentes, tienen un aire mixto, entre lo irreal y lo hiperreal, que no deja claro cuáles son los límites entre la manipulación y la documentación.   También hay algunos ejemplos de una fijación casi obsesiva en lo visual, en los que el efecto estético proviene de estructuras formales ambiguas, volátiles, casi inasibles, como las que elaboran Zony Maya Zetune y Oritia Ruiz Pulido. Y hay obras, como las de Sandra Valenzuela y Enrique Balleza Dávila, que parecen reconstrucciones hipnóticas de la luz y el color, reformulaciones semiabstractas de las formas naturales o referencias proto-orgánicas a ciertos motivos ya “marcados” por la historia del arte moderno. En ese rango entra también el video de Claudia Flores Lobatón, con una intensidad que deriva de la combinación entre sonido, imagen fija e imagen en movimiento, lo que en última instancia es una manera de cruzar diferentes temporalidades.     El recuento de todas estas variantes hace notar que la lista no es tan breve como pudiera parecer a primera vista. Y que el conjunto, aunque articulado, no cae en la monotonía. Las opciones de realismo alcanzan extremos como el del video de Mario Héctor Gómez, que es un excelente ejemplo de cortometraje documental. El trabajo con los retratos se vuelve sutil y metafórico en los interiores domésticos de Blas Yuri Manrique. La instantánea en el espacio público muestra a Misael Torres como un fotógrafo con intuición y talento. Marianna Dellekamp propone una obra sofisticada que localiza al ser humano como referente último del documento. Fernando Etulain convierte en un juego refinado la investigación sobre la perspectiva, recreando planos y texturas, sugiriendo nuevas posibilidades para el collage, la intervención y la apropiación de imágenes históricas.   Yo insisto en que estamos hablando de lo “normal”. Y enfatizo esto porque creo que fuera de este conjunto también pueden encontrarse propuestas muy audaces, tal vez menos sólidas, pero no por eso menos promisorias. Y entiendo que el Centro de la Imagen no desatenderá esas otras posibilidades, con las que se pueden marcar nuevas rutas para la fotografía en México y América Latina. El origen de esas rutas es inevitablemente una zona de riesgos y de imprevistos.   Al asumir la tarea de organizar una nueva Bienal de Fotografía, partimos de reconocer que mucho del impacto que ha tenido el trabajo del Centro de la Imagen es localizable en esos momentos inaugurales, a veces promisorios y siempre impredecibles. En ese sentido es que puede entenderse la influencia que ha tenido el Centro de la Imagen en el desarrollo y la formación de nuevos fotógrafos y nuevas visiones fotográficas. Pudiéramos decir, incluso, que el trabajo del Centro de la Imagen, a lo largo de los años, es mucho más constatable en el campo de la fotografía “joven”, siempre que sea posible despojar al término del exceso de implicaciones generacionales.   Lo importante es que esa zona de influencia la ha conservado el Centro de la Imagen fundamentalmente mediante sus programas educativos, aun cuando los resultados concretos se hagan visibles generalmente mediante exposiciones y otros programas de promoción y de circulación de la obra artística, entre los cuales sigue teniendo un lugar importante la Bienal de Fotografía.   Con esta perspectiva es que hemos buscado la integración de diversos programas en la XIII Bienal de Fotografía, otorgándole a todo el proyecto un carácter extensivo. Eso nos lleva a desplazar el centro de gravedad desde el concurso hacia el resto de las acciones y proyectos complementarios. Si bien la competencia sigue siendo una herramienta útil para la promoción y el estímulo de los artistas contemporáneos que trabajan con la fotografía, lo cierto es que la Bienal debe asumirse como un programa mucho más complejo, cuyos alcances y objetivos podrían banalizarse si dependieran exclusivamente de los mecanismos de juicio y selección que impone todo concurso.   Nuestra meta principal es organizar la Bienal de Fotografía según un modelo en el que interactúen diferentes proyectos curatoriales, investigativos, promocionales y educativos, equilibrando su importancia e impacto con los del concurso. Así buscamos lograr una mayor coherencia entre la Bienal y el proyecto integral de trabajo del Centro de la Imagen para los próximos años.   Al efecto es importante mencionar que en la XIII Bienal de Fotografía confluyen al menos seis exposiciones, varias de carácter internacional. Del prestigioso Fotofest llega la muestra Discoveries of the Meeting Place, con obras de diez artistas seleccionados por diferentes curadores, mediante revisiones de portafolios durante el Festival de 2006. La lista incluye autores provenientes de Inglaterra, Estados Unidos, Bélgica, Corea del Sur, Alemania, Dinamarca y República Checa.   Del festival Photo Poland, de 2007, se presenta la exposición personal de Konrad Pustola, artista polaco residente en Londres, cuya obra, junto con la de otros cinco fotógrafos, fue seleccionada también mediante el trabajo conjunto de varios curadores e investigadores de la fotografía contemporánea, para representar al festival en diferentes eventos internacionales.   La Galería de Arte de Ontario contribuye a la XIII Bienal de Fotografía con un proyecto que sigue un modelo bastante ejemplar. The Grange Prize es un concurso que se realiza anualmente desde 2007, en el que participan fotógrafos canadienses y de otros países, seleccionados por un grupo de curadores. Una vez realizada la selección final, el público vota, mediante la página de internet habilitada para ello, para designar al ganador del premio, consistente en 50 mil dólares canadienses. En esta ocasión, el ganador será escogido entre varios fotógrafos canadienses y varios mexicanos. Las obras concursantes serán exhibidas tanto en México como en Canadá.   La exposición de obras producidas por los alumnos del Seminario de fotografía contemporánea del Centro de la Imagen es otra muestra de la intersección entre los programas educativos y el trabajo curatorial. Por último, la Antología breve, que reúne obras participantes en bienales anteriores, sirve para establecer conexiones entre las propuestas contemporáneas y otras pertenecientes a la historia o la “memoria” de este evento.   Lo que he descrito aquí parece un muestrario de todas las actitudes que pueden tenerse ante el lenguaje fotográfico. Pero sería demasiado ingenuo suponer que todas las posibilidades se agotan en este punto. Estamos solamente ante un conjunto parcial dentro de un mundo artístico que es mucho más vasto y que merece igual esfuerzo para ser comprendido. Revisar este grupo de fotos ha sido como contemplar una de las tantas combinaciones de un caleidoscopio. Después de esto lo más coherente es seguir probando otras combinaciones. Pudiera ser una manera poética de tantear los otros límites del riesgo.       Juan Antonio Molina Coordinador XIII Bienal de Fotografía     XIII Bienal de Fotografía. Centro de la Imagen/CENART/CONACULTA. México DF, 2008. Págs. 9-13.       http://zonezero.com/magazine/articles/molina/indexsp.php    
Jueves, 07 Mayo 2009
Autor:Pedro Meyer
    La Ciudad de México es un lugar muy tranquilo estos días. Todos los restaurantes, bares, discos, centros nocturnos, boliches y billares están cerrados. No hay cines, galerías, museos ni actividades culturales. Tampoco hay encuentros deportivos ni actividades religiosas, como misas, por ejemplo. Todas las escuelas, desde preescolar hasta universidad también están cerradas. Se puede visitar a los amigos, desde luego, sin embargo, la mayoría prefiere quedarse en casa, conectada a la televisión, al teléfono, al celular o a la computadora. Mañana tampoco habrá negocios abiertos. Es una clausura de todo el sistema. La razón para hacer esto es para intentar mantenernos apartados unos de otros y evitar que la fiebre porcina se propague.   Como si este ominoso panorama no fuera suficiente, además tuvimos un temblor de 5.8 grados en la escala de Richter; por supuesto, éste fue seguido por unos vientos muy fuertes, y aún ahora no sé por qué escribo "por supuesto", pero me da la impresión que con el calor y lo que está pasando, con todo y la sacudida de tierra, como que los fuertes vientos fueran lo más natural que ocurriera. En fin, como resultado de tal ventisca en el área donde vivimos, la red eléctrica se cimbró y hubo todo tipo de cortocircuitos que originaron seis apagones durante el día. Cuando se va la energía eléctrica, se va el agua. Las bombas dejan de funcionar. Y todo esto en medio del temor de resultar contagiado, sin tener la certeza de cómo, ya que todo lo que sabemos se basa en meras especulaciones.   Tal parece que a la ciudad le hubieran pasado la aspiradora y se hubiera llevado a más de la mitad de la población, cosa que es buena, dado que la influenza porcina se transmite de humano a humano. Los resultados están por verse. Esperemos que por el bien de todos funcione la medida.   El aislamiento se ha vuelto peor debido a que muchas líneas aéreas de diferentes partes del mundo han cancelado sus servicios hacia México. La conciencia de esta cancelación es tan importante como la necesidad de saber que se puede viajar.   Una amiga, después de aterrizar en Shanghái, me reportó que tras platicar con el taxista y mencionarle como parte de la conversación que venía de México, éste detuvo el coche y le pidió que se bajara. O el caso de mi ex esposa, que fue a Nueva York a una junta de producción sobre la película en la que está trabajando, y la gente con la que se iba a reunir le pidió que se vieran en un parque, en lugar de sus oficinas. Dicha junta fue cancelada más tarde debido a que la gente que iba a asistir ni siquiera consideró un parque como un lugar seguro.   