352. Migraciones y Los niños de Sebastião Salgado

Seis años. Treinta y cinco países. Trescientas sesenta y tres fotografías en un libro. Ochenta y tres fotografías en un libro de tema relacionado. Tirajes de cien mil ejemplares cada uno en seis idiomas. Dieciséis exposiciones. Un fotógrafo.   En cualquier momento dado -ahora mismo por ejemplo- hay cualquier cantidad de fotógrafos arriesgando todo desde su solvencia económica hasta su seguridad física, al fin de documentar situaciones en todo el mundo. Ninguno de estos fotógrafos está trabajando por encargo, ni existe ninguna garantía de que su trabajo será publicado. En cualquier parte. Verdaderamente motivados desde adentro -con una vocación e impulsados por completo como están por una pasión desenfrenada por sus sujetos- estos fotógrafos ejemplifican el nivel práctico y la tradición más altos de la fotografía documental, esencialmente cumpliendo la promesa mayor de la fotografía: el ser testigo. (Ser testigo y la verdad objetiva no son necesariamente intercambiables en este caso. A los ojos de todos, Sebastião Salgado siempre ha mantenido un lugar privilegiado en la lista de fotógrafos documentales. Pero con Migrations (Migraciones) y The Children (Los niños) (Aperture), sus dos libros más recientes, Salgado se ha colocado de un tiro en una categoría propia con un cuerpo de trabajo que podría silenciar incluso a sus críticos más severos. Al narrar la historia de la humanidad en tránsito, Migrations (Migraciones) documenta la situación de los refugiados en África, Asia y América Latina, que huyen de todo desde la guerra, la pobreza, la represión y la limpieza étnica, hacia la promesa de una vida mejor. Dada la premisa de este trabajo, que "el mundo ha pasado de ser en su mayoría rural a ser urbano en su mayor parte," Migrations (Migraciones) no es simplemente un documento sino un libro fotográfico de consulta que atestigua uno de los mayores trastornos poblacionales de nuestra era.   Y el trabajo es hermoso. Aun la menos lograda de estas fotografías funciona narrativamente, contando la historia dentro de una historia, algo que muy pocos fotógrafos logran tan bien como Salgado (pienso en Eugene Richards también). Una niña pequeña está sentada entre barras paralelas mientras le ajustan una pierna protésica. Un hombre de una mansa seguridad se inclina sobre ella desde atrás, cubriéndole los ojos con una mano, y tiernamente sosteniéndole la barbilla con la otra. Ella ríe. La están queriendo (p.179). Una mujer palestina, evidentemente lo bastante mayor para recordar lo que sucedió en 1948, vive en un campamento de refugiados en el sur de Líbano. Está mirando directo a la cámara. ¿Guarda la llave de su casa en Palestina como hacen tantos refugiados palestinos? ¿Hay esperanza para ella? ¿Cuánto tiempo esperará y con qué fin? Es la simple franqueza de imágenes como ésta que hacen de este libro un documento extraordinario.   Pero Salgado va más allá. Haciendo un buen uso de un sofisticado vocabulario visual, es capaz de aventurarse desde lo literal hacia lo poético y metafórico. A diferencia de alguien como Koudelka, cuyo ímpetu fundamental es lo esotérico (al mismo tiempo que mantiene fuertes vínculos con la fotografía documental), Salgado hace esto al mismo tiempo que intenta mantener vínculos plenos con lo narrativo. Y es aquí donde se mete en problemas con algunas personas. ¿Es que nos está diciendo cómo se siente acerca de lo que ve, o cómo nos deberíamos sentir frente a lo que él está fotografiando? ¿Es éste un trabajo al que se le cargó la mano o simplemente una verdad personal plenamente reflejada?   Con todo y lo comprensible que sea hacerse estas preguntas, este cuerpo de trabajo las supera. Y son éstas fotografías las que definitivamente resistirán el paso del tiempo y en las que estoy más interesado. En un campamento de refugiados en Tanzania (pp. 184-185), la gente se ocupa de sus quehaceres cotidianos, captada sin darse cuenta bajo un cielo amenazador. Hay tiendas de tela improvisadas por todas partes. Parece que fuera otro día cualquiera, excepto para el fotógrafo. Las nubes de la tormenta que se está formando aparecen resaltadas en parte porque de hecho se ven más definidas que el campamento que está debajo. ¿Es esto el cielo y el infierno, la belleza y el dolor, todo en el mismo encuadre, vistos en el mismo momento? ¿Está viva la esperanza en este campamento? ¿O está a punto de ser arrastrada para siempre? Es este uso de lo poético lo que me atrae en este trabajo, y por lo que Salgado merece elogios sin reserva. Con Migrations (Migraciones) ha refinado su maestría en este tipo de imágenes dramáticas.   Su primer libro, The Other Americas (La otra América) estaba lleno de una versión cruda, menos refinada de este tipo de imágenes y fue muy bien acogido. Workers (Trabajadores), su segundo libro, contenía algunas imágenes extraordinarias y memorables, pero era menos logrado como libro. En primer lugar porque la edición no era buena . Y en segundo porque intentaba ser épico a cada vuelta de página. Pero ahí donde Workers (Trabajadores) fracasó, Migrations (Migraciones) acierta. En parte porque la repetición, que era la falla en Workers (Trabajadores), se usó con prudencia en Migrations (Migraciones), dejándonos saber que la misma desgracia humana está sucediendo al mismo tiempo en distintos países del mundo. Sólo esto basta para elevar el trabajo a dimensiones casi épicas.     Cuántos de nosotros hemos viajado a países tercermundistas, enviados o trabajando en proyectos personales sólo para encontrarnos con grupos de niños siguiéndonos a cada paso, que quieren que los fotografiemos sin ninguna garantía de que nos van a dejar trabajar. Llenos de sentimientos desde la culpa hasta el enojo, cada uno de nosotros ha sido obligado a desarrollar estrategias sensibles para hacer frente a este fenómeno. Lo que hizo Salgado fue hacer un trato con cada grupo de niños: "Me voy a sentar aquí. Si quieren que les tome una foto, hagan una fila y les tomaré una foto. Y luego se van a jugar." El juego funcionaba hasta que entraba en una zona nueva. Así que los enfilaba otra vez para fotografiarlos de nuevo, y esto se repitió todo el tiempo que duró el proyecto de Migraciones.   Para sorpresa suya, y mía, éste es un conjunto de retratos digno de ser publicado. The Children (Los niños), que consiste de 83 retratos, son todas imágenes verticales, un formato que no aparece con frecuencia en la mayor parte de su otro trabajo. Casi todos los retratos están tomados desde la misma, aparentemente indiferente distancia. Sin embargo, son retratos hermosos y compasivos realizados por un fotógrafo que realmente está conectado con ellos. Estos retratos, tiernos, honestos, directos e intensos, se inscriben en la tradición de Lewis Hine y Jacob Riis. Y aunque estas imágenes no son exactamente iguales, los fotógrafos de retratos harían bien en volverse a familiarizar con este enfoque olvidado. Un retrato fuerte no necesariamente tiene que ver con lo que puedas hacer que otros hagan frente a tú cámara: donde hay una vida, hay una historia. Y simplemente el hecho de que un sujeto mire a la cámara, especialmente si se siente conectado por un momento con la persona que está detrás de la cámara, puede producir resultados fuertes y efectivos.   Sebastiao Salgado © Por último, no es raro preguntarse quién se beneficia de un cuerpo de trabajo, sobre todo cuando ese trabajo consiste en circunstancias fuertes y desafortunadas por las que atraviesan personas en todo el mundo. En muchos casos, la respuesta honesta es que el fotógrafo se beneficia muchísimo más de lo que podría beneficiarse cualquiera de sus sujetos. No estoy sugiriendo que esto está mal (aunque sí tengo un problema con la pretensión de que esto no es así). Salgado rebasa este problema a fuerza de puro trabajo. Salgado, su esposa y su equipo hicieron todo lo posible por asegurar que este trabajo fuera útil en el mundo. Entendiendo que su responsabilidad va mucho más allá de producir las imágenes, las fotos que aparecen en The Children (Los niños) serán exhibidas en Las Naciones Unidas en el otoño, con quince exposiciones adicionales y una tirada enorme para ambos libros en seis idiomas. No puedo pensar en otra persona que trabaje más, y que esté más apasionada y totalmente comprometida en la realización de su trabajo. Puede contactar a Nubar en: nubar@nubar.com http://www.zonezero.com/magazine/articles/nubar/salgadosp.html