Me da la impresión de estar viviendo escenas sacadas del hundimiento del Titanic, con gente tratando de treparse a los botes salvavidas empujando a los demás y pensando sólo en sobrevivir a cualquier costo. Recuerdo la imagen de un hombre que intentaba subirse a un bote destinado para mujeres y niños, disfrazado de mujer. Lentamente la situación se ha vuelto peor cuando se le echa un vistazo al escenario internacional y al comportamiento de la gente en otros países.   La gente que se apresura para conseguir comida y llena el carrito hasta el tope aun cuando no le urge. Una mujer se llevó todas las latas de atún que había en el anaquel del súper... tendrá atún para el resto de sus días, pero ojo: ni siquiera hay escasez de alimentos en los mercados. A pesar de estos casos aislados, que seguramente podrían suceder dondequiera que la gente se ponga muy nerviosa, aquí en la ciudad de México, la población se ha comportado admirablemente bien, y un sentimiento de "estamos juntos en esto" ha aflorado en este momento de crisis (mientras no estornudes).   Del escenario internacional, el sentimiento que uno obtiene de las noticias es que estos son tiempos apocalípticos. Los mensajes de solidaridad del extranjero han sido escasos. En los Estados Unidos, en estos momentos los sentimientos antimexicanos no difieren demasiado con los que se oponen con mayor pasión a la inmigración mexicana y los que son un poco menos burdos.   Hasta ahora no ha habido evidencia de que el virus se transmita por comer puerco o por tocarlo. No obstante, con oportunismo político, Egipto ha ordenado el sacrificio de todo el ganado porcino de su país y ni siquiera tienen un caso de influenza porcina. ¿Qué tal esta previsión? Al mismo tiempo, en una conferencia de prensa en China, un alto mando declaró que cualquier sugerencia de que la influenza porcina se había originado en ese país, era totalmente injusta para sus cerdos. En un lugar matan a todos los cerdos, en el otro les rinden honores. De cualquier manera, en China hoy por hoy tratan a sus visitantes mexicanos con total desdén y falta de respeto, que resulta de una marcada diferencia con la que tienen hacia sus propios cerdos.   Pero aun con todo lo que está pasando a nuestro alrededor, queremos que sepan que ZoneZero se está produciendo en el corazón mismo de lo que ha sido llamada la cuna de la casi pandemia (la OMS declaró el nivel 5 de 6 posibles). Estamos trabajando desde nuestras diversas casas y haciendo que siga todo adelante, como siempre lo hemos hecho. Quiero asegurarles que nuestros mensajes les llegarán sin virus alguno, así que no hay de qué preocuparse.   "Cuando los cerdos vuelen" es una forma de decir que algo no sucederá jamás. Como lo explica la definición de la Wikipedia: "Los cerdos son animales pesados, sin alas y es imposible que vuelen”. Así que ‘cuando los cerdos vuelen’ es un tiempo que nunca llegará. La frase se usa con sentido humorístico para hacer mofa de alguien por intentar conseguir algo que está fuera de sus posibilidades. Pues bien, tal parece que ese tiempo ha llegado, que los cerdos están volando en efecto, con esta influenza porcina que se encuentra en el centro de la atención mundial.   Como quiera que estos eventos de salud se desarrollen finalmente, me complazco en compartir con ustedes que al parecer, los cerdos están también volando, el en el frente digital de la fotografía.   Esquire fotografió a Megan Fox para su portada de junio en video —supuestamente la primera vez que esto ocurre en el mundo de las revistas en donde una foto fija, es creada por medio de una cámara de imagen en movimiento.   www.gizmodo.com/5229743/megan-fox-esquire-cover-shot-in-video-not-stills   Hemos escrito sobre esto en varios de nuestros editoriales anteriores, pero hasta ahora se ha vuelto una realidad. Y sólo estamos viendo el comienzo.   Por otra parte, abrimos una convocatoria en donde los invitamos cordialmente a compartir con nosotros sus fotografías (realizadas de la manera que lo deseen) de lo que está sucediendo en su mundo con esta epidemia de influenza porcina.   Con mis saludos desde la Ciudad de México.     Pedro Meyer 1º de mayo de 2009             http://zonezero.com/editorial/may09/mayo09.php      
Viernes, 01 Mayo 2009
Autor:Hans Durrer
  Uno de mis problemas con la fotografía, en especial con la fotografía documental, es que es una intrusa. Para aliviar este problema, no obstante que se trate de fotos de prensa o retratos, la fotografía necesita la cooperación entre el fotógrafo y el sujeto.   "Fotográfo de Guerra", un documental realizado por Christian Frei acerca del trabajo de James Nachtwey, fue nominado al Óscar (en 2002) y ganó doce festivales internacionales de cines.   Dos mini videograbadoras ubicadas en la cámara de Nachtwey le permiten a los espectadores ver lo que el fotógrafo estaba mirando. Una mujer llorando en Kosovo. La gente trata de consolarla. Se acaba de enterar, uno supone, que alguien cercano a ella –tal vez su hijo, tal vez su esposo – fue asesinado o encontrado en una fosa común. No se nos dice, no sabemos, nos quedamos adivinando. Tampoco sabemos lo que el fotógrafo sabe. Vemos lo que el fotógrafo ve: una mujer llorando, con la cara llena de dolor, algunas mujeres tratan de calmarla y consolarla. Nachtwey se acerca más y más, apunta la cámara a su cara y dispara sin cesar. ¿Cómo es capaz de hacer eso? ¿No se siente incómodo y avergonzado? ¿Acaso no tiene escrúpulos?   En el sitio web de su película se puede encontrar la siguiente cita de Nachtwey: "Cada minuto que permanecí allí quería largarme. No quería ver eso. ¿Interrumpiría todo para huir o me enfrentaría a la responsabilidad de estar allí con una cámara?" En la película lo podemos escuchar más de una vez enfatizar la importancia de tener respeto. También menciona que él se asume como vocero de quienes retrata.   Me alegra que las fotos de Nachtwey existan y nos recuerden cosas que quizá preferiríamos que no se nos recordaran. Quiero creer en sus buenas intenciones. Sin embargo, también siento que hay algo que está mal con este tipo de fotografía, porque la gente retratada es utilizada; no puede opinar sobre cómo aparece en la imagen y después es colocada en las páginas de un libro o colgada en una pared.   Echemos un vistazo a las racionalizaciones de Nachtweys.   No sé bien qué es esto de "la responsabilidad de estar allí con una cámara".¿Querrá decir que sólo porque es un fotógrafo profesional que va a las zonas de guerra a tomar fotos, tiene la obligación de hacerlo? ¿Según quién? Y de ser así, ¿ante quién tiene tal responsabilidad?   Sí, se necesita el respeto, es imperativo, ¿pero cómo se traduce esto a la acción? Sostener una cámara frente a la cara de una persona doliente es indefendible; es lo contrario a respetar, es la ausencia total de tacto, cortesía y decencia. ¿Es en verdad su vocero? ¿Cómo es posible? ¿Cómo sabe esta persona que puede necesitar o querer un vocero?   La fotografía es un medio intruso. No pocos fotógrafos se refieren a su actividad en términos algo agresivos, tales como disparar fotografías. Una forma de suavizar esta intrusión –si uno lo desea – es la cooperación entre el fotógrafo y aquéllos a quienes retrata. Tal cooperación no es poco frecuente, sólo piense en las fotos de relaciones públicas o en los retratos.   En el periódico Guardian de Londres del 18 de enero de 2003, Liz Jobey cita la siguiente nota producida por la fotógrafa Julia Margaret Cameron acerca de lo que ella percibió como su primer fotografía exitosa:   "A la una de la tarde del 29 de enero de 1864, una niñita de rasgos querúbicos y cabello que le llegaba disparejo hasta los hombros, enfundada en su abrigo invernal, esperaba pacientemente a que su foto fuera tomada. Frente a ella, una mujer de corta estatura, robusta y de edad madura, acomodaba otra placa de vidrio en la parte trasera de su enorme cámara y le rogaba a la niña que se mantuviera quieta. Tal vez ella también estaba contando; la imagen tardaría hasta cinco minutos en estar totalmente expuesta. Si la niña estaba aburrida, no se notaba. Su cara, volteada a medio perfil para captar mejor la luz, estaba serena pero con vida, con sus curvas acentuadas por el contraste entre la luz y la sombra. Tuvo un resultado feliz – lo sabemos porque la fotógrafa le escribió más tarde al padre de la niña: "Mi primer éxito perfecto en la fotografía se debe en gran medida a la docilidad y dulzura de mi mejor y más fiel modelito. Esta fotografía la tomé a la una de la tarde, del viernes 29 de enero Impresa, fijada y enmarcada por mí a esta hora que son las 8 de la noche del mismo día 20 de enero de 1864. Julia Margaret Cameron."   Diez años después, en sus memorias Annals of my glass house (Anales de mi invernadero), Cameron se explayó sobre aquel momento, "estaba presa de la dicha. Corrí por toda la casa para buscar regalos para la niña. Sentía como si ella sola hubiera hecho la foto"   Más recientemente, Murat Nemet-Nejat (2003), en The peripheral space of photography (El espacio periférico de la fotografía), también enfatiza la importancia del comportamiento del sujeto: "La actitud en la pose es una dimensión fotográfica que va más allá de la intención del fotógrafo y sugiere la independencia –incluso afirma la existencia misma – del sujeto. La pose es la clave para captar al independiente, al socialmente marginal y relegado en un acto fotográfico"   De acuerdo, pero hay fotógrafos que ciertamente reconocen la importancia de la pose. Lisa Kahane (2008), en Do Not Give Away to Evil (No se entregue al demonio), escribe: "A pesar del cinismo oficial sobre la fotografía callejera, la gente que conocí en el barrio estaba feliz de que le tomara fotos. Paraban el coche a media calle (muy del Bronx) y salían para posar para mi. Tenían orgullo y generosidad. Ninguna de las personas que conocí pensó más de un instante en robarme la cámara"   En estos tiempos en que algunos fotógrafos gozan de celebridad, es muy útil que nos recuerden que una buena fotografía no depende solamente de la habilidad del fotógrafo para escoger el sujeto adecuado, la locación y la luz, sino también de la química y cooperación entre el fotógrafo y el sujeto.   Un buen ejemplo de esto es One Step Beyond (Un paso más allá), el proyecto multimedia sobre las minas terrestres y sus víctimas, realizado por el fotógrafo alemán Lukas Einsele. Debido a que Einsele utiliza una cámara de gran formato para hacer sus fotos, la puesta en escena es inevitable porque, como me dice en un correo electrónico: "La cámara es visible, la foto –su exposición – dura tanto tiempo que cierto consentimiento debe existir entre el fotógrafo y el sujeto. Claro, hay excepciones, pero en realidad busco estas producciones comunes mediante las cuales los sujetos se vuelven coautores de una imagen y una realidad."   Cuando se miran obras fotográficas, con frecuencia los observadores no saben si han tenido lugar formas de cooperación tales como las que se han mencionado. A veces los observadores se enteran, pero por lo general no. Las fotografías nos invitan a preguntarnos: ¿Qué es lo que me muestran los ojos? ¿Cómo se llegó a esta imagen? ¿Qué es lo que no muestra? Y así por estilo.   Mientras Walker Evans trabajó para la Administración de Reubicación en los años 30 del siglo pasado, tomó fotos de campesinos medieros en Alabama. Los retrató en su vida diaria, a veces con las ropas desgastadas, los pies sucios, el cabello despeinado y las caras sin rasurar, porque quería documentar la circunstancia en la que vivían. Sin embargo, eso no parece haber sido del agrado de ellos, pues existe una foto –que Evans no usó en sus publicaciones – que muestra una familia limpia y bien peinada, vestida con sus mejores ropas. Podemos dar por hecho que fue tomada a petición de la familia.   A pesar de mi profunda afinidad con los fotógrafos de temática social, cuando la gente retratada se avergüenza de cómo aparece en las fotos, es claro que hay algo mal con esta clase de fotografía.     Hans Durrer Abril de 2009     References • Cameron, Julia Margaret (1874), Annals of my glass house. Recopilado y comentado por Violet Hamilton. Consultado el 18 de marzo de 2008 en: Victorian photographs: Julia Margaret Cameron. • Einsele, Lukas (2000-2005), One step beyond. Consultado el 18 de marzo de 2008 en: One Step Beyond. • Jobey, Liz (2003), First light En The Guardian, enero 18 de 2003. • Kahane, Lisa (2008), Do not give way to evil. Photographs of the South Bronx, 1979-1987. Brooklyn, Nueva York: Powerhouse Books. • Nemet-Nejat, Murat (2003), The peripheral space of photography. Los Angeles, California: Green Integer Press.         http://zonezero.com/magazine/articles/durrer3/indexsp.php    
Lunes, 20 Abril 2009
Autor:ZoneZero
      Un amigo me envió ésta liga recientemente. No tiene créditos, ni es parte de una página que ayude a entender su contexto. Parece como si fuera el trailer de una película. Lo compartimos con ustedes simplemente por que nos maravilla las muchas direcciones que la fotografía fija ha estado tomando en tiempos recientes. Nos dan escalofríos nada más de pensar en el futuro de la imagen. Si alguno de ustedes sabe más sobre ésta pieza, por favor compartan la información con nosotros.   Nadia Baram Editora de Fotografía   Más información acerca de este artículo: http://www.youtube.com/watch?v=teoSDTJDjF4         http://zonezero.com/magazine/articles/anonimo/indexsp.php    
Domingo, 19 Abril 2009
Autor:Martin Parr
  Perspectiva de un experto ante una dfoto de Madonna     Madonna ha publicado una fotografía en la que aparece sosteniendo a Mercy, la niña Malawi a la que espera adoptar. La foto es sepia. ¿Por qué? La selección del tono sepia responde a la intención de crear una imagen de apariencia romántica e idealista. Es como una versión suavizada de una propaganda. ¿Recuerdan cuando los suplementos a colores publicaban imágenes de la hambruna y de la miseria en blanco y negro? Algunos todavía lo hacen. Esto lo hacen porque quieren darle una apariencia más auténtica, pero es una fabricación. Usted no puede tomar fotos en sepia, así que convertirlas a blanco y negro y luego llevarlas al tono café hace que todo se sienta menos real. Madonna es una persona inteligente, y esta imagen es parte de un intento concienzudo para persuadir a los tribunales malauianos de que su adopción debe proceder. Además de la foto entonada en sepia, parece haber también un suave tinte rosado sobre la propia imagen de Madonna. Supongo que ése es el color de la tranqulidad, y de la preocupación asociada a la maternidad. Pueden imaginar a Madonna y su equipo calculando esto de la misma manera en que se planifica una campaña publicitaria. Esta predilección por el sepia es parte del bagaje que tenemos en relación con la fotografía. A pesar de todo, la gente parece creer que la foto se ve más real. Hace apenas 30 años, si usted era un fotógrafo serio, y parte del mundo del arte, tenía que trabajar en blanco y negro. Casi era desdeñado como comercial si fotografiaba solamente en color. Cuando comencé a hacer fotos en color, entre 1982 y 1983 sólo había existido una exposición seria en color (que fue la de Peter Mitchell en la galería Impressions, en York en 1979, con el título Nueva refutación de la misión espacial Vikingo IV). Fue un escándalo en el mundo de la fotografía. Pero me convenció de que el color no pertenecía sólo al mundo de los fotógrafos comerciales y aficionados. No obstante, algunos conservan la noción del fotógrafo humanista de imágenes en blanco y negro. El sepia en particular tiende a hacer que todo parezca un poco romántico y casi sentimental, de lo que se deriva que permanezca como una opción muy popular para las fotos de bodas. Es algo que sugiere viejos valores, y en nuestros días de modernización, es algo que anhelamos. The Guardian Miércoles 15 de abril 2009           http://zonezero.com/magazine/articles/parr/indexsp.php    
Miércoles, 15 Abril 2009
Autor:Getty Images
  Orgullosamente apoyamos a fotógrafos que utilizan sus imágenes para promover cambios positivos en nuestro planeta. Para tal propósito hemos lanzado nuestra Beca para la Bondad.   Agencias sin fines de lucro necesitan imágenes para contar sus historias - por lo cual nuestra Beca para el Bondad, otorga 2 becas anuales por $15,000.00 Dlls. para cubrir los gastos de los fotógrafos mientras crean nuevas imágenes constructivas para la organización sin fines de lucro de su elección.   Los beneficiados con las becas pueden usar la totalidad del premio para compensar sus gastos, o pueden donar todo o parte directamente para la caridad y contribuir así con su propio tiempo y recursos. Los fotógrafos ganadores tendrán la opción de trabajar con nuestro equipo de directores de arte, editores de fotografía y productores para apoyar el proyecto. Tanto el fotógrafo como la agencia sin fines de lucro y cualquiera otra involucrada, estarán en exposición a los medios y destacados en nuestra página de compromiso comunitario.     Puede contactarnos para cualquier duda sobre nuestra Beca para la Bondad a:   grants2@gettyimages.com   Fecha límite: 15 de Abril, 2009 Los ganadores serán anunciados en Junio 2009.   Para más información: www.imagery.gettyimages.com/getty_images_grants/overview.aspx         http://zonezero.com/magazine/articles/grantsforgood/indexsp.html    
Miércoles, 15 Abril 2009
Autor:Galba Sandras
Date: April 9, 2009 8:06:08 AM   Dear Zonezero.   I am currently living in the northest os Brazil as a working photographer in the areas of advertizementt and fashion. I began experimenting with fine art photography latter turning to comercial but never living the fine art aspect of photography and allways exploring diferent ways to photrgraf the nude. I found out about Zonezero reading about a friend who was showcased on your website. As soon as I entered the web side I felt it was a place I would like to be in touch with for its quality, ayout and diversity of work and people from around the world.   Congratulations for your great work.   Galba Sandras   ps: I wiil soon submit some of my work for your apreciation  
Jueves, 09 Abril 2009
Autor:BBC News
  BBC NEWS | Marzo 11, 2009       Caravaggio utilizaba una temprana forma de fotografía para crear sus piezas maestras 200 años antes de la invención de la cámara, afirma una investigadora.         Roberta Lapucci mencionó que el artista italiano – notable por el manejo de su claro-obscuro (luz y sombra) en sus pinturas, utilizaba “técnicas que son la base de la fotografía”.   Era bien sabido que trabajaba en un “cuarto obscuro” y que iluminaba a sus modelos a través de un hoyo en el techo.   Sin embargo, la Sra. Lapucci cree que la imagen también era proyectada en el lienzo y “fijada”.   Sustancias sensibles a la luz eran aplicadas al lienzo lo cual fijaba la imagen por unos 30 minutos, permitiendo a Caravaggio pintar la imagen con trazos burdos utilizando plomo blanco mezclado con químicos y minerales que eran visibles en la obscuridad.   La Sra. Lapucci, quien es maestra en el prestigioso Studio Art Center International en Florencia, es la primera investigadora en sugerir que el pintor del siglo XVI trabajaba el lienzo con sustancias que eran sensibles a la luz.   Ella cree que Caravaggio pudo haber utilizado polvos fotoluminiscentes de luciérnagas machacadas, los cuales eran utilizados en esa época para crear efectos especiales en producciones teatrales.   “Existen muchas pruebas, es notable el hecho de que Caravaggio nunca hacía bosquejos preliminares”, así que es posible que utilizara estas “proyecciones” para pintar, dijo la Sra. Lapucci.   Es notable que “una anormal cantidad de sus temáticas son de zurdas”, dijo Lapucci: “Eso podría ser explicado por el hecho de que la imagen proyectada en el lienzo estaba al revés”.   Añadió: “Esto desaparece de manera inusual en sus trabajos mas recientes, una señal de de que los instrumentos que utilizaba, mejoraban. De la misma manera, gracias al progreso técnico, sus pinturas ganaron una gran profundidad de campo con los años”.   Lapucci dijo que el uso de tales técnicas no disminuían el trabajo del artista. “Su maestría en el manejo de ciertas técnicas antes de su tiempo, no disminuía su ingenio. Al contrario, sin duda alguna, no es posible proyectar imágenes en un lienzo y copiarlas para convertirse en un Caravaggio”.     BBC NEWS Marzo, 2009         http://zonezero.com/magazine/articles/caravaggio/indexsp.php    