Martes, 22 Mayo 2007

354. La imagen democrática de la fotografía y la globalización

Se ha dicho que la democracia es la peor forma de gobierno, exceptuando a todas las otras que se han intentado anteriromente. Winston Churchill     Lo he escuchado una y otra vez, en muchas partes del mundo. Cómo las nuevas tecnologías digitales están distribuidas injustamente debido a que siguen un patrón de distribución regido por la riqueza. ¿Cómo puede uno estar en desacuerdo con una realidad tan básica que se aplica, en nuestro caso, a la fotografía y a las nuevas tecnologías? No podemos, ¿o sí?   Examinemos esto con un poco más de escepticismo y reflexión y podremos llegar más allá de las simples obviedades.   Quisiera decir que esta falta de igualdad no solo es verdadera respecto de la fotografía y las nuevas tecnologías, sino también respecto al acceso al agua, la salubridad, la educación, etcétera.   ¿Cómo es que alguien puede hacer declaraciones acusando a la fotografía y a las nuevas tecnologías y dejando de lado asuntos que son mucho más vitales para la supervivencia de un ser humano?   Quizá puedan estar de acuerdo en que no tiene mucho sentido dar tal importancia a la desigualdad de la distribución de la fotografía y las nuevas tecnologías, cuando de hecho hay factores más importantes que están muy lejos de ser resueltos respecto a un acceso democrático al bienestar de toda la humanidad.       Con esto en mente, creo que podemos rebasar esta retórica, ya que estoy seguro de que en este simposio probablemente no podremos resolver ninguna de estas desigualdades básicas, aunque podamos contribuir indirectamente de muchas maneras para evitar tal destino.   Esta mañana, el jefe de gobierno de la Ciudad de México anunció que en tres años todos los parques y escuelas tendrán conexión gratuita a Internet. Hace solo unos años, todas las áreas más pobres de la Ciudad de México tenían que robarse la electricidad, como puede verse en la imagen. Así que en la nueva era digital, todos vamos a estar conectados de maneras muy diversas.       A propósito de puntos de referencia, miren esto: encontré esta banca de piedra en 1974 cuando tomé la foto. En una visita reciente a la misma área, descubrí para mi sorpresa la misma banca, 34 años más tarde. Pero antes de ver la próxima imagen, les diré algunas cosas sobre esta imagen. Por favor, observen, el techo es de cartón comprimido, y recuerden la distancia de la pared del frente a la banca.   Si ven a la misma banca, la pared frontal de la casa se ha movido a donde estaba la banca, el techo ahora es de concreto y se está construyendo un segundo piso. Efectivamente, ha habido progreso.   Uno de los vecinos pintó la pared. Se ve que les ha ido muy bien a algunos de los vecinos. Han permanecido en el barrio en que crecieron. Claro que algunos se han ido, pero otros se han quedado y lo han mejorado. Solo recuerden cómo se veía esta área hace no mucho.                           Bien pues les daré algunas noticias que nos pueden llevar al optimismo. La Coca-Cola está en todo el mundo. Esto es algo a considerar por parte de todos aquellos que claman por un acceso igualitario en todo el planeta.   Estoy seguro de que entienden lo que quiero decir, que la idea de que algo es accesible para todos no significa de modo alguno que exista democracia de ninguna especie. Tener un producto ubicuo como la Coca-Cola no significa que hay democracia ¿verdad?   Por supuesto, remitiré mis observaciones al mundo de la fotografía, que es con el que estoy familiarizado.   Así que empecemos con algo tan básico como el costo de la película. Me parece que cuando el precio ha llegado a ser de cero, es algo muy democrático. Esto lo haría bastante accesible si fuera lo único a tomar en cuenta. Pero sabemos que las cámaras, así como el resto del equipo e infraestructura necesarios deben ser tomados en consideración.   No obstante, la continua caída de los precios de los artículos necesarios para tomar fotos, nos da esperanza, además del costo nulo de la película.   La erosión continua en los precios ha sido de un 30% anual en los últimos años. Si comparamos la caída de los precios al costo de un automóvil Rolls Royce, éste costaría lo que cuesta una cajetilla de cigarrillos. Tal ha sido la escala en la reducción de los precios.   Recuerdo cuando adquirí uno de los primeros discos duros a mediados de los 80, un Jasmine de 10 megabytes. Pensé que este disco podría ser usado por mis bisnietos. Me costó 2,000 dólares. Cada megabyte costaría unos 200 dólares.   En la actualidad, un disco duro La Cie de 250 megabytes comprado en la tienda local de Apple cuesta menos de 100 dólares. Esto significa un costo de menos de 4 centavos por megabyte. ¿Necesito decir más? Y este precio será aún menor en los próximos 20 años.   Este ejemplo no es único, existen muchos otros respecto a todo lo relacionado con las nuevas tecnologías y la fotografía.   Ya que la economía tiene un rol tan importante en la distribución de cualquier cosa en la que se busque una participación más democrática, uno puede afirmar con seguridad que las tecnologías digitales tienen un papel clave para lograr que la información sobre el mundo sea más accesible a todos los pueblos de la tierra.   Quiero señalar algunos ejemplos notables de algunas de estas tendencias.   Raúl Ortega, uno de mis colegas en México, es un fotógrafo que vive en Chiapas, y su cuerpo de trabajo es más que sobresaliente. Un libro tradicional de sus imágenes fue publicado a blanco y negro en España. Esta edición tuvo un tiraje de 4 mil ejemplares y fue patrocinada por el gobierno de Chiapas. Cuatro años después, la mitad de la edición seguía sin venderse, básicamente debido a la pobre distribución de los libros en general, y éste no fue la excepción.   En ZoneZero, decidimos publicar este mismo libro en formato electrónico PDF, y ofrecerlo gratuitamente a nuestros lectores por un período de 30 días. Durante este lapso, 24,000 libros fueron descargados. Estoy seguro de que muchos fueron de países a los que la versión impresa nunca hubiera llegado, sin tomar en cuenta el que tal vez no lo hubieran comprado aunque así hubiera sido. En 4 años se distribuyeron 2 mil libros, en 30 días, se distribuyeron 24 mil versiones electrónicas, me imagino que ya ven hacia dónde me dirijo.   Ahora les daré otro ejemplo, hace unos 10 años, un museo estadounidense, con una gran colección fotográfica, me pidió escribir un ensayo para su catálogo, a sabiendas de que su colección estaba conformada principalmente por fotografía norteamericana y europea, y en la que la fotografía del resto del mundo casi no tenía representación. Lo que escribí en ese entonces fue un reconocimiento del hecho de que tales omisiones no tienen el mismo peso en el mundo actual que el que tuvieron en épocas anteriores.   En esos años, carecíamos de herramientas como el Internet, al que hay que agregar a los buscadores que hacen toda la información disponible. Nuestra ausencia de tales colecciones, prácticamente significaba nuestra no existencia.   Si vemos la historia de los libros de fotografía, verán que un subcontinente entero como es Latinoamérica, cuando mucho se remitía a gente como el mexicano Manuel Álvarez Bravo. Después se llegó a encontrar a artistas de la talla de Martín Chambi del Perú, y en algunos casos inclusive yo mismo, cuando existía algún interés por lo que ocurría en Latinoamérica.   Comparen esta realidad con nuestro proyecto de publicación en ZoneZero, que es producido en la Ciudad de México. De por sí un concepto poco común, el que un proyecto de escala mundial sea producido fuera de los tradicionales centros de poder cultural fotográfico como Nueva York, París, Londres o Los Ángeles, es, me atrevo a decir, una prueba de que el proceso de democratización sí está ocurriendo de alguna manera.   Consideren que en los tres últimos años, el número de páginas vistas en ZoneZero ascendió a los 114 millones, con visitantes de 110 países. Semejantes cifras son impresionantes, de cualquier manera que se les quiera ver, pero más aún si pensamos que éste es el resultado de las nuevas tecnologías y su impacto en la redistribución del acceso a la información a escala mundial.   Al ver los trabajos presentados, notarán que hay muchos fotógrafos que nos son muy conocidos fuera de sus localidades, aunque su trabajo es impresionante, y lo que tenemos es una enorme apertura al llevarles el trabajo de fotógrafos de toda clase en cantidades nunca antes vistas.   Una de las cosas que más me agrada de ZoneZero es que está siendo utilizado por cientos de maestros de fotografía en todo el mundo, ya que los alumnos pueden ver trabajos en los libros de texto tradicionales usados en el pasado, producidos, desde luego, en las metrópolis culturales, en las que vemos los mismos nombres siempre citados en las aulas, lo que evidentemente perpetúa la hegemonía de las ideas y conceptos de las personas que controlan los centros de poder. Esto ya no ocurre de la misma manera y me parece que este es un importante paso hacia un proceso más democrático del acceso a la información. Recuerden que las identidades culturales están fuertemente ligadas a tales oportunidades para descubrir los méritos de la herencia cultural propia en comparación con la metrópoli.   Tengo otro ejemplo más de estas transiciones tecnológicas y lo que significan para la fotografía. A principios de los 90, produje el primer CD ROM con sonido e imagen continuas. En su tiempo fue una obra seminal en la que se llevó por vez primera a la pantalla de la computadora algo que nunca se había visto en una pantalla de computadora. Algo personal y emotivo, desde luego, me refiero a “Fotografío para recordar” Estaba increíblemente feliz con el potencial ofrecido pro el CD ROM, que posibilitaba publicar este tipo de trabajo y distribuirlo en algo tan transportable como un disco. Sin embargo, la distribución se convirtió en un problema. Algo tan novedoso no tenía un “lugar” asignado. ¿Quién vende éstas cosas? Al principio algunas tiendas de discos, luego algunas librerías, luego algunos otros establecimientos. Pero era muy nuevo ,y los consumidores carecían de experiencia. Las drogas tenían mejor distribución que un CD ROM.   Entonces Internet apareció y las pocas tienda que vendían el CD desaparecieron al instante, entonces fue que decidí ocupar con rapidez un lugar en la red, suponiendo que los problemas de distribución se resolverían por sí solos, y así ha ocurrido en gran medida. Me conecté al Internet con un puerto IPTR, yendo en contra del consejo de mucha gente, pero al final, resultó que tuve la razón, ya que el IPTR permitió que la distribución mundial tomara un nuevo rumbo, algo que era imposible con su encarnación previa, el CD ROM. El ITPR viaja fácilmente por Internet y la integridad de los datos es la misma que tiene un CD ROM, pero con una importante ventaja, que ya no es necesario programar para plataformas distintas como Windows y Mac. Todos pueden verla.   Ahora ha surgido una nueva plataforma: el iPod, y ya hemos hecho una versión que puede ser descargada a un iPod, y de todas las opciones me parece que ésta es la más íntima. Como pueden ver, el mismo cuerpo de trabajo puede emigrar de una tecnología a la próxima. Pienso que todavía estamos por descubrir todo el potencial ofrecido por el iPod a los fotógrafos como una plataforma específica para la exhibición de obras fotográficas.   Si se concibe esta posibilidad para todo tipo de proyectos educativos, narrativa, entretenimiento, guías para museos, etc. pronto habrá fotógrafos que puedan narrar sus historias usando una multiplicidad de tecnologías para que su trabajo esté disponible en los emergentes canales de las plataformas pequeñas.   ¿Qué es lo que estoy planteando?, Que la computadora ya no el único hardware con capacidades para crear imágenes fotográficas y multimedia, y también les digo que los precios seguirán bajando, ampliándose así las posibilidades de dar a conocer su trabajo. Los teléfonos celulares también se convertirán en algo importante para sus fotografías. No solo toman fotos, sino que también se pueden ver en ellos, y por lo tanto también las historias que narren. Y con esos miles de millones de teléfonos que existen, probablemente tengan algo interesante que ofrecerles.   Así que si el público aumenta y los precios bajan ¿no estamos acaso ante un proceso de democratización?   Para terminar, permítanme comentarles acerca de otro proyecto en que estoy involucrado.   Este es el proyecto llamado HEREJÍAS. Este proyecto es una retrospectiva de mi obra, que será inaugurado simultáneamente en octubre del 2008, en unos 100 museos en todo el mundo.   Me parece que este proyecto encarna muchas ideas que pueden colocarse bajo la noción de la democratización de la fotografía.   No solo se presentará en las 100 instituciones mencionadas, sino que también será presentado en varias galerías en Internet al mismo tiempo. La intención no es que compitan entre ellas, sino que se complementen.   Probablemente ningún museo muestre el mismo trabajo que otro, y eso tiene mucho que ver con la estructura que ofrecí a los museos, puesto que pueden seleccionar las imágenes que deseen de un banco de datos, y de aquí se sacarán la impresiones que soliciten.   Pero nada de esto podría ser logrado sin las nuevas tecnologías de impresión, las cuales pueden lograr la mejor de las calidades, mejor que la que yo pude lograr jamás con cualquier tipo de impresión analógica, y con mayor longevidad, imagínense, 200 años de vida garantizados, mientras tanto, la impresión sobre pedido se convierte en el estándar.   Agreguen a esto el que hemos creado una base de datos con todas las imágenes que he producido en mi carrera, todas accesibles a todos aquellos que posean una razón legítima para tener dicho acceso a esta base de datos, la que contiene casi 500,000 imágenes y documentos. Esta ya no es una de esas bases de datos cerradas que son protegidas por aquellos que quieren proteger un cuerpo de trabajo por razones de poder personal.   La inquietante naturaleza de una base de datos abierta se hará sentir fuertemente, por lo menos en el mundo académico, el cual también está siendo afectado por la democratización. El mundo académico promueve las ideas de la democratización pero difícilmente las aplica.   Debido a las nuevas posibilidades, todas esas instituciones que no quieren abrir sus archivos tendrán que rendir cuentas a otro nivel. Tal como los monjes de antaño, quienes vieron su poder desvanecerse ante el advenimiento de la imprenta. Ahora veremos que algunos bibliotecarios, académicos, fotógrafos o curadores tendrán que defender la manera en que defienden sus archivos. Acceso será la palabra mágica.   