Domingo, 08 Marzo 2009
Autor:Phillipe de Montebello
La Vanguardia.es | 19 de marzo, 2009       "La contemplación del arte requiere paciencia; pasamos muy poco tiempo delante de las obras".           A finales del pasado mes y tras 31 años como director, Philippe de Montebello abandonó el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Atrás dejaba una trayectoria impecable, marcada por la excelencia y la calidad, y una institución que hoy es el modelo de referencia de los grandes museos del mundo. Montebello ofrecerá mañana la conferencia inaugural de la primera cátedra organizada por el Museo del Prado que analizará el presente y futuro de los museos.   "Una de las razones por las que dejé el cargo -explica Montebello- fue porque estoy convencido de que no soy la persona del mañana para el museo. Soy la persona de ayer y ahora es el momento de rehacer las cosas, de reinventar el modelo del Metropolitan".     ¿Es el momento de las nuevas tecnologías, de internet?   Sí. Es el medio de comunicación de las nuevas generaciones. Y estamos obligados a comunicarnos con ellas en su lenguaje. No leen periódicos, leen las pantallas. Y esta tarea no la puede hacer alguien como yo, que nació antes de la Segunda Guerra Mundial. La posibilidad que ofrece Google Earth para contemplar determinadas obras del Prado es algo maravilloso. Puedes hacer un zoom que el ojo no consigue, ver hasta el mínimo detalle, pero lo que ves es falso, porque ni el artista ni el visitante pueden hacerlo. La tecnología ayuda, añade, inspira la visita, pero no la sustituye. La contemplación física es necesaria y el público lo sabe.   ¿El Met sigue siendo el modelo a seguir?   Yo prefiero utilizar una óptica más amplia. He estudiado los grandes museos del mundo y cada uno tiene su papel y actúa de manera distinta para públicos diferentes. No existe un modelo que sirva para todos. El Met es un museo especial, verdaderamente enciclopédico, universal, que abarca 5,000 años de historia, muy distinto de la National Gallery de Londres o del Prado, que son pinacotecas centradas en el arte europeo, o de museos como el de Atenas o el Cairo, que tienen su foco en el arte de su país. Hay una ética que todos debemos seguir, basada en la excelencia, en la independencia de pensamiento, en la probidad.   ¿Esa independencia es posible en museos nacionales como el Prado?   El Prado no está limitado como otros museos, que no voy a nombrar, que dependen de gobiernos y ministros que actúan directamente. Aquí existe un equilibrio muy sano.   ¿Que herramientas ayudan a lograr la excelencia?   "La excelencia es algo abstracto. Un sentido permanente de superación. Hacer las cosas cada día mejor, no caer en la trampa de repetir las cosas, realizar una autocrítica. Se puede ser excelente en los propósitos, en la manera de actuar, en el arte mismo. Existe una jerarquía en la calidad de las obras, las hay muy buenas, buenas y mediocres, que no impide la excelencia y que debemos reconocer, porque no todo es igual."   ¿Están condicionados los museos por el éxito de público?   "Nosotros servimos al público. La medida no es el número de personas que entran a un museo sino la calidad de la experiencia. Medir esa calidad es difícil pero no imposible. Se pueden observar sus reacciones, podemos saber si vuelve o si no es un visitante habitual. Si no quiere volver será una señal de que el museo ha hecho las cosas mal. El público no se confunde, es inteligente, no hay que despreciarle, siempre me sorprende por su finura e inteligencia".   ¿Es bueno el excesivo protagonismo de algunos directores y conservadores?   No es bueno, es imprescindible, son los magos, el alma de un museo, todo viene de los conservadores, de su saber, de su ciencia, es la razón por la que casi todos los directores fueron en algún momento conservadores.   ¿Hay diferencias entre un museo histórico y uno de arte contemporáneo? "La diferencia está en las artes representadas. Si es realmente de arte contemporáneo, las obras no han pasado la prueba de la historia, no se pueden juzgar de la misma manera que otras antiguas cuya valía ha sido confirmada por muchas generaciones. Su actividad es una apuesta del presente y del futuro que obliga a tomar riesgos. En cierto sentido, un museo de arte contemporáneo es una contradicción, debería ser más una galería. Un museo vale para enraizar el arte y el arte contemporáneo es algo vivo. Se les llama museos porque son públicos, abiertos y tienen conservadores".   Se les ha criticado, en ocasiones, una excesiva interacción con el mercado.   Es la realidad, hay un mercado y los artistas comen, pagan su alquiler, venden sus obras y hay museos que las compran. Nada se hace en este mundo sin dinero. Creo que hablar de comercio como si fuera algo malo no es correcto.   ¿Que piensa de la decisión tomada por el Prado con "Coloso"?   "Estamos obligados a presentar la verdad, no debemos mentir al público. El Prado ha mostrado su coraje al disminuir el valor simbólico de un cuadro tan famoso. Con esta acción mejora su reputación pública y refuerza la confianza del público sobre la veracidad de otras atribuciones".   ¿Usted entiende el museo como depositario del conocimiento de siglos, pero normalmente el visitante se queda en los aspectos formales de las obras. ¿Cómo se puede mejorar la conciencia histórica?   "Las obras deben ser acompañadas de información que facilite su comprensión y disfrute. Es un error pensar que si el cartel que acompaña la obra es muy extenso la gente visita el museo solo leyendo y no mirando, no es verdad. La realidad es que si tiene poca información, el público echa una ojeada sobre el cuadro y se va. En cambio, si aprende algo nuevo pasa más tiempo contemplando la obra".   ¿Qué museos prefiere, los grandes o los pequeños?   "En todas las cosas de la vida me gusta la variedad. Los museos son demasiado grandes sólo si se quieren visitar en un día. Cualquier museo más grande que el Lázaro Galdiano es demasiado grande para un día. Escuchar seguidas las nueve sinfonías de Beethoven sería una locura. La mejor manera de visitar un museo es escoger unas salas, verlas bien y regresar otro día para ver otras. La visita no puede ser un inventario. Es evidente que muchos visitantes de museos lo son de un día, por el hecho de que alguien venga de lejos no quiere decir que sea estúpido. Los madrileños pueden venir mucha veces al Prado".   ¿Qué obras no deja de ver cada vez que viene al Prado?   "Cambian con cada visita, con mi estado de ánimo. El cuadro que me conmovió el último día mañana me puede dejar frío".   ¿Cómo explicaría la experiencia de la contemplación del arte?   "Requiere tiempo y paciencia. Pasamos muy poco tiempo delante de la obra de arte. Hay que quedarse y esperar a que el cuadro nos hable porque la mayoría de las obras de arte no estallan su mensaje de una vez, lo comparten lentamente, es un diálogo silencioso, muy rico y profundo".   ¿Se nos enseña a disfrutar del arte?   "No. Y es un trabajo que corresponde al museo, a los educadores. Los museos deberían facilitar un folleto que enseñara a mirar una obra de arte, cómo acercarse a ella y dejar que hable. En los museos la gente permanece demasiado lejos de los cuadros, hay que acercarse, sin tocarl las pinturas, para apreciar las pinceladas, los trazos, la materia. Sin prisa. En algunas conferencias parto de una imagen en blanco para ir componiendo la imagen de un cuadro, eligiendo, como hizo el autor, diferentes posibilidades en la composición, en las figuras, en su representación. Es algo que fascina a los asistentes".   ¿En estos dos meses fuera del museo ha cambiado su manera de ver las cosas?   "Seguro que va a cambiar, no sé como, pero va a cambiar. Antes pasaba el día de reunión en reunión. Ahora tengo tiempo para pensar, para reflexionar".       La Vanguardia.es Marzom, 2009         http://zonezero.com/magazine/articles/montebello/indexsp.php    
Sábado, 07 Marzo 2009
Autor:Pedro Meyer
    Hoy en la mañana leí en el periódico Reforma (publicado en la ciudad de México) que el gobierno Chino acaba de anunciar la construcción de una nueva planta de automóviles en México. Esta noticia se da a conocer al mismo tiempo que otras empresas automotrices en distintas partes del mundo están sufriendo para sobrevivir.   Lo que esto me dice, es que la mala fortuna de algunos, no necesariamente debe de ser la de todos. De hecho la economía china, aún al día de hoy, continúa creciendo. Aun cuando sus exportaciones se han visto reducidas, el producto interno bruto crece a un ritmo de 6.5%. Esto lo han logrado al estimular sus mercados internos. Hay, según mi manera de ver, una diferencia fundamental entre lo que pasa en China y lo que pasa en el resto del mundo: los paquetes de estímulo financiero que el gobierno chino está ofreciendo para ayudar a su economía están financiados por ellos mismos, y no como en Estados Unidos, cuyo financiamiento proviene básicamente de los chinos.   Hagamos una proyección hacia el futuro. Pensemos que cuando termine la crisis financiera, los chinos habrán no sólo crecido considerablemente más que los países de Occidente, pero además no tendrán deuda externa. Mientras los países occidentales van a tener que pagar poco a poco la deuda acumulada durante estos tiempos difíciles, y tendrán que trabajar adicionalmente para reducir los déficits acumulados hasta entonces. Esto puede tomar hasta una década en resolverse. Llamaré a este periodo "La Década Perdida" (Perdida ante los chinos, por supuesto).   Recuerdo al principio de la era digital, cuando aún estábamos trabajando con Photoshop 1 y 2, tenía un amigo, un colega que me ayudaba con la impresión de mis hojas de contactos. Esto era justo en el momento en el que los cambios que llevaron a la revolución digital se empezaban a vislumbrar. Jonathan Reff, mi colega, comenzó un negocio de consultoría a fotógrafos que quisieran aprender sobre las nuevas herramientas que comenzaban a aparecer y que marcaban ya un cambio de paradigma en la fotografía. Entre los interesados se encontraba un fotógrafo que en ese momento, probablemente era el fotógrafo más importante para la industria automotriz.   Sus fotografías eran una leyenda. Hacía todos los esfuerzos necesarios para tomar la foto en el momento preciso que el sol se metía por el Océano Pacífico en la playa de Malibu. Los costos de imágenes como éstas eran de tres dígitos. Tomaba las fotos con una cámara de 8x10 pulgadas, que obviamente usaba película. La producción de estas imágenes era tan compleja que requería de un ejército de asistentes, iluminación y muchos autos, al estilo de una enorme producción hollywoodense.   Recuerdo que Jonathan le sugería a este fotógrafo que empezara a conocer las nuevas herramientas digitales que hacían posible reducir los costos de sus magnas producciones fotográficas. Lamentablemente, él creía que no era necesario aprender nada nuevo, pues lo que hacía, lo hacía ya tan bien como se podía hacer, así que no escuchó las recomendaciones de Jonathan.   Simplemente se le olvidó que habían muchísimos otros fotógrafos que estaban listos y dispuestos a aprovechar la oportunidad y ofrecer las mismas imágenes por una tercera parte de lo que él cobraba. Lamentablemente el cliente de Jonathan perdió competitividad y finalmente quebró y perdió su negocio. Esto ocurrió a principios de los noventas.   Es interesante destacar que dos de los clientes de dicho fotógrafo eran General Motors y Chrysler. Estas empresas a su vez no parece que registraron el mensaje tampoco, y siguieron produciendo autos de la misma manera que este fotógrafo producía imágenes, con unos gastos de producción gigantescos y con poco interés en los cambios tecnológicos que requieren de una nueva visión.   Menciono todo esto por que muchas escuelas de fotografía alrededor del mundo, siguen preparando a sus estudiantes con tecnologías que correspondían a la era analógica. Yo en lo personal no tengo ningún problema por las preferencias que alguien pueda tener por métodos antiguos, siempre y cuando estén al tanto de que no podrán ser competitivos en el mercado actual. Ahora bien, si eres alguien que va a la escuela para aprender y prepararse para el futuro, para ganarse la vida, es mejor que estés consciente de que el mundo está cambiando tecnológicamente de manera constante, incluso mientras lees estas palabras.   Sí, yo sé que la fotografía no es únicamente utilitaria, sino una herramienta para la expresión artística también, o viceversa. Pero aún nuestros colegas más renuentes al cambio, y quienes se ven a sí mismos como artistas bajo esquemas tradicionales, tendrán que que admitir que la distribución de su trabajo estará inevitablemente ligado en algún momento a nuevas tecnologías. Incluso, aquellos que pintan sólo con los dedos se encuentran ya mostrando sus creaciones a través del internet.   "La década perdida" no tiene por que pasarte a ti también.     Pedro Meyer Marzo 2009 Coyoacán, Ciudad de México           http://zonezero.com/editorial/marzo09/marzo09.php        
Lunes, 02 Marzo 2009
Autor:Christian Caujolle
    La semana de inauguraciones del primer festival Photo Phnom Penh, en Cambodia ha sido un éxito enorme en un país en donde no hay ni formación ni verdadera cultura visual, excepto la de masas, la de la televisión y del modelo tailandés (Estadounidense).               Las doce exposiciones, en su gran mayoría de jóvenes, en salas de prestigio como la del Museo Nacional, con Laurence Leblanc con su trabajo sobre Cambodia, o el Centro Cultural Francés - que ha iniciado el proyecto – con trabajo del Tailandés Manit Srimanichpoon, de la jóven francesa Marion Poussier y del cambodiano Lino Vuth, atraen a un público tanto local, un poco impresionado en pasar las puertas de salas de exposiciones y que nunca tiene posibilidad de ver muestras fotográficas, como de extranjeros viviendo en la capital.   La más espectacular, la del joven francés JR, quien ha pegado sobre los doscientos metros de la pared de protección de la Embajada de Francia las miradas en blanco y negro, de tres metros de altura, de mujeres de Africa y Brasil, es un tema de charla por toda la ciudad, las motos paran y todos miran.       En las galerías privadas asociadas al evento hay multitud de gente que descubre fotografias de India, China, Suiza, Francia y, naturalmente de Cambodia.   Un público muy atento para las conferencias y proyecciones nocturnas, y miles de personas para ver imágenes de todo el planeta en las doce pantallas repartidas durante dos noches, en la explanada del templo del What Botum, en el corazón de la ciudad.                     Hemos comenzado ya a trabajar sobre el programa de la segunda edición, para noviembre / diciembre 2009, con mucha ilusión.   Christian Caujolle Director Artístico de PPP 2008 Febrero 2009     http://zonezero.com/magazine/articles/caujolle/indexsp.php      
Miércoles, 11 Febrero 2009
Autor:Hillel Italie
El cartel del presidente Barack Obama a la derecha, por el artista Shepard Fairey es mostrado para su comparación con la fotografía de archivo de Abril 26 del 2006, del entonces senador. Barack Obama por el fotógrafo Manny García de Associated Press en el National Press Club en Washington. Fairey ha reconocido que el poster está basado en la fotografía de AP.     Nueva York (AP) – En botones, carteles y páginas de internet, la imagen estuvo por todas partes durante la campaña presidencial del año 2008: el pensativo Barack Obama mira hacia arriba, como si viera hacia el futuro, salpicado como en un rojo estilo Warhole, con blanco y azul y subrrayado con el título ESPERANZA.     Diseñado por Shepard Fairey, un artista radicado en Los Angeles, la imagen es líder en las ventas de cientos de miles de carteles y calcomanías, y ha generado tanta demanda, que copias firmadas por Fairey han sido compradas en miles de dólares en eBay.     Fairey ha reconocido que la imagen está basada en la fotografía que Mannie García tomó en el mes de Abril del 2006 comisionado por la AP en el Nationanal Press Club en Washington.     La AP dice que es dueña de los derechos de autor, y demanda crédito y compensación. Fairy no está de acuerdo.     “La Associated Press ha determinado que la fotografía utilizada en el cartel es una foto de AP y que su uso require de un permiso,” el director de relaciones con los medios de la AP, Paul Colford dijo: “AP resguarda sus poseciones y observa a estos eventos en una base de caso-por-caso. Hemos contactado al abogado del Sr. Fairey y estamos en pláticas en espera de llegar a una solución amigable.”     “Creemos que el Uso-Justo proteje al derecho del Sr. Shepard para hacer lo que hizo” dijo el abogado de Fairey, Anthony Falzone, director ejecutivo del Proyecto Uso-Justo de la Universidad de Stanford y conferencista en la Escuela de Leyes de Stanford. “No sería apropiado hacer más comentarios en este momento debido a que estamos en discusiones con la AP al respecto.”     Uso-Justo es un concepto legal que permite excepciones en la ley de derecho de autor, basándose entre otros factores, en qué tanto se usó el original, para qué se utiliza el nuevo trabajo y en qué medida se ve afectado el original por el nuevo trabajo.     Expertos legales han ofrecido diversos puntos de vista sobre la imagen de Obama.     Jane Ginsburg, una profesora de leyes de la Universidad de Columbia que se especializa en casos sobre derechos de autor, cuestiona si Fairey tiene una solicitud válida de Uso-Justo y menciona que por lo menos debió haberle dado crédito a la AP.     “Lo que me tiene inquieta es que esto sugiere que la fotografía de quien sea puede ser un Uso-Justo, aún cuando use la imagen completa y permanezca reconocible y no únicamente usada en un collage” dijo Ginsburg. “Pienso que es bastante radical.”     Robin Gross, abogado de la propiedad intelectual que dirige IP Justice, organización internacional de libertades civiles, cree que Fairey si tenía el derecho de utilizar la fotografía, argumentando que su intención era para una causa política y no para uso comercial.       “El propósito de Fairey al usar la fotografía fue para fines políticos o civiles, y esto ciertamente cuenta a favor de que se aplique el Uso-Justo con el cartel,” dijo Gross desde San Francisco. “El cartel no disminuye el valor de la fotografía, si acaso, ha incrementado mas allá de toda medida el valor original de la fotografía, otro factor que cuenta de manera importante a favor de su Uso-Justo”.     Rebelde desde hace tiempo con una historia de romper las reglas, Fairey dijo que encontró la fotografía mediante el buscador Google Images, la descargó en su página de internet poco tiempo después de que la creó a principios del año 2008, e hizo miles de carteles para las calles.     Al tener eco, sus seguidores empezaron a descargar la imagen y a distribuirla en los eventos de campaña, mientras que blogs y otros sitios en internet la elegían. Fairey dice que nunca recibió nada del dinero recaudado.     Un antinguo oficial de campaña dijo que estaban conscientes de que la imagen estaba basada en la fotografía tomada por García, quién estuvo temporalemente contratado por la AP, pero que nunca se le puso una licencia ni fue usada oficialmente. El oficial de Obama solicitó no ser identificado pues nadie está autorizado a hablar ya en favor de la campaña.     La fama de la imagen, no terminó con las elecciones, será incluida en una exposición de Fairey en el Instituto de Arte Contemporáneo en Boston y una versión estampada en medios-combinados ha sido añadida a la colección permanente del National Portrait Gallery en Washington.     “El uso continuo del cartel, sin importar si es para galerías o para otras formas de distribución, es parte de la discusión que la AP tiene con el representante del Sr. Fairey,” mencionó Colford.     El libro del New York Times sobre las elecciones, recientemente publicado por Penguin Group (EE.UU), incluye la imagen. Chelsea Green, una casa editorial en Vermont, también utilizó la imagen, cuyo crédito únicamente se lo dio a Fairey, como la portada para el manifiesto económico de Robert Kuttner “El reto de Obama” que fue publicado en Septiembre. El presidente de Chelsea Green, Margo Baldwin dijo que Fairey no pidió dinero, tan solo que el editor hiciera una donación a The National Endowment for the Arts.     “Es una maravillosa pieza de arte, pero desearía que Fairey hubiera sido más cuidadoso sobre la liciencia,” dijo Baldwin quien añadió que Chelsea Green donó $2,500.00 Dls. a la NEA.     Fairey también utilizó la fotografía de la AP para una imagen diseñada especialmente para el comité de inauguración de Obama, que cobró alrededor de $100.00 Dls. por un poster hasta $500.00 Dls. por un cartel firmado por el artista.     Fairey dijo que diseñó la imagen hace un año después de haber sido motivado por la campaña de Obama para hacer algún tipo de trabajo artístico. La primavera pasada, mostró una carta a The Washington Post que venía del candidato: “Estimado Shepard, deseo agradecerle por usar su talento en apoyo a mi campaña. Los mensajes políticos en su trabajo han motivado a los americanos a creer que pueden ayudar en el cambio del status quo. Sus imágenes tienen un profundo efecto en la gente, ya sea que sean vistas en una galería o en un semáforo en la calle.”     Al principo, el equipo de Obama solo lo motivó para la realización de la imagen, Fairey dijo. Pero después de haberla creado, un colaborador involucrado en la campaña le preguntó a Fairey si podría hacer una imagen de una fotografía sobre la cual la campaña tuviera los derechos.     “Les doné una imagen, la cuál ellos utilizaron, fue la que dice ‘Cambio’ en la parte de abajo. Más adelante hice otra que dice ‘Vota’ con Obama sonriente,” dijo el pasado diciembre del 2008 en una entrevista en un sitio de fotografía clandestina.     El escritor Philip Elliott de Associated Press en Washington, contribuyó a este reporte. chicagotribune.com Febrero, 2009         http://zonezero.com/magazine/articles/italie/indexsp.php  
Miércoles, 04 Febrero 2009
Autor:HonestReporting.com
  Queridos suscriptores de HonestReporting: La operación Israelí "Plomo Fundido" dominó la prensa, la radio y el internet por su duración, con las respectivas repercusiones aún generando encabezados y opiniones. Es extremadamente importante, exponer esos casos en los que la historia se convirtió en un programa impulsado por los medios de comunicación en los que la historia simplemente fue tomada de manera equivocada. Esto ha sido ilustrado gráficamente por por la ONU.   Uno de los episodios más serios y dañinos para Israel durante el conflicto de Gaza, centrado alrededor de los cargos engrandecidos por un vocero de la ONU, de que Israel había apuntado deliberadamente a una escuela de la ONU, matando a 43 civiles que se refugiaban ahí. HonestReporting remarcó la investigación de Canadian Globe and Mail, que concluyó que la escuela no estaba bombardeada. Siguiendo con la publicidad generada por el reporte de Globe and Mail, la ONU ha sido forzada a admitir que sus reclamos iniciales fueron falsos, de acuerdo con Ha'aretz:   Parece que la ONU ha estado bajo presión para poner las cosas en claro después de las dudas que se dieron sobre si la escuela realmente había sido el blanco de ataques. Maxwell Gaylord, el coordinador humanitario de la ONU en Jerusalén, dijo que los morteros cayeron en la calle cercana al recinto mas no en el recinto mismo. Gaylord dijo que la ONU “quisiera aclarar que el bombardeo y todas las fatalidades tuvieron lugar afuera y no adentro de la escuela”.   El comentarista Andrew Bolt escribe en respuesta:   Lo que parece ser la historia real es que 43 personas, incluyendo por lo menos a dos miliares de Hamas, murieron cuando Israel contraatacó desde morteros lanzados de entre la multitud en la calle. Es posibe que no les guste lo que ocurrió, pero es muy, muy diferente a lo que se ha propagado tan extensamente, además de ser mucho más perdonable. Y después de la evidencia más reciente de los medios repitiendo propaganda a favor de los Hamas y de las exageraciones sobre el número de muertos en Gaza, especialmente de civiles, necesitamos cuestionar nuevamente: ¿Qué tanto podemos confiar en la cobertura de los periodistas y en los grupos de bienestar reportando desde territorio ocupado por terroristas? Estamos seguros que la verdad detrás de muchas historias en debate aún está por surgir desde Gaza. Mientras tanto, la campaña para dejar las cosas en claro en los medios continúa. HonestReporting echa un vistazo a algunos de los peores casos en los medios de comunicación anti-Israelíes que salieron a la luz durante la crisis de Gaza.       Mads Gilbert: Médico de propaganda   Descrito como el epitome del valor bajo fuego, el doctor noruego Mads Gilbert apareció en las pantallas de televisión alrededor del mundo y en las páginas de la prensa, incluyendo a la BBC, CBS, CNN, ABC, AFP, Independent, Sky News, and New York Times.   Trabajando desde el hospitasl Shifa de Gaza, Gilbert cuenta a las nuevas organizaciones sobre los “horrores” causados por Israel, incluyendo acusaciones sin pruebas de que “Gaza es utilizado como un laboratorio de nuevas armas.” Pero, ¿es Gilbert un observador objetivo y neutral? Lo que los medios no nos dijeron es su involucramiento en trabajo solidario con Palestinos desde los 70s y su asociación con el partido comunista de izquierda en Noruega, el Rød Valgallianse, disuelto en 2007. Gilbert ha criticado a la ayuda de la organización internacional Doctors Without Bordes por negarse a tomar partido en los conflictos. El Dr. Gilbert es empleado de NORWAC, cuyas organizaciones en sociedad incluyen a Hezbollah’s Martyr Foundation. Cuando el diario noruego Dagbladet le preguntó si apoyaba a los ataques del 11 de Septiembre, Gilbert dijo: “El terrorismo es una mala arma, pero la respuesta es si.”     Más fuentes no confiables   Gilbert no es la única fuente que ha sido menos que objetiva utilizada por los medios. Como Melanie Phillips escribió:   El diario Telegraph plantea esta historia en sus páginas extranjeras por Ewa Jasiewicz, reportando desde el campo de refugiados de Jabaliya en Gaza. Era exclusivamente sobre el sufrimiento de civiles y niños bajo el bombardeo aéreo de Israel. No hacía referencia a ningún terrorista de Hamas en el campo. Los lectores no tuvieron objeción alguna de que Ewa Jasiewicz fuera otra cosa más que una reportera objetiva. Sin embargo, al día siguiente, ella apareció nuevamente en las páginas extranjeras del Telegraph, en esta ocasión entrevistada por Tim Butcher como una “activisita originaria de Kingston, Surrey” y como la principal fuente de la historia sobre dos niños muertos por una bomba de un avión de combate Israelí, evento que la Sra. Jasiewics asegura haber presenciado. Sin duda, la Sra. Jasiewics no es una reportera regular en lo absoluto. Es una partidista, profundamente comprometida y experimentada activista anti-Israelí del Movimiento de Solidaridad Internacional. Juega un papel fundamental del lado de los Palestinos quienes comenten actos de terror en contra de los Israelitas – lo que ella describe como ‘resistencia’ justificada y legítima. Esto no es algo que ella haya ocultado. Sin duda alguna, el internet tiene ejemplos de su odio hacia Israel, la podemos encontrar en el sitio de el Guardian difundiendo afirmaciones sobre el racismo de Israel, que su democracia era un mito y que deliberadamente apuntó hacia la matanza de civiles palestinos y activistas. Encontramos la declaración que hizo después de que fue detenida en el aeropuerto de Ben Gurion el 31 de Agosto de 2004 por autoridades Israelitas y dijo que no podia hablar a los medios, justifica el terrorismo como: Una lucha de liberación – y una lucha por la gente ocupada que es justificada bajo las leyes internacionales. Lee el comentario completo de Melanie Phillips aquí.     ¿Video escenficado de la CNN?   Mads Gilbert también apareció en un reporte de la CNN, cuya autenticidad fue cuestionada por un gran número de bloggers. ¿La resucitación cardiopulmonar era escenificada en un niño para las cámaras? Little Green Footballs y otros blogs pensaron que así fue, uno de sus lectores comenta: No soy experto militar, pero soy médico, y este video es una falsedad. Las compresiones en el pecho que se hacían al inicio del video son absoluta y positivamente falsas. El hombre alto de la bata blanca NO estaba dando resucitación cardiopulmonar en el niño, sino que únicamente estaba dando palmaditas en su esternón suavente con sus dedos. No es posible hacer que la sangre fluya de esa manera. Además, no tiene caso en hacer compresiones en el pecho si no se ventila además de alguna manera al paciente. En este video, no se puede decir con seguridad si el paciente tiene un tubo endotraqueal en el lugar indicado, pero se puede ver que no hay absolutamente nadie ventilando al paciente (hay una bolsa de ventilación colgando de la cabecera de la cama), pero no hay ningún ventilador auxiliando al paciente. En un hospital, durante el código de ventilación a un paciente, alguien probablemente debe estar oxigenando al paciente con una bolsa durante las compresiones al pecho. Así mismo, tambien debieron de haber movido la cama lejos de la pared, para que puediera ser posible que alguien llegara a entubar u oxigenar al paciente. En pocas palabras, la “escena de resucitación” al principio es falsa, muy poco convincente.   Tal fue la preocupación en CNN, que el video fue eliminado (aunque aún existe en sus archivos).       