La noción de montar una exposición, y luego llevarla a cualquier lugar sin importar su tamaño o características nunca había funcionado, pero además, solo costara al museo mil dólares, cuando en el pasado semejante proyecto costaría por lo menos veinte veces más. Así que hemos logrado reducir los costos considerablemente, además de montar una exposición sobre pedido, yendo precisamente en la dirección opuesta de lo que había sido una exposición tradicional hasta ahora.   Esperamos que mucha gente pueda ver este trabajo durante la duración de esta exposición, que será cuando menos de 8 semanas, y que puedan hacerlo en alguna de las múltiples maneras en que puede verse. Me parece que esto añade una nueva dimensión a lo que es el proceso de democratización en el área de la fotografía. Nada de esto hubiera sido posible sin el acceso a las nuevas herramientas digitales.   Recuerdo cuando en los años 70, no existía un solo espacio para exponer en México. Encabezamos una revuelta contra el status quo del mundo del arte que rechazaba por completo a la fotografía. También realizamos grandes esfuerzos para descubrirnos a nosotros mismos y ganar alguna visibilidad en el panorama de la fotografía mundial. Todos esos esfuerzos, vistos 40 años después, parecen muy básicos y románticos, sin embargo se convirtieron en la plataforma de muchas cosas que pudimos archivar a través de los años. No obstante, es la presencia de las nuevas tecnologías la que permite que esto sueños tengan siquiera la oportunidad de convertirse en realidades.   Al estar frente a ustedes puedo decir, con la mayor humildad, que el proceso de democratización es una realidad cada vez más tangible, por lo menos de acuerdo a nuestras experiencias, y parafraseando a Winston Churchill, se ha dicho que usar tecnologías digitales es la peor forma de trabajar, exceptuando a todas las que se han intentado anteriormente.   Well today, a megabyte of hard disc, bought at your local Apple store looks like this: a La Cie 250 Gigabyte hard drive costs less than $100.00 US. That would be 4 cents a megabyte. Need I say more? And this price is even going to be reduced by an order of magnitude similar in proportions, over the coming twenty years.   Now this example is not unique, it can be crossreferenced almost across the board with regard to anything related to new technologies and photography.   As economics play such an important factor in the distribution of anything with the intention of a more democratic participation, one can safely say that digital technologies play one of the key roles in making information about the world more accessible to peoples all over the world.   I would like to point out some noticeable examples of some of these trends.   Raul Ortega, one of my colleagues in Mexico, a photographer living in the state of Chiapas, produced a body of work that I found to be outstanding. A traditional book with his images was published in black and white, printed in Spain. The edition was of 4,000 copies sponsored by the state of Chiapas. Four years later half the edition was still unsold, basically due to the poor distribution of books, with his not being an exception.   In ZoneZero, however we undertook to publish that same book in electronic PDF format, and to offer it for free to our viewers for a period of thirty days. During that time frame, 24,000 books were downloaded. I am sure that there were a lot of people who got access from countries that the printed book would have never reached, let alone that their pocket books might not have been open to pay for such a book. Four years to distribute 2,000 books, 30 days to distribute 24,000 books, I can imagine you get the drift of what I am talking about.   I will offer you another example. Some ten years ago, I was asked by an American Museum that had an enormous collection of photographs, to write an essay for their catalogue, precisely knowing that their collection was so slanted to US and European photography, with the rest of the world totally under represented. What I wrote at that time, was an acknowledgement to the fact that in today’s’ world such omissions, do not carry the same weight that such neglect might have produced in a previous era.   In those years in which we did not have the tools, such as the Internet for instance, and you might want to add real quickly, the search engines, which make all that information available, the absence from such collections in essence made it so that most of us did not exist for practical purposes.   Look at the history of photography books, and you will find that an entire sub-continent such as Latin America was represented at best by the likes of Manuel Alvarez Bravo from Mexico. Later on you would find other token artists were added such as Martin Chambi from Peru or in some instances even myself, in order to maintain, some semblance that there was an interest in Latin America.   Compare such a reality to our publishing project at ZoneZero, which is being produced from Mexico City. Already an unusual concept, were a project of worldwide consequence can be produced outside the traditional centers of photographic cultural power such as New York, Paris, London or Los Angeles. I would venture to say that this is some sort of proof that the process of democratization is taking hold somehow.   Consider that over the past three years the number of page views, that is the number of pages actually seen in ZoneZero, were 114 million pages, with our viewers coming from one hundred and ten countries. Such numbers are impressive in any way you wish to look at them, but more so if you think that this is the result of new technologies and their impact on a redistribution of access to this information on a worldwide scale.   But then if you look at the work that we have shared, and you will see that there are a lot of photographers that are not that well known outside their local communities, but never-the-less with impressive work, and what you have is an opening of flood gates by bringing the work of photographers across all sorts of boarders, in numbers unheard off before.   One of the things I like the most, is that ZoneZero is being used by hundreds of teachers of photography all over the world, as their pupils get to see the work of not only the traditional text books that were used in the past, produced of course, you guessed right, in the cultural metropolis, with the same names that existed always being taught, which obviously perpetuated the hegemony of ideas and concepts of those that control the centers of power. That is no longer happening in the same manner, and I find this to be an important process towards a more democratic process of access of information. Remember that cultural identities are strongly linked to such opportunities to discover the merits of your own cultural heritage vs, that of the metropolis.   I will give you yet another example of these technological transitions, and what they have in store for photography. In the early nineties, I produced what was the first CDROM with continuous sound, and images. It was at the time a seminal work, in so far that it brought to the computer screen content that was at the time considered to be outside the realm of what one could find on a computer screen. Something personal and emotional, I am of course making reference to I Photograph to Remember. I was incredibly happy with the potential of the CD ROM that allowed one to publish such work, and distribute it on something as transportable as a disc. However, the problem became distribution. Something as new as that object, had no“place” were something like that could be found. Who sold such things? At first a few record stores, then books stores, and then increasingly other outlets. But it was all quite new and therefore without any sort of experience on the part of consumers. I think drugs were better distributed than CD Roms.   Then the Internet appeared, and the few stores that did sell CDs evaporated into thin air, I immediately sized upon the opportunity to make myself present on the internet assuming that the problems of distribution would now take care of themselves, and they largely did. I ported IPTR to the Internet, against the better recommendations of a lot of friends. But in the long run they were proven wrong, the internet allowed IPTR to take on a new direction with distribution the world over, something that was well nigh impossible in it’s previous incarnation as a CDROM. IPTR today runs off the Internet with the same sort of audio and video integrity it had coming off the CDROM with one important added advantage, it was no longer necessary to program for different platforms such as windows and Macs. Everyone could see it now.   A new platform has emerged, the iPod, and we have now made a version that you can download to you iPod, and of all the options I think this one is the most intimate. As you can see, the same body of work, can migrate from one technology onto the next. I think we have yet to discover the potential that the iPod has for photographers as a platform to plan for, to use it to make their works available for such audiences.   If you project this possibility to all sorts of educational projects, story telling, entertainment, museum guides, etc. you can find that all of a sudden photographers will be able to tell their stories using a multitude of technologies to make their work known to ever new small platform channels.   What am I telling you, with this idea? Is that the computer is no longer the only hardware that can deliver photographic images and multimedia, and in so doing I am also telling you that the prices will increasingly come down, expanding the base to which you can make your work available. Cell phones will also become a large market you will find important for your photographs. They not only take pictures but of course also display them, and if they do that, then they can also display your stories. And with a few billion phones out there, you just might have something to offer them that could be of interest.   So if the audience expands, if the prices come down, aren’t we in essence dealing with a process of democratization?   In closing let me tell you about another project I have been involved.   This is called the HERESIES project. This project is a retrospective of my work that will open in October 2008, in about one hundred museums around the world at the same time.   I believe that this project epitomizes many notions that one can put under the umbrella of democratization of photography.   It will not only be presented in those one hundred institutions mentioned before, but it will also be presented in web galleries over the Internet, all coexisting at the same time. Their intention is not to compete with each other but rather to complement one another.   Probably no two museums will show the same work that the others will, and that has largely to do with the structure that I offered to the museums, were by they can make a selection of what ever images they want to chose from a given data bank, and these are the ones that they will get prints off.   But all of this could not be accomplished with out the presence of new printing technologies, were we can get the outmost quality, better than any analog prints ever made by me, and with greater longevity than these, imagine 200 years guaranteed, while printing on demand becomes a standard.   But add to this the fact that we have built a database with all the images that I have ever produced, all of this will be accessible to all those people who have a legitimate reason to have such access to an open database with nearly 500,000 images and documents. No longer is this one of those closed databases which are so dear to those who want to protect a body of work for personal power.   The disruptive nature of an open database will long be felt, at least in the academic world, as the word democratization also comes creeping in to this world as well. The academic world is long on ideas about democracy and quite short on living up to them.   All those institutions that keep their cards too close to their vests and don’t want to open their archives, will be held to a new level of accountability of what could be possible. Much as those monks of yesteryear, who saw their power erode with the advent of the movable printing press. We shall now see certain librarians, academics, photographers or curators having to defend the way they go about in dealing with their archives. Access will be the magic word.   The notion that you would make an exhibition, and then travel the show where one size fits all, never worked, has now found a new tailor to order format, which to boot, will only cost the venue showing, one thousand dollars per participant, where as in the past such a project would cost at least twenty times more. Thus we have been able to reduce the price considerably while making the show made to order. Going in precisely the opposite direction of what traditional shows have been up to now.   We expect many people will get a chance to see this work, over the duration of this exhibition of, at least, eight weeks, and do so in any one of it’s multiple forms of being viewed. I think that this is adding a new dimension to what is a democratization process in the area of photography. Now, none of this would have been even remotely possible without access to all the new tools that the digital age has to offer.   I can remember when in the seventies, there wasn’t a single space to exhibit photography in Mexico. We led a revolt against the status quo in an art world that would dismiss photography entirely. We also made serious efforts to discover ourselves and to gain some visibility in the world of photography at large. All those efforts, as seen now forty years later seem quite basic and romantic, yet they became the cornerstone for many of the things we were able to achieve as time went on. However, it is mainly due to the presence of new technologies that our evolving dreams even had a fighting chance of becoming a reality.   As I stand before you, all I can say with the greatest of humbleness, is that the process of democratization is an ever present reality, at least so in our experience, and in paraphrasing Winston Churchill, It has been said that using digital technologies is the worst form of working except all the others that have been tried before.   © Pedro Meyer Abril, 2007         http://zonezero.com/magazine/articles/pedromeyer/indexsp.html    