France 2 se disculpa por usar material antiguo   La telvisora pública France, canal que produjo una secuencia original sobre Mohammed al-Durae, fue forzada a disculparse ante los espectadores después de que erróneamente utilizó material de aficionados tomado en el año 2005, para ilustrar un reporte sobre el actual conflicto de Gaza.   La televisora France 2, transmitió parte de un video aficionado presentado únicamente la narración de las consecuencias de un ataque aéreo Israelí en un zona civil de Gaza el 1o de enero. Con fecha de septiembre del 2005, el video ha sido ampliamente distribuido en el internet y muestra a civiles heridos en la explosión accidental de una camioneta pick-up cargada con cohetes de Hamas en un mitin en el campamento de refugiados de Jabaliya. Alertados por el sitio en internet francés LePost.fr, France 2 admitió su error y se disculpó formalmente a los expectadores en su transmisión noticiosa de medio día.   “Es un error de nuestra parte. Hubo un error interno en la confirmación de información”, dijo un ejecutivo de France 2 a AFP. Etienne Leenhardt, director de noticias de France 2, dijo a LePost.fr, que la secuencia “intentaba ilustrar la guerra de imágenes en el internet y que la gente que la había armado, había trabajado demasiado rápido.”     Periódico australiano, se disculpa por editorial anti-semita   El periódico The Age en Melbourne, se disculpó por publicar el comentario de Michael Backman's (eliminado subsecuente-mente tanto de su sitio como del sitio de The Age) que decía así: “Israel se da la gran vida a costa de los EE.UU.” No hay disculpa en línea, pero Caroline cita de la edición impresa:   Columna por Michael Backman con el encabezado “Israel se da la gran vida a costa de los EE.UU.” fue publicada por error. The Age no avala el punto de vista del columnista, se disculpa por el sufrimiento causado a muchos de sus lectores, en particular en la comunidad judía y lamenta la publicación de la columna. La columna incluye algunas atroces declaraciones:   La absoluta inhabilidad de Israel para transformar a los Palestinos de enemigos en amigos ha impuesto un gran costo en todos nosotros. Hemos pagado por el fracaso de Israel con bombas en los transportes públicos de Londres, bombas en bares en Bali, e incluso con la pérdida de las torres gemelas del World Trade Center en Nueva York.   No es verdad que estas atrocidades han ocurrido debido a que a ciertos fundamentalistas Islámicos no les agradan los estilos de vida occidentales y debido a esto, lanzan bombas en repuesta. Por el contrario, es Israel – o más acertadamente el trato de los Palestinos – lo que está en el meollo del asunto.   Viajar a Nepal está de moda entre los jóvenes Israelíes, una vez que se llega al circuito turista y al hablar con los guías locales y los operadores de casas de huéspedes, pronto se descubre que tan poco populares son los Israelíes… dicen que los jóvenes Israelíes son groseros, arrogantes, y que discuten sobre insignificantes cantidades de dinero aún cuando claramente tienen medios económicos.       Editoriales Opuestas de Hamas: Dando voz a los terroristas   Previamente se cuestionó tanto la legalidad como la moralidad de dar espacio en editoriales opuestas a organizaciones terroristas, en las que líderes de Hamas han aparecido en las páginas del New York Times, del Washington Post y del LA Times.   Esta tendencia se repitió durante el conflicto de Gaza, cuando al líder de Hamas radicado en Damasc Khaled Meshaal se le dió voz en The Guardian (publicado nuevante en The Age). Supuestamente en un esfuerzo por representar el “equilibrio”, ambos periódicos publicaron al mismo tiempo un texto por el Israelí MK Shai Hermesh, creando así una falsa moral equivalente entre el político Israelí y el líder terrorista Hama.   Mientras tanto, el Hama Mousa Abu apareció en el LA Times mientras que el primer ministro Hama Ismail Haniyeh tuvo su oportunidad en The Independent, el cual de manera grotezca decidió dar una plataforma póstuma a Yasser Arafat, reimprimiendo el discurso de Noviembre de 1974 a la ONU del líder de la Organización para la Liberación Palestina.     Elogiando a un terrorista muerto El prominente terrorista de Hamas, Nizar Rayyan, asesinado por Israel el 1o de Enero, hubiera disfutrado la la lectura de su propio brillante obituario en The Guardian, que lo categorizó como un “líder político” y fue descrito como “un hombre del pueblo… su fama fue por luchar hombro a hombro con sus hombres y por ser visto con ellos públicamente. No fue simplemente un guerrero, sino que fue altamente apreciado como un académico del Islam.”   Dándole menos importancia a su obituario –Rayyan fue responsible de una serie de bombardeos suicidas y ataques en la Línea Verde, incluyendo el bombardeo suicida de Ashdod Port en 2004 en el cual 10 Israelíes murieron. En una terrible descripción de su malvada naturaleza, Rayyan incluso envió a uno de sus hijos a un bombardeo suicida para atacar a Elei Sinai en Gush Katif en el 2001, donde dos Israelíes murieron.       Discurso de odio en la televisión Arabe de la BBC   El doctor Kamal El-Helbawy, fundador de la Asociación Musulmana de Gran Bretaña, parece justificar que los niños Israelíes estén en la mira. En un programa de discusión dijo que mientras condenaba la matanza de civiles, creía que todos los niños Israelíes eran “futuros soldados.” Así mismo dijo: “Un niño nacido en Israel, es criado con la creencia de que los árabes son ovejas despreciables.”   “En la escuela primaria les plantean el siguiente problema matemático –‘En su población hay 100 árabes. Si matas a 40, cuántos árabes te quedan por matar?’ Esto les enseñan en el plan de estudios.”   La BBC, refiriéndose a la difamación de la escuela, admitió que un error se había cometido.     Abuso del Holocausto   omparando a Israel con los Nazis o en un inteno de dibujar falsos paralelismos con el genocidio deliberado de 6 millones de judíos durante el Holocausto es una táctica regularmente usada por los acitivistas anti-Israelitas a pesar de haber sido clasificado como anti-Semitista dentro de la definición de Estadod Unidos.   No obstante, muchos supuestamente medios regulares y comentaristas, no vieron problema alguno con recrear imágenes del Holocausto para crear su punto de vista. Yasmin Alibhai-Brown, de The Independent, preguntó por ejemplo: “Cuántas Ann Franks palestinas asesinaron, mutilaron o enloquecieron los Palestinos?”, mientras que en la portada de Time Magazine, una estrella de David detrás de una pared y un alambre de púas, hizo imposible ignorar el paralelismo entre las acciones de Israel en Gaza con el Holocausto Nazi– una falsa asociación usada por aquellos que buscan deslegitimizar a Israel.   Eric Margolis, columnista del Toronto Sun, escribió en su sitio web personal: “Ahora parece claro que el último acto desastrozo de la administración Bush fue el dar a Israel la luz verde para lanzar su campaña de solución final en contra del gobieron Hamas en Gaza.” Esto provocó una protesta de HonestReporting en Canadá que convocó a Sun a reconsiderar el mantener a Margolis como columnista de su publicación.   Mientras la niebla de la guerra retrocede y las imágenes más claras comienzan a surgir, Honest Reporting, con su ayuda, continuará exponiendo los casos de medios de comunicación sesgados anti-Israelítas para poner las cosas en claro.     HonestReporting.com         http://zonezero.com/magazine/articles/honest/indexsp.php    
Martes, 03 Febrero 2009
Autor:Pedro Meyer
    La crisis es global. No sólo es económica.   Hablamos de muchos males que aquejan a todos los países, en donde el aspecto económico es uno muy importante, pero no es el único. Tal parece que la crisis va para largo rato.   Como escribiera un amigo, Rubén Aguilar, “no todos podemos actuar sobre las causas, pero sí todos estamos en condición de hacerlo sobre los efectos”.   En el mundo de la fotografía, todos tenemos muchas oportunidades para hacer lo nuestro en el contexto de esta crisis.   En México, una de las ciudades mas dinámicas y activas en la fotografía contemporánea, es nada menos que Tijuana, una ciudad de las más azotadas por las mafias del crimen organizado en este país.   Recuerdo que hace poco en un simposio de fotografía, los trabajos que se presentaron que más me impresionaron venían de Colombia, igualmente sujeta al flagelo de las guerras con los narcotraficantes.   Las guerras han sido un semillero de creatividad a lo largo de la historia. Hemos visto magníficos ensayos fotográficos que nos llegaron desde Kosovo y Sarajevo. Y que decir sobre todos los artistas e intelectuales que se dieron a la tarea de expresar sus visiones y sentimientos de la forma más extraordinaria durante la Segunda Guerra Mundial. El Holocausto también dejó su caudal de obras creativas a pesar de toda la destrucción en su derredor.   Las luchas sociales que se han desatado en Asia, han dejado igualmente constancia de cómo la fotografía ha podido aportar a la toma de consciencia de las sociedades retratadas. Lo mismo podemos decir de lo que ha ocurrido en África.   Las obras Cubanas más interesantes vinieron de la época en donde ni siquiera tenían papel para imprimir. Aún recuerdo que cuando invitamos a participar al Primer Coloquio Latinoamericano de Fotografía a los fotógrafos cubanos, tuvimos que enviarles dos cajas de papel fotográfico. El material fue distribuido en la noche (para que no se velara el papel) con un racionamiento increíble, una hoja por cada foto que se iba a enviar al Coloquio.   Por alguna razón, que yo en lo personal sólo alcanzo a observar aun cuando no lo puedo explicar, hay una correlación directa entre los seres humanos atrapados por penurias enormes y una expresión creativa inusual.   No todo tiene que ser fotografía documental o periodística, recuerden cómo una obra plástica como el Guernica de Picasso, también surge en momentos de crisis. No olvidemos tampoco los Desastres de la Guerra de Goya, que por emblemáticas también inspiran a fotógrafos.   Éste es un momento muy importante en la historia de la humanidad, en donde tenemos que hacer un esfuerzo colectivo para aprovechar la situación. Cada uno de nosotros desde sus trincheras, con sus propios valores morales y estéticos, debemos encontrar cómo manifestarnos en contra o a favor de algo, pero haciéndonos presentes con nuestros comentarios y no dejando que la vida y sus problemas nos pasen por encima.     Pedro Meyer Febrero 2009 Coyoacán, Ciudad de México         http://zonezero.com/editorial/febrero09/febrero09.php    