Lunes, 30 Abril 2007

356. Justo cuando pensé que la discusión había terminado

    Realizamos una encuesta que fue contestada por nuestro público en más de 32 países. Queremos agradecerles por sus valiosos comentarios, que nos servirán como una importante guía para avanzar en las cuestiones que esperan y que desean ver realizadas.   La mitad de ustedes sugirió que el tema “de lo análogo a lo digital” se encuentra agotado en su mayor parte, y que ahora ya vivimos totalmente en un ambiente fotográfico digital, y la otra mitad cree que la película y el cuarto oscuro siguen estando bien y estarán dentro del futuro próximo.   Les presento algunas evidencias de lo que he presenciado en los últimos treinta días y que les darán una clara indicación de que las cosas al parecer no lucen tan prometedoras para aquellos que siguen apegados a la tradición análoga. No estoy emitiendo un juicio acerca del mérito de sus preferencias, sólo presento hechos, para ser evaluados de acuerdo con sus predilecciones personales.   La primera prueba que, francamente me sorprendió, fue entrar a una tienda, que había reemplazado toda su sección de venta de película con baterías de todo tipo.     Lo segundo que me dejó anonadado, fue ver una repisa en una tienda de foto en la que uno de los nombres tradicionales del papel fotográfico ILFORD, había sido reemplazado, no por un nuevo nombre sino por el mismo de la era analógica Ilford Gallerie, en papel de inyección de tinta. Tengo entendido que Ilford atravesó una dura época en lo financiero durante la transición a la era digital y ahora tienen nuevos dueños y administración. Uno de los resultados de este proceso de renacimiento, es que el papel con base de sales de plata ha sido sustituido por papel que ya no pasa por el cuarto oscuro, sino por la impresora de inyección de tinta en el “cuarto luminoso”.     También encontré que las galerías y coleccionistas parecen haberse enamorado de las impresiones con base de plata. Las mismas hojas de papel que en el pasado no eran siquiera consideradas arte, ahora repentinamente tienen gran cantidad de seguidores. Por supuesto me parece irónico que el mundo del arte “no lo entienda”, porque si en verdad se preocuparan por coleccionar imágenes, en lugar de explotar el fetichismo de un objeto escaso, lo que harían sería imprimir las mejores fotos en los papeles más lujosos, cuya diversidad es completamente nueva en el campo de la fotografía, y por cierto dura por muchísimo más tiempo que sus “preciosas” impresiones de plata.   Me permito decirles que cuando comencé a imprimir en formato digital a principios de los noventa, las tintas no eran muy estables y las impresiones se desvanecían en unos pocos años. Los coleccionistas en aquella época no compraban fácilmente estas impresiones por esta razón. Yo defendería precisamente lo contrario, ya que éstas impresiones se convertirían muy pronto en artículos de colección, debido al período en el que fueron hechas, en otras palabras, las impresiones digitales más tempranas pronto aumentarían enormemente su valor. Y eso es exactamente lo que ha ocurrido, pero la mayoría de los coleccionistas no alcanzan a percibir esto.   Tal vez lo que necesitamos es que tanto coleccionistas como artistas tengan una visión de la dirección que han de tomar las cosas, lo que creo constituye el mayor reto. Los que posean la visión del futuro serán los que podrán cosechar los frutos de sus premoniciones.   Pasando a otro tema, debo decir que necesitamos revisar una cuestión que parece que no termina de irse... los fotógrafos que son despedidos de sus empleos por alterar sus imágenes para sus periódicos o agencias. El último escándalo se relaciona con el fotógrafo Allan Detrich, que trabajó para el Toledo Blade. El editor del periódico dijo que Detrich también había entregado algunas otras fotos cuestionables este año.   Si bien no estoy a favor de la alteración de fotos en el contexto de las imágenes de noticias, cuando esta alteración cambia significativamente el contenido de lo que transmite la imagen, creo que es también muy importante que comencemos a examinar a los inquisidores que se han puesto en contra de los fotógrafos, en algunos casos con argumentos muy cuestionables.   Un artículo muy importante a este respecto fue publicado recientemente en Salon.com, que creo puntualiza la situación actual con la prensa. Personalmente, creo que un buen número de profesionales de la prensa deberían también de ser cuestionados, y no señalar solamente a los fotógrafos.   Pedro Meyer Abril, 2007 Nueva York   Como siempre, por favor pongan sus comentarios en nuestros foros.         http://zonezero.com/editorial/abril07/abril07.html      

Lunes, 02 Abril 2007

358. Escribiendo en el Mundo Libre

          Escribiendo en un Mundo Libre   Jonathan Lethem explica porque la legislación de derechos de autor frustran la creatividad y porque está regalando los derechos para hacer una película con su nueva novela. por Amy Benfer   25 de marzo, 2007. La séptima novela de Jonathan Lethem You don’t love me yet (“Todavía no me amas”) es una especie de parábola sobre las maneras en que se crea el arte y se convierte en mercancía mediante un proceso de préstamos, robos y transformaciones. Situada en Los Ángeles, la novela trata sobre cuatro músicos de rock indie que se encuentran más cercanos a cumplir los 30 años que al éxito. La atractiva bajista, Lucinda traba amistad con un cliente anónimo de su empleo en una línea telefónica de quejas de una galería de arte. El hombre, apropiadamente llamado “el Quejoso”, resulta ser un genio para las palabras. Lucinda da a conocer las disertaciones del Quejoso a Bedwin, el letrista de la banda, quien las transforma en canciones que finalmente le dan un reconocimiento a la banda. Las cosas se tornan difíciles cuando el Quejoso, en lugar de buscar una compensación monetaria, desea unirse a la banda.   La semana pasada, Lethem, autor de best sellers tales como Motherless Brooklyn (Brooklyn Sin Madre) y The Fortress of Solitude (La Fortaleza de la Soledad) propuso una igualmente inventiva, aunque mucho más generosa manera para otorgar los derechos para hacer una película con su novela. En su sitio Web, ofreció la opción de regalar dichos derechos a aquel cineasta que le presente la mejor propuesta para el 15 de mayo. A cambio, el cineasta acuerda pagarle el 2 por ciento del presupuesto total de la película cuando ésta logre un contrato de distribución, y permita que los derechos regresen al dominio público, para el uso gratuito de cualquier persona, incluyendo a otros cineastas , cinco años después del lanzamiento de la película.   Lethem también ha escrito un ensayo para la edición de febrero de la revista Harper’s llamado “El éxtasis de al influencia”, en el que hace un alegato a favor de un nuevo enfoque de la legislación de los derechos de autor, basada en el reconocimiento de que “la apropiación, la imitación, la cita, la alusión y la colaboración sublimada constituyen un sine qua non del acto creativo”. Se basa en el reconocimiento de que todas las obras de arte son en cierto sentido, una colaboración entre los artistas y el resto de la cultura. Hablé con Lethem sobre el tema del derecho de autor en su nueva novela y ensayo en su residencia en Brooklyn, Nueva York.   You don’t love me yet trata sobre músicos que tienen otros empleos durante el día. Esta clase de músicos casi no cuenta con el apoyo de una disquera y se encuentran perpetuamente de gira, sacando dinero de la venta de camisetas, esto es, vendiendo subproductos de sus lindas canciones. Cuando me subo al caballo pro derecho de autor, debo decir que estos músicos ponen en riesgo sus relaciones personales al estar todo el tiempo de gira, y cuando llegan a la mayoría de edad, que en el caso de un músico de rock indie puede ser a los 30 años…   Así es, no poseen una propiedad intelectual para ayudarles en el asilo de ancianos. Lo primero que quiero decir es que es enteramente una ficción de lo que, para efectos de esta discusión, llamaré la “oposición” de los absolutistas corporativos del derecho de autor, que el cuestionar de cualquier modo la actual locura privatizadora significa proponer la abolición anárquica del derecho de autor.   Yo me gano la vida licenciando mis derechos de autor. Todo lo que he tratado de decir en el ensayo de Harper y en otras partes es que hay una gigantesca zona gris. Se vuelve uno de esos temas como el que no apoyar que se realicen grabaciones de llamadas telefónicas privadas en los EEUU me convierta en un terrorista.   Lo que busco explorar es esa increíblemente fértil zona gris en donde la gente controle algunos derechos y obtenga importantes beneficios de esos controles y sin embargo contribuyan a un dominio público saludable y sistemáticamente renuncien a controles sin sentido que empobrecen al dominio público.   Dicho esto, no hay una descripción simple. Existe una intrincada serie de juicios dadas las variantes tecnológicas y las diferencias entre los distintos medios. No hay un estándar simple a aplicar. Es una cuestión de entender las necesidades de un dominio público sano y un incentivo saludable en cada campo específico.   Pero diré esto: Los problemas de los artistas, músicos, escritores y cualquiera que reciba un ingreso por realizar su trabajo más libre e independiente no son nuevos. La actual situación de maximización de la propiedad intelectual azuzada por las corporaciones, no parece haber impedido a las bandas independientes realizar sus giras.   Soy un artista muy afortunado. Me gano la vida con ello. No sabía si lo podría hacer. Estoy convencido por la imagen ofrecida por Lewis Hyde de que un artista se halla , por definición, sin importar el medio, nivel de éxito o contexto cultural, en la producción de la cultura, y el participar de ella haciendo cosas es inherentemente realizar una transacción en la que se hace un obsequio y se crea un bien mercantil. Y siempre será así. La pregunta es ¿Cómo afirmamos y damos claridad a esta relación? Por que es muy extraña, ya que se crean bienes de consumo que a la vez son obsequios.   Supongo que al avanzar en tu carrera estás en una mejor posición para realizar obsequios de tu propia obra   ¡Irónicamente así es! Me encuentro en una mejor posición que antes. Pero la verdad es que la alharaca se hace sobre todo al comienzo de las carreras de los artistas, o artistas que han descubierto la inutilidad o la frustración de su esperanza de poder vivir del arte. Se deja esto a las personas que más bien lo hacen como una especie de impulso voluntario desde los márgenes.   Hemos visto recientemente ejemplos de gente que ha hecho trabajo comercialmente viable y a la cual se les ha jugado muy suciamente, como Hank Shocklee de Public Enemy , quien casi inventó un nuevo lenguaje musical y que vio como se le puso prácticamente en la ilegalidad debido a la aplicación de las leyes del derecho de autor. Siento que los artistas ya no pueden permitirse el quedarse con los brazos cruzados.   Sé que hablo desde una posición muy cómoda. No quiero decir eso en términos de mis situación financiera, que sube y baja, sino en términos de un novelista que es casi inmune a estos temas. He expresado mi molestia por no poder citar alguna letra de Brian Wilson en una novela por no poder costearlo. O cuando algún editor pone en mayúsculas la palabra “curita” en mis páginas, me parece ofensivo, por que yo y mis personajes la hemos usado como un sustantivo. Simplemente lo es. Lo siento pero esa palabra se ha convertido en un sustantivo.   La verdad es que podría escribir un libro entero sobre un capítulo entero de “los Simpson”, describiendo la piel amarilla y protuberantes ojos de Homero y nadie podría siquiera interferir con mi decisión como artista o lograr que fuera incosteable que lo hiciera. Pero si un artista visual o un cineasta o un montaje digital intentasen capturar la misma imagen, que es solo parte del lenguaje visual que flota en el aire, ellos no tendrían mi libertad.   ¿Y si transcribieras el guión del episodio ¿No sería el equivalente de tomar el lenguaje sin alterarlo?   Probablemente alcanzarías el punto estético de rendimientos decrecientes antes de lograr que alguien se excite por tu violación de derechos de autor. Pero el punto es: ¿Alguna de estas cosas realmente constituye un rival de ese episodio de “Los Simpson” en la televisión? Probablemente no. ¿Por qué pensamos de esta manera sobre la propiedad corporativa, que es de lo que realmente hablamos?¿O de ciertos modelos de negocios?   La gente habla de estos derechos como si tuvieran un poder moral tangible, comparable a los Diez Mandamientos. Pero son nociones corporativas muy locales y convenientes. No todas las cosas pueden moverse de un lugar a otro libremente por las personas que desean hablar de ellas o representarlas o hacer bromas de ellas o mezclarlas con otras cosas.   Esta el lado negativo. Platiquen con académicos de James Joyce, quienes se han visto en terribles aprietos debido al exceso de celo de albaceas literarios que no permiten citas directas de la obras. Hay una epidemia de esta tipo de control. Todos pueden protestar diciendo que Samuel Beckett no hubiera visto “Esperando a Godot” escenificada con atavíos de samurai mientras él viviera. Parece apropiado que él hubiera impedido semejantes intentos, puesto que era un tipo muy severo e intenso. Pero si sus herederos consideren que existe una prohibición eterna contra la recontextualización de las cosas que él ofreció a nuestra cultura, solo hay que aplicar la misma regla a Shakespeare y ver lo empobrecedor que eso resultaría.   Recibiste una adelanto de USA $ 6,000 por tres años de trabajo en tu primera novela, lo que tristemente, resulta común. Obviamente, si todavía ganaras esa cantidad, sería muy difícil que pudieras seguir haciendo arte y mucho menos pensar en poder hacer esta clase de experimento social.   Seguramente, pero el fortalecimiento del control de derechos de autor no fue lo que después me dio más dinero, fue que encontré algunos lectores. Aunque mis derechos estuvieran grabados en kriptonita y duraran 1000 años, si nadie los leyera, no valdrían un centavo. La economía de la atención humana es preciosa, mucho más escasa que cualquier otra. Tengo la suerte de estar en la posición de que, para empezar, alguien se de cuenta de que estoy regalando algo.   En tu ensayo, usaste el blues como modelo de un material de “fuente abierta”. Mencionas que Led Zeppelín robaba a los músicos de blues. O podrías ver a Brian Eno y a David Byrne, modelos de buen comportamiento que son, hurtando cosas de otras culturas musicales. O a Picasso saqueando a los “Africanos Primitivos”. Cuando una persona o cultura en el poder se lleva algo de otra persona o cultura con menos poder, sobre todo cuando se obtienen ganancias demenciales en el intercambio, es cuando la gente se pone muy incómoda.   De acuerdo. Por eso pongo estos ejemplos. Quería aclarar que existe una increíble variedad de relaciones que los artistas pueden tener con sus fuentes. Algunas nos incomodan, algunas llegan a lo deplorable o patético como “Opal Mehta”. Pero pienso que hay estándares innatos que la gente aplica por instinto, sin importar que puedan articularlos o no.   Está la cuestión del valor agregado. Parecía que David Byrne era como un turista, pero aplicó su genio transformador a los trabajos que se apropió, al igual que Picasso. Carlos Mencia no parece agregar valor alguno a las bromas que otros cómicos dicen que se ha robado. El solo las recogió. Así que éste es un estándar.   Otro es el engaño. A la gente no le gusta que le tomen el pelo. Hay hasta cierto punto un grado de si no citas, por lo menos la sugerencia de que hay fuentes. La tercera es el tema de Led Zeppelín: Espera, acabas de ganar mucho dinero con esto. Este era blues sin registro de derechos ¿y tu solamente lo registraste a tu nombre? Esta es la acción Disney/Zeppelín. Estos creadores podrían pasar sin problemas la prueba del valor agregado. Pero parece que la cantidad de dinero que se generó a partir de fuentes que no eran bienes mercantiles anteriormente, es algo desproporcionada.   Eso es lo que hace que la gente tenga miedo de hacer su material disponible sin protección legal.   Creo que ahora hay una cultura de escarnio público bastante fuerte que se encargaría de tipos como esos. Claro hay dos sentimientos que no siempre congenian por completo. Esa es una razón por al que no llamo a éste una proyecto de fuente abierta. Los proyectos de fuente abierta requieren que cualquier uso subsidiario haga que su situación como un bien no comercial se perpetúe. Decidí que no era éste el control que deseaba imponer. Parte de lo que quería celebrar era el aspecto no controlado de mi obsequio.   Por ejemplo, he puesto letras de mi nueva novela en mi sitio Web. Y no es que diga ”Como no tengo una canción de éxito y hago dinero con éstas letras” No se si alguien pueda hacerlo, pero si lo logran estaría feliz por ellos. Para mi, el escribirlas es suficiente. No busco una recompensa en esa área y no me interesa prohibir que alguien la busque. Así que es algo diferente de la descripción de la fuente abierta.   Eso va para el sentimiento de Samuel Beckett o mejor el de la sucesión de Margaret Mitchell [quienes demandaron por violación de derecho de autor a The Wind Done Gone”]. Si haces cosas no puedes determinar su destino en el mundo. ¡Dios! Debes estar agradecido si es que tiene uno. Si a alguien le importa un bledo es una bendición. Todos los artistas deben recordase a sí mismos constantemente lo afortunados que son por que a la gente se preocupe, para empezar. Si la gente hace algo con mi trabajo que no es tan interesante como yo esperaba, o si hacen algo que les de mucha plata, no poder ordenar su destino es algo que debo aceptar como parte de este gesto.   Pero para ser totalmente obvio, las letras y hasta proyectos de películas no son novelas. Algo que siempre conservaré son los derechos de mis novelas. Con mi nueva novela, invito a algún cineasta que haga un acto de fe conmigo y diga que cinco años después del lanzamiento del filme montemos una obra de teatro o un cómic o un musical o una segunda parte. Probablemente no haría esto con todas mis novelas. Con algunas, todavía me atrae el tener algún control. Con ésta, sentí que disfrutaría mucho el obsequiarla. I es mi decisión. Esa es la clave. Proviene de mi elección. Pero no creo que 50 o 100 años después de mi muerte, todavía deba haber alguien que diga que es lo que se puede hacer o no con mi obra. No tiene sentido. Como señala Lawrence Lassig, no se puede motivar a un creador muerto para que haga más arte ofreciendo protección de sus derechos de autor.   Me da curiosidad ver lo que pasa cuando se invierte esta prueba del valor agregado. Por ejemplo, esa mujer que dice haber inventado los “muggles” antes que JK Rowling o el ejemplo del tipo que escribió una mala versión de “Lolita”. Si hacer buen arete legitima el préstamo, ¿es verdad el corolario? Si hacer arte malo ¿Repruebas esa prueba del valor agregado y de repente tu fracaso artístico se vuelve ilegal también?   El mal arte nunca es no ético. Es importantísimo aclarar esto ya que todo artista hace mucho mal arte antes de hacer buen arte y a menudo hay intervalos en que se hace más mal arte durante la producción del bueno. Ha de ser alentado de igual manera que el hacer buen arte.   Parece atrevido inventar una banda ficticia   Si, a menudo no funciona tan bien. Creo que he evadido la prueba de algún modo, primero que nada por que inventé una banda de medio pelo. No se supone que te convenzan que se van a apoderar del mundo. Inventar arte ficticio que parezca que va a poner al mundo de cabeza, siempre se siente muy falso.   Si alguien novelara las cosas que sí tienen éxito, tampoco sonarían bien. En lugar de hacer eso, inventé algo como la película vanguardista de Fortress of Solitude, inventé un arte al que a nadie importa. Es mucho más fácil persuadir a la gente, por que eso ocurre mucho.   La otra cosa que hice no fue una estrategia conciente -aunque después de que lo hice me percaté que era una estrategia inconciente-, y fue que no trabajé afondo las letras de la canción. Detesto que haya letras ficticias para una canción completa. Me hacen avergonzarme. No creo que muchas letras reales sean persuasivas en papel, aún de canciones que te gusten. Así que solo doy el fragmento de una línea –aún en el caso de “Monster Eyes” (Ojos de Monstruo). Solo doy el estribillo. Aún así te da libertad para creer que la canción te gustaría si la oyeras entera.   Muchas de las frases del Quejoso podrían ser eslóganes de comerciales. Se establece un interesante paralelo entre las canciones pop y los jingles publicitarios.   Es cierto. Estaba muy interesado en cómo muchas grandes canciones pop se escriben de lenguaje inicialmente indiferente o aparentemente descompuesto. Están todas esas grandes canciones de soul que toman eslóganes comerciales populares u ocurrencias baratas como “no rasques donde no hay comezón” o “prefiero pelear que cambiar”, o cuando Buddy Holly tomó la frase “That’ll be the Day” (Ese será el día) de la película “The Searchers” Aún dentro del filme, una de las cosas embarazosas es que John Wayne repite demasiado esa frase. Sientes que están tratando de grabártela. Así que Buddy Holly se da cuenta de esto y hace una canción inmortal por la emoción que le provocó esta frase.   Estas cosas flotan en el ambiente y no pertenecen a nadie en particular, por lo menos no a la gente que las usa. No solo son vernáculas, sino que se sienten vulgares, como cuando alguien recoge un envoltorio de chicle y lo pone en un cuadro. Yo quería darle esa calidad de calcomanía barata.   Pero el Quejoso es una especie de idiota sabio. Posee esa cualidad de ser irritante e imposible de ignorar, como el lado malo de una canción pegajosa, cuando el pop goza de éxito y deseas que no lo hubiera obtenido. Tiene una cualidad viral. Aquí es cuando la publicidad y un buen gancho pop convergen, el ruido en tu cerebro del que no puedes alejarte.   Copyright ©2007 Salon Media Group, Inc.       http://www.zonezero.com/magazine/articles/benfer/indexsp.html  