Lunes, 02 Febrero 2009
Autor:ZoneZero
  Como todo sitio, ZoneZero es alimentado por un servidor. Con el paso de los años y la tecnología avanzando a pasos agigantados, nos ha sido necesario ir evolucionando a la par, para que todos los usuarios de zonezero.com y ahora pedromeyer.com y fundacionpedromeyer.com, puedan tener acceso sin ninguna dificultad a toda la información e imágenes que les ofrecemos y a una velocidad cada vez mayor.   Como ustedes son nuestra retroalimentación diaria, queremos compartir con toda la comunidad de ZoneZero la historia visual de nuestro servidor.                                                 http://zonezero.com/magazine/articles/zz/indexsp.php    
Martes, 06 Enero 2009
Autor:Little Green Footballs
  No debemos olvidar que en estos momentos cada imagen que vemos en televisión y que viene de Gaza, viene previamente seleccionada a través de Hamas. Los fotógrafos enviando fotos a Reuters Associated Press y Agence France Presse son todos palestinos y todos propagandistas para Hamas - de otra manera, no les sería permitido tomar fotografías en Gaza.   Con esto en mente, les presentamos un ejemplo mas de las fotografías noticiosas, escenificadas para propósitos propagandísticos por terroristas y sus aliados: CAMERA Snapshot: Sucesor de Green Helmet?   Actualización al 1/5/09 11:06:16 am:   Enero 5, 2009 Sucesor de Green Helmet?   Todos recordamos el fraude fotográfico de Green Helmet que Reuters publicó durante las 2a Guerra de Líbano. Ahora, como la operación base de Cast Lead en la franja de Gaza se encuentra en pleno apogeo, conozcan al posible sucesor de Green Helmet en el Hospital de Shifa --- en chamarra color café.   Exhibición A           La exhibición A es una fotografía de Mohammed Salem publicada por Reuters el pasado 4 de Enero del 2009.   El pie de foto dice: Un palestino herido es llevado al hospital en Gaza el 4 de Enero. Bombarderos israelitas mataron a por lo menos 5 civiles palestinos e hirieron a otros 40 cuando atacaron la principal area comercial en Gaza, médicos y testigos afirmaron.   Noten la chaqueta color café del hombre herido, su corte de cabello corto, su camisa negra, sus pantalones negros y su constitución física delgada. Este hombre dice estar herido y parece necistar auxilio médico mientras es llevado al hospital.   Exhibición B   La exhibición B es también una fotografía de Mohammed Salem para Reuters, tomada el mismo dia.   El pie de foto de Reuters dice: Palestinos reaccionan junto a cuerpos en el hospital de al-Shifa en Gaza, el 4 de Enero del 2009. Bombarderos Istraeliltas mataron a por lo menos 5 civiles palestinos e hirieron a otros 40 cuando atacaron la principal area comercial en Gaza, médicos y testigos afirmaron.   Note al hombre arrodillado a la derecha, observe la chamarra color café, el corte de cabello corto, la camisa negra, los pantalones negros y su constitución física delgada. Observe como no hay señales de heridas ni señales de auxilio médico. ¿Qué piensa usted? ¿Cree usted que se trata del mismo hombre?   Dados los reportes de que miembros de Hamas estan ocultandose en hospitales y mezquitas disfrazados como médicos y enfermeras, las probabilidades para que se escenifiquen las tomas fotográficas no sería una sorpresa.   Nagando las acusaciones de que miembros de Hamas se estén escondiendo en su hospital, el director del Shifa dijo indignado:   Afirmar que se esconden aqui? Los representantes de la Cruz Roja y los medios periodísticos caminan libremente por aquí. Si hubieran activistas en este lugar, ya habrían sido fotografíados de inmediato.   Efectivamente... posiblemente ya hayan sido fotografiados.   --------   Israellycool nos muestra otro ejemplo, el mismo niño herido es llevado por dos hombres diferentes.   He aquí las 2 imágenes en Daylife.com:   --------   Una padre palestino lleva a su pequeña hija herida al hospital en Gaza.   Fotografía de Getty Images por AFP/Getty Images.     Hace 4 dias: Un padre palestino lleva a su pequeña hija herida al hospital de la ciudad de Gaza el pasado 4 de enero del 2009, mientras que tropas israelitas continuan sus ataques terrestres en Gaza.   Media docena de hospitales en Gaza no pudieron atender la cantidad de pacientes y accidentados que abarrotaban desde las salas regulares hasta los pasillos, mientras que tropas israelitas avanzan en Gaza. Por lo menos 40 personas han perdido la vida desde que Israel lanzó la ofensiva nocturna el día de ayer después de 8 días de ataques aéreos en donde al menos 485 Palestinos murieron y mas de 2,400 fueron heridos, mencionaron médicos en Gaza.           ---------------------------------------------------------------------------------------------   Un palestino lleva a un pequeño al hospital de Shifa en la ciudad de Gaza...   Fotografía de AP Photo por ASHRAF AMRA     Hace 3 días: Un palestino lleva a un pequeño al hospital de Shifa en la ciudad de Gaza, herido durante la operación armada Israelita en Gaza, el pasado domingo 4 de enero del 2009. Las tropas terrestres y tanques israelitas avanzaron a través de la franja de Gaza el pasado domingo, dividiendo el territorio de la costa, rodeando a la ciudad mas grande mientas que la nueva fase de devastación offensiva en contra de los Hamas, gana terreno.                           Little Green Footballs Enero de 2009         http://zonezero.com/magazine/articles/gaza/indexsp.php    
Lunes, 05 Enero 2009
Autor:Pedro Meyer
    Fui con Nadia hace un par de días a visitar a su abuelo que ya tiene 94 años y vive con su nueva novia, Blanca, en una casa de retiro para gente mayor, cerca de la Ciudad de México. Al retirarnos de la casa donde viven junto con otras aproximadamente cien personas mayores, me encontré sentada en una sillita a esta linda mujer de la foto.   Al verla me dio la sensación que estaba viendo algo muy especial que tenía que fotografiar, lo hice sin entender mis motivos. Aún no tenía claro por qué esa persona que ni conocía me llamaba tanto la atención. Pero luego de estar observando la fotografía en forma detenida en repetidas veces, descubrí cual era mi fascinación con esa persona.   Concluí que su actitud sin duda era un canto a la vida. Por un lado ahí cuando las mujeres, mayores o no, gustan con mucha frecuencia vestirse de negro, esta señora se vestía como un arco iris que más bien parecía venir de la paleta de un pintor. Ahí donde las mujeres huyen de ser fotografiadas a la más mínima arruga, esta mujer me sonreía con gran tranquilidad y alegría, dándome a entender que estaba bien que yo la retratara, se sentía contenta y las arrugas eran sólo el resultado de un cutis que ya ha visto mucho de la vida.   Todo su maquillaje, si bien imperfecto en la ejecución, eran otro testimonio más de que lo importante era como ella se sentía como persona más que la nitidez del maquillaje a juzgar de como se asomaba a la vida por esos ojos verde-azulosos, que me miraban fijamente.   Sentí que la imagen era el perfecto contrasentido de todo lo que en la sociedad se exalta como lo deseable en la representación femenina, desde el cutis perfecto hasta el maquillaje inmaculado, dejando a un lado el bien estar y bien ser de la mujer. Con la consabida pretensión de que es por medio de tecnología digital que debieran borrarse los vestigios de una vida vivida con plenitud.   El problema es que en un momento de la vida, el cuidar de todos estos detalles estéticos, es la diferencia entre recibir o no un trabajo como actriz, modelo, o ejecutivo, o los votos de un electorado para un político o la aprobación de un novio en el internet. La imagen pública parece serlo todo.   Sin embargo hay un momento en la vida, en donde todo cambia, cuando podemos dejar que se nos vean las arrugas sin mayor problema o consecuencia aparente. Yo pienso que no es un problema de edad, sino de la convicción que tengamos a la edad que sea, que las apariencias sólo son eso, apariencias.   Estoy seguro que a muy pocos se les habrá de escapar la ironía, que en estos tiempos en donde tanto se discute acerca de la verdad en la imagen fotográfica, la mayoría de las personas ni siquiera quieren ver esa verdad de la que tanto se habla, prefieren vivir en un mundo de apariencias.     Pedro Meyer Enero 2009 Coyoacán, Ciudad de México     Nuestro agradecimiento para Hsu Sheng-Yuan, uno de nuestros galeristas en ZoneZero por la iniciativa de traducir nuestro editorial al Chino, su publicación ha generado otas publicaciones en sitios diversos que aquí con gusto les presentamos:   www.wretch.cc/blog/friendray/9224043 www.mobile01.com/topicdetail.php?f=34&t=902216&last=9873317 www.ecpz.net/viewthread.php?tid=33804&extra=page%3D1         http://zonezero.com/editorial/enero09/enero09.php      
Viernes, 02 Enero 2009
Autor:ZoneZero
  ZoneZero invita a gente de todas las edades y países a exhibir sus fotografías, relatos y composiciones fotográficas relacionadas con el tema: ¿Dónde estabas cuando Obama fue electo presidente?   Con tantas imágenes tomadas durante la elección de Barack Obama como presidenteelecto de los Estados Unidos de América, pensamos que sería un ejercicio interesante compartir tanto imágenes como relatos y composiciones fotográficas con la comunidad global. Envíanos tu material, relacionado con el momento en donde te encontrabas cuando se anuncio el triunfo de Barack Obama como el nuevo presidente.     Ver la exhibición  
Martes, 18 Noviembre 2008

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