Domingo, 25 Marzo 2007

360. Katsunori Osoegawa López

  Date: February 18, 2007 3:55:26 PM   Señores zonezero.com   Envío este mensaje con objeto de registrarme y solicitar informacion acerca de como poder publicar mis trabajos en su pagina. Mi nombre es Katsunori Osoegawa López, nací en Santa Cruz de la Sierra - Bolivia el 02 de Octubre de 1974, soy estudiante de Comunicación Social y Fotografia. Actualmente vivo en Cochabamba - Bolivia. De antemano agradezco y felicito por el trabajo que llevan adelante con la difusion del arte fotografico y sus exponentes. Atte. katsu  

Domingo, 18 Febrero 2007

362. Cara de palo en tiempos turbulentos

    Imaginen mi sorpresa al leer que el primer ministro de la Gran Bretaña ha propuesto una serie de restricciones para tomar fotografías en espacios públicos.http://petitions.pm.gov.uk/Photography/   He escrito sobre esta paranoia hace algunos años, en el 2001 cuando visitaba Londres unos furiosos maestros me gritaron mientras tomaba fotos de una excursión de unos alumnos de secundaria frente a la galería Tate. Les recomiendo que lean lo que entonces dije en la editorial no.32 (día 9), y cómo la dirección de las políticas actuales no es sino una continuación de las mismas actitudes que en aquel momento prácticamente no sufrieron oposición alguna.   Recientemente me topé con otro evento muy perturbador, sucedido en Egipto tal como fue reportado por Wired News. Un blogger egipcio, un ex-estudiante de 22 años de edad de la Universidad Al Azhar llamado Abdel Kareem Nabil, fue condenado a 4 años de prisión. Abdel Kareem que es un notorio laico, y duro crítico del conservadurismo musulmán en su blog, a menudo atacó a Al Azhar, el centro religioso más importante del Islamismo Sunita, llamándola “la universidad del terrorismo” y acusándola de promover el extremismo.   El Comité para la Protección de los Periodistas, una organización de defensa de los derechos de los medios con sede en Nueva York, informó que los escritores y editores del Internet son el segmento de periodistas encarcelados que ha crecido más rápidamente, con 49 tras las rejas en diciembre del 2006.   Al escribir estas líneas, recibí noticias de Apple, acerca de que el sitio Washingtonpost.com está utilizando toda clase de tecnologías interactivas (foto fija, video, sonido, animación) para informar de cualquier noticia que consideren relevante.   La convergencia de todos estos eventos como la he descrito, me dice algo de lo que debemos estar muy preocupados. Al avanzar en el uso de todas estas nuevas herramientas para explorar la narración de historias en la era digital, la mayoría de las sociedades en el planeta tratan de restringir severamente su uso. Estoy seguro de que hay una relación directa con la facilidad de su uso, que ha demostrado otorgar poder al ciudadano promedio para expresar su propio punto de vista, lo que evidentemente escapa a los tradicionales medios de control utilizados por los poderosos.   El proceso de la democratización de la información ha provocado una fuerte reacción para restringir el uso de las nuevas herramientas digitales, entre las que está la fotografía. Después del desastre de Abu Ghraib en Irak, la milicia estadounidense impuso nuevas reglas de censura que prohíben el uso de cámaras digitales por los soldados.   Les pedimos que nos hagan llegar todas las restricciones con las que se hayan encontrado, para comenzar a compilar una base de datos con esta información. Esto nos permitirá ampliar al conciencia que se necesita y no sólo poner cara de palo ante los tiempos difíciles. Estoy seguro de que hay acciones que pueden llevarse a cabo, tal como la petición que actualmente busca recolectar firmas en el Reino Unido para detener la locura de no permitir tomar fotos en la calle.     Pedro Meyer Febrero 2007   Como siempre, por favor pongan sus comentarios en nuestros foros.         http://zonezero.com/editorial/febrero07/febrero07.html    

Viernes, 02 Febrero 2007

364. Joseba Bengoetxea Perfecto

  Date: January 25, 2007 7:24:49 AM   Hola, estoy encantado con vuestro espacio que visito con asiduidad. Me parece uno de los referentes mas importantes sobre fotografía en la red. Admiro vuestro trabajo, Creo que lo haceis con mucha dignidad y seriedad…no es fácil esto. Os solicito me incluyáis en vuestro registro y que me enviéis la información que estimeis oportuna a esta mis dirección. Pronto os enviaré un portafolios para que lo valoreis.   Un saludo.   Joseba Bengoetxea Perfecto  

Jueves, 25 Enero 2007

366. ¿Dónde termina la fotografía y comienza la pintura?

    La pintura que observamos arriba, fue presentada en la Bienal de Arte de Shangai en el 2006. Esta pintura se basa en las percepciones asociadas a la fotografía, a tal grado que los hombres mostrados en ella, tienen una pose normalmente asociada al retrato fotográfico, y si quedara alguna duda sobre esto, detrás de estos tres chinos podemos ver otra pintura mostrando a otro hombre en el proceso de tomar una foto de esos mismos tres hombres retratados en la pintura. Ustedes de hecho están viendo todo esto en una fotografía en la que se ve la pintura completa. Tenemos los rebotes de los ecos entre la fotografía y la pintura que son el tema de esta editorial. Mucho del arte moderno se basa en el uso de la fotografía como referencia, como dice Francis Bacon: “Algo que nunca se ha examinado realmente es cómo la fotografía ha alterado por completo a la pintura figurativa”.       Lo que sí ha quedado claro, desde hace tiempo, es cómo la fotografía ha influido a la pintura. Pero lo que no es tan claro es cómo la pintura ha influido a la fotografía. No obstante, esto ha empezado a cambiar con la aparición de todas las herramientas digitales que permiten a los fotógrafos la misma libertad creativa que tanto ha prevalecido en la pintura.   A continuación tenemos una foto tomada en la India y que después transformé para que quedara como una pintura con el programa “Painter” de Corel. La pregunta que muchos me hacen es por qué manipulo la imagen para que no sea una fotografía simple, pero tampoco sea realmente una pintura, en el sentido de cómo se utilizan los materiales.   Estamos ante algo que es realmente diferente y nuevo, y que todavía debe ser entendido por completo como implicaciones técnicas y artísticas. Ya he discutido sobre algunas de estas ideas en nuestra Editorial No. 68 de noviembre del 2006, la cual les invito a leer nuevamente.     2006 © Pedro Meyer. Imagen pintada Haga click en las 2 diferentes áreas marcadas para ver detalles de cada una.   Creo que hemos entrado a una nueva era en la cual los alguna vez definidos límites entre fotografía y pintura, y sus respectivos campos de actividad, ya no tienen fronteras significativas.   Nos hemos percatado de que la alguna vez sacrosanta noción de que una fotografía era una muy fiel representación de la realidad nunca fue verdadera, y una nueva variable ha entrado en juego, y ésta consiste en que la representación subjetiva de cualquier tema es también una manera muy significativa de tratar serias preocupaciones humanas que a su vez nos hacen reflexionar sobre el mundo a nuestro alrededor.   En este contexto me gustaría presentarles a los gemelos Pingyao. Encontré esta vieja foto en mi reciente viaje a China, y tuve la oportunidad de conocerlos, lo que me llevó a entender que la foto no era tan vieja, sino que estaba muy descuidada. Estos hermanos seguían usando la misma vestimenta utilizada en el tiempo del dirigente Mao, en el cual más de 75 millones de personas perdieron la vida.     El nacer gemelos fue la manera en que sus padres dieron la vuelta a la prohibición oficial de tener más de un hijo, sin embargo debido a esa ley, perdían el subsidio gubernamental. Sus padres se sintieron bendecidos por el nacimiento de dos varones. Tener un varón es algo que la mayoría de las familias deseaban, las niñas eran toleradas pero no eran realmente bienvenidas a este mundo, por lo menos no tanto como los niños. La presencia de un varón era la manera de asegurar la manutención de los padres en la vejez, una especie de seguro de retiro. Así que podrán imaginarse la satisfacción que el nacimiento de esos niños provocó en ese hogar.   El que se vistieran de manera igual no era inusual, de hecho casi todos los chinos usaban el mismo tipo de ropa. Sólo en tiempos más recientes, cuando China se convierte en la fábrica del mundo, y la mayoría de la ropa tiene la etiqueta “Hecho en China”, es que los chinos han adoptado la moda occidental. Por eso no es tan raro ver que los hombres mayores usen la ropa de la era anterior, algo así como la barba que era asociada con la era anterior a la época moderna en China.   El hombre de la izquierda es el Sr. Ping y el de la derecha es el Sr. Yao; lo cual es sorprendente, ya que el nombre de la ciudad es Pingyao, pero al parecer era un honor para ellos llevar el nombre de su ciudad de esta manera. Pingyao fue alguna vez el Wall Street de China, localizado entre las rutas comerciales entre Beijing y X'ian. Pingyao se convirtió en un centro mercantil en donde los empresarios locales fundaron los primeros bancos. Estas fueron las primeras instituciones en China en usar cheques y los negocios alcanzaron su cima en el siglo XIX, cuando la ciudad era sin duda el centro financiero del gobierno Quing.   La mayoría de la gente de Pingyao viene de familias de negociantes, y los gemelos no son la excepción. Venían de una familia adinerada, claro que la revolución les quitó todo, y hoy en día son unos modestos tenderos.   Lo que debemos considerar ahora es lo que esta dañada fotografía representa para ellos en términos de imagen documental y cómo se relaciona con el arte. Se nos dice que si una foto es vieja, se convierte por su propia naturaleza en documento de una época pasada, y por lo tanto, la pátina de la vejez, es una manera de garantizar su naturaleza documental. El término “artístico” también se asocia con una imagen que muestra las huellas del tiempo, aunque no sea más que por una supuesta escasez. Algo que es muy apreciado en el mundo del arte.   Pero ¿Qué pensarían si les dijera que esta imagen no tiene nada que ver con lo que les acabo de contar y que la he creado con mis herramientas digitales?   La verdad detrás de la imagen es que al estar paseando por Pingyao (cuya historia sí es como la he contado) en una carroza impulsada por una bicicleta, iba tomando fotos por el camino. Con la ayuda de una cámara rápida que me permitía tomar fotos velozmente (por supuesto digitalmente), pude obtener dos imágenes consecutivas del mismo hombre. Después recorté una de las imágenes y la sobrepuse en la segunda imagen, creando el efecto de los gemelos.   Desde luego que el recorte tuvo que ser hecho con muchísimo cuidado para no perder el cabello y la transparencia de los anteojos respecto al fondo. Después añadí el marco de película, también digitalmente y utilicé un archivo que tomé de mi base de datos de alteraciones de película para agregarle la pátina. (ver aquí archivos originales)   Así que ahora deben preguntarse sobre lo que tienen frente a sus ojos. ¿Cuál es la diferencia entre una pintura que toma una foto como su fuente de origen y una foto que es la fuente de origen, pero parece una pintura, o una foto que parece ser artística sólo por la pátina del tiempo y una historia creíble pero que en realidad es ficticia, aunque tenga información esencialmente verdadera? Lo único no basado en los hechos es que los gemelos nunca existieron y que la fotografía no es antigua.   En la reciente película BORAT, el cruce entre realidad y ficción y la constante duda respecto a la veracidad de lo que parecemos haber presenciado, es parte de su encanto. A pesar de estas dudas, la película lleva a la mesa innumerables temas que es importante discutir respecto de cómo el público norteamericano se ve a sí mismo y al resto del mundo.   Espero hayamos llegado a una etapa en la que podamos realmente liberar a la fotografía y desatar todo su potencial creativo para poder hacer grandes ficciones documentales que nos hagan ver al mundo de nuevas maneras.     Pedro Meyer Enero 2007   Como siempre, por favor pongan sus comentarios en nuestros foros.         http://zonezero.com/editorial/enero07/enero07.html      

Domingo, 14 Enero 2007

368. 2006 año devastador para la industria de revelado fotográfico

  Darwin mencionó: "No es la especie mas fuete la que sobrevive, ni la mas inteligente, sino la que se adapta mejor al cambio".   En una semana devastadora para la industria de los laboratorios de revelado profesionales, vemos esta teoria de Darwin demostrada plenamente.   Ceta y Metro Imaging UK, ambos reconocidos laboratorios profesionales Londinenses cerraron sus operaciones el pasado 1º de Diciembre, siguiendo los pasos de sus competidores Keishi Colour, quienes cerraron en Marzo del 2006.   Aún cuando los laboratorios de revelado fotográfico son una especie en peligro de extinción; extinción a la que voluntariamente llegan por no haberse adaptado a tiempo a la revolución de la era digital que ya venía manifestándose desde años atrás; el director de Sky, Mike Sherry seguiriá atendiendo a los clientes que aún necesiten de sus servicios.   Sherry comenta que trató de encontrar algún posible comprador, para rescatar algo del negocio, pero como director y responsable de su gente, no quiso exponerlos a otro mes difícil, sabiendo como es diciembre. Proveer servicios analógicos cuando el costo no es redituable no fue fácil para su staff, particularmente las semanas anteriores al cierre de la empresa. Las ganancias eran cada vez menores y la competencia más dura.   De igual manera, Steve Kent, dueño de Ceta, decidió cerrar debido a que las condiciones del mercado en esta área son extremadamente difíciles, tanto así, que el mismo día que sus competidores cerraron, Metro Imaging también cerró sus oficinas en Chelsea debido a que ya no contribuía con las ganancias del grupo y ni siquiera cubría sus propios gastos, como lo mencionó Ben Richardson, director de Metro Imaging. Sin embargo Metro Imaging aún conserva sus oficinas de Clerkenwell y Soho donde aún estan disponibles sus servicios.       Solo algunos sobrevivirán al final, después de que se ha desplomado el volumen de película que se recibe para ser procesada, tan sólo se tiene un 15% de lo que era hace 3 años. El cierre de estos laboratorios era inevitable. Aún así, Richardon mencionó que mientras exista película fotográfica que procesar, ellos continuarán.   En cambio, otros laboratorios Londinenses realizan cambios en sus procesos, como TapestryMM, quienes ya no realizan revelado de película en blanco y negro. Shea Nelly menciona que esto es debido a que la cantidad de trabajo que reciben no es suficiente para pagar los químicos necesarios del proceso y a que el revelado en blanco y negro es un mercado en el cual solo quienes trabajan por su cuenta pueden sobrevivir.       “Después de que Londres disfrutó de la abundancia en cuanto a trabajo de laboratorio, no es sorpresa que, tanto el mercado como el trabajo para los laboratorios fotográficos haya cambiado rápidamente. Han tenido que cambiar para especializarse y convertirse en un nicho que los diferencie de otros laboratorios”, finaliza Niguel McNaught de Photo Marketing Association UK.   Iliana Ulloa iliana.ulloa@gmail.com Enero 2007       http://www.zonezero.com/magazine/articles/ulloa/indexsp.html    

Viernes, 12 Enero 2007

370. Un mundo en evolución

        Después de 3 meses de viajar por el mundo, me encuentro a bordo de un avión, en la última etapa del vuelo de Frankfurt a la Ciudad de México.   En este viaje he ido a muchas partes del mundo, he visto distintas culturas y un inmenso despliegue de visiones. He aprendido cuanto nos parecemos pero que diferentes somos de un país a otro. Sin embargo, la globalización es una realidad que no tiene vuelta de hoja, y es más, creo que se incrementará cada vez más, rápidamente sin importar los temores que se han expresado en todo el mundo. Se dice que nuestras realidades actuales cambiarán más en los próximos diez años que en los últimos cien. Leo esto en el Internet, sentado a bordo de un avión mientras le mando un e-mail a un amigo comentando este punto.       También me he acercado más a temas como la contaminación ambiental. Siempre pensé que la contaminación del aire en la Ciudad de México era muy grave hasta que llegué a China (a Pingyao para ser más preciso). La contaminación de México palidecía en comparación. Pero al respirar el aire de Finlandia, casi al final de mi viaje, me hizo percatarme de lo que realmente es el aire puro.   En Jinan, ciudad de cinco y medio millones de personas, el aire era una densa niebla que hacía de la respiración todo un reto. Curiosamente, una joven de unos veinte años, la estudiante universitaria que fue nuestra guía e intérprete y que hablaba muy buen inglés, no podía entender a lo que me refería cuando hablaba del tema de la contaminación.       Primero pensé que era una cuestión del idioma, que quizá ella no entendía el término "contaminación", hasta que caí en cuenta que ella, por no haber viajado nunca fuera de su ciudad, carecía de un referente para comparar el nivel altísimo de contaminación del aire que ha habido en esta ciudad en los últimos veinte años.     El respirar un aire distinto al que estaba acostumbrada no tenía sentido para ella, puesto que siempre había sido así.   A pesar de estas realidades, las autoridades chinas, están sembrando árboles y jardines como si el aire ya tuviera la pureza de Finlandia y la jardinería fuera el último grito de la moda, ya apuntando en la dirección de la solución para el problema del aire contaminado (las declaraciones oficiales dicen que será resuelto en la próxima década). Me puedo imaginar muy bien que esto sucederá antes que en México.       En todos los rincones del planeta que visitamos, encontramos evidencia de que la foto digital es la que domina actualmente. Realmente me pregunto a dónde fueron a parar todas aquellas cámaras de película. No vi más de diez de éstas en todo el viaje, pero sí vi a miles de turistas en todo el mundo con cámaras digitales.     En Finlandia, lugar en donde se encuentra el más grande fabricante de teléfonos celulares del mundo, NOKIA, descubrimos un hecho asombroso. Adivinen quién vendió más cámaras en sus teléfonos celulares el año pasado que todas las ventas combinadas de cámaras digitales normales y cámaras de película. Eso sí que es un cambio en el mundo. Durante los años 60, uno de los ramos del consorcio Nokia incluía a una importante fábrica de hule, y tuvieron la idea de hacer botas de colores muy brillantes, en una época en que todas las botas eran negras, recordándonos la frase de Henry Ford: “Pueden tener el color que quieran mientras sea negro”. Comenzaron haciendo botas, y terminaron como el fabricante de cámaras más grande del mundo.     En ese entonces Kodak era la compañía fotográfica más importante del mundo. Hoy en día, Kodak vale unos 7 mil millones de dólares. Apple, que era apenas un proyecto montado en un garaje en 1975, vale ahora 70 mil millones, diez veces más. Es un ejemplo de cómo las cosas pueden pasar sin que ni remotamente las podamos imaginar. La corporación Google, que apenas se fundó en 1996, vale ahora 152 mil millones de dólares. Veintidós veces más que lo que la Kodak vale en este momento (diciembre del 2006).     Durante el “Gran Salto Adelante” de Mao de 1958 a 1962, China perdió 30 millones de habitantes debido al hambre. Las cosas han cambiado desde entonces, y ahora es la fábrica del mundo, y por lo tanto una de las economías más grandes del planeta.   Extrañamente, todos estos cambios están ligados al surgimiento de las tecnologías digitales. Tanto las compañías cuya fortuna decayó, como la Kodak, como las que se han convertido en nuevos paradigmas, como Apple y Google, son buenos ejemplos de esto. Aquellos que creen que el crecimiento de China se basa sólo en la mano de obra barata, desconocen el importante papel de la tecnología digital en su éxito.   Tanto Hasselblad como Leica quedaron en la bancarrota y sus nuevas administraciones han comenzado a sustituir sus tradicionales modelos de película con cámaras digitales. Creo que el ciclo digital se ha completado en todo el mundo. Y, desde luego que sólo es el comienzo de esta profunda transformación, las emociones apenas empiezan.       Ya en el próximo año, los teléfonos celulares contarán con una cámara de 5 mega píxeles que toman foto y video, y la lista continúa. Mi “laptop” Apple toma foto y video, como si ello fuera lo más natural que uno pudiera esperar de una computadora. Por supuesto, podemos publicar instantáneamente en Internet, y aún más sorprendente —por lo menos para mí— es que esta publicación ya se podría encontrar con Google en segundos.   Para terminar, así como también termina el año, todos aquí en ZoneZero queremos agradecer su apoyo por mantener a este sitio como uno de sus preferidos para obtener información sobre fotografía en esta era de lo analógico a lo digital. Queremos recompensar su lealtad e interés con dos obsequios, totalmente gratuitos y sin otro compromiso más que el que sean de su entera satisfacción.   Pueden descargar el libro “De Fiesta” del fotógrafo mexicano Raúl Ortega completo en formato PDF. Este es un libro único sobre las celebraciones tradicionales en Chiapas, con introducción escrita por Elena Poniatowska (versión bilingüe en español e inglés) y 80 páginas de fotografías y texto. El otro obsequio que les tenemos es la hermosa revista "FOTOPHILE", número 51 publicada por Orville Robertson de Long Island en Nueva York. Tiene 52 páginas en formato PDF. Esta solamente en inglés… lo sentimos, pero es muy rica en contenido e imágenes, si no la conocen todavía, les aseguramos que les encantará. Para descargar sus obsequios haga click. Válido hasta el 10 de Enero 2007. "de fiesta" por Raúl Ortega descargar versión pdf   "FOTOPHILE" by Orville Robertson descargar versión pdf A nombre propio y de todos los que trabajamos en ZoneZero me permito desearles lo mejor para continuar esta sociedad en la que exploraremos todas las maravillosas oportunidades que el futuro depara a todos los interesados en la fotografía.       Pedro Meyer Diciembre 2006   Como siempre, por favor pongan sus comentarios en nuestros foros.           http://zonezero.com/editorial/diciembre06/diciembre06.html      

Miércoles, 20 Diciembre 2006

372. Feliz Año Nuevo 2006

  Nos despedimos de un año más. Entre más concientes nos volvemos de tantas realidades que existen de manera simultánea, el tiempo parece acelerarse más y más. La tecnología es en gran parte responsable de estos cambios en nuestra percepción y nosotros en el estudio ZoneZero pensamos que esto justamente es motivo para celebrar. Por eso mismo, queremos hacer un evento fotográfico de esta celebración. ¡Acompáñanos en este evento mundial y brindemos por un maravilloso 2006 para todos ustedes!   Ver exhibición    

Viernes, 01 Diciembre 2006

374. Bradley Roland Will (1970-2006)

      Lamentable fallecimiento del colega norteamericano Brad Will, muerto el día 27 de Octubre del 2006, en Oaxaca, México, cuando trabajaba como periodista para la red global Indymedia.   Fue baleado en el torso cuando documentaba un ataque paramilitar armado a la Asamblea Popular de los Pueblos de Oaxaca, una fusión de profesores huelguistas y otras organizaciones comunitarias exigiendo democracia en México.   Nos solidarizamos con los familiares y amigos de todas las personas que hasta hoy han perdido la vida, resultado heridos o afectados en estos incidentes.   Descanse en Paz Brad Will         http://zonezero.com/magazine/obituaries/bradwill/indexsp.html    

Viernes, 27 Octubre 2006