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226. Retratos
Autor:Zonezero
"Retratos" por Pedro Meyer Erase un Rostro a un Cuerpo Pegado Curaduría de Pablo Ortiz Monasterio Dur: 4:19 min "Retratos" Ahora diponible en iPod video
Miércoles, 13 Enero 2010
Autor:Zonezero
"Cuba Imaginada" por Pedro Meyer Notas al Margen de la Fotografía Cubana Curaduría por Juan Antonio Molina Dur: 4:48 min "Cuba Imaginada" ahora disponible apra versión Ipod
Miércoles, 13 Enero 2010
228. Religión
Autor:Zonezero
"Religión" por Pedro Meyer Momentos Culminantes de la Existencia Curaduría de Elizabeth Ferrer Dur: 4 min "Religión" Ahora diponible en iPod video
Miércoles, 13 Enero 2010
Autor:Zonezero
"Fotografío para Recordar" por Pedro Meyer El Arte del Relato Curaduría de Jonathan Green Dur: 33min. "Fotografío para Recordar" Ahora diponible en iPod video
Miércoles, 13 Enero 2010
Autor:Hans Durrer
    "Esta animada e idiosincrásica colección de escritos de los diversos pensamientos sobre la fotografía, darán aliento y comprensión a todos aquellos que se ocupan en los medios basados en la lente en el siglo 21. Desde los maestros de principios del siglo 20 hasta los post modernos y después a los incisivos visionarios de hoy en día, este estimulante libro transportará al lector a través del variado paisaje de la fotografía, expresando con elocuencia lo que significa ser un fotógrafo” se lee en la cotraportada, y es verdad —en esencia—, salvo el hecho de que no todos los autores se expresan con tanta claridad y elocuencia como, digamos, John Szarkovsky o Berenice Abbott. Es más, me pregunto ¿qué es lo que hace que alguien se convierta en un “incisivo visionario”? En fin, son detalles que podemos pasar por alto, pues definitivamente vale la pena invertir tiempo en este tomo en el que el lector encontrará muchos estimulantes pensamientos:   Por ejemplo: En una carta abierta, fechada en 1928, Alexander Rodchenko responde al escepticismo del crítico y teórico Boris Kushner al respecto del valor de la fotografía experimental, declarando que “para acostumbrar a la gente a ver desde nuevos puntos de vista, es esencial tomar fotografías de sujetos cotidianos y familiares desde puntos estratégicos completamente inesperados y en posiciones igualmente inesperadas. Los nuevos sujetos también deben ser fotografiados desde varios ángulos como para presentar una impresión completa de ellos.” Uno se ve tentado a preguntar ¿acaso no resulta obvio?, sin embargo, ciertamente no lo era en el tiempo en el que Rodchenko escribió esta carta y con demasiada frecuencia, tampoco resulta obvio en la actualidad. Rodchenko entra en detalles: “si uno se fija en la historia del arte o la historia de la pintura de todos los países, notará que todas las pinturas, con muy pocas excepciones, han sido elaboradas ya sea a nivel del ombligo o a nivel del ojo.”   También encontramos “Fotografía en las encrucijadas”, un artículo de revista de 1951, escrito por Berenice Abbott, en el que argumenta que la fotografía está ocupada, entre otras cosas, “del realismo —de la vida real—, del ahora.” Muy bien, completamente de acuerdo: la esencia de la fotografía es el estar presente. Permítanme ofrecerles dos citas de este artículo que he encontrado particularmente inspiradoras:   “Muchos fotógrafos pasan demasiado tiempo en el cuarto oscuro y esto trae como consecuencia que el trabajo creativo con la cámara resulta seriamente afectado”.   “Empecemos por decir lo que la fotografía no es. Una foto no es una pintura, ni un poema, ni una sinfonía, ni una danza. No es sólo una imagen linda, tampoco un ejercicio de técnicas de contorsionista y una calidad inmaculada de impresión. Es o debería ser un documento significativo, una declaración punzante que puede ser descrita con una sencilla palabra: selectividad.   Para definir la selección uno puede decir que debería estar enfocada en la clase de tema que golpea fuerte con su impacto y emociona la imaginación al grado de que uno está forzado a tomarla. Las imágenes se desperdician a menos que el poder motivador que lo obligó a uno a actuar sea fuerte e incitante. Los motivos o los puntos de vista sin duda alguna cambian en cada fotógrafo y he aquí donde yace la importante diferencia que distingue un planteamiento de otro. La selección de un contenido fotográfico apropiado viene de la fina unión de un ojo entrenado y una mente con imaginación.”   En el ensayo “Sin título” de Cartier-Bresson, me encontré con lo siguiente: “Fotografiar implica el reconocimiento de un ritmo en el mundo de las cosas reales.” Entiendo que esto significa que para ser un buen fotógrafo uno debe de entender que el mundo real está en constante flujo. Y también debe descubrir los movimientos (el ritmo — ¡muy bien dicho!) de este flujo. ¡Muy cierto!   También tenemos esta brillante declaración de Susan Meiselas: “Mucha gente compra cámaras y película, y mucha gente compra libros de foto de cierto tipo. El ejemplo obvio es la serie de libros “Un día en la vida de”. Ahora bien, ¿cuál es el problema? ¿Por qué la gente no se interesa en lo que los documentalistas encontramos apasionante? ¿Por qué estamos en un ghetto tan pequeño?” Buena pregunta, ¿no es cierto? En realidad, me gusta su respuesta aun más: “Debemos encontrar maneras de llevar a la gente a un lugar a donde no espera ir.”   Lo que hace a este libro especial y recomendable es que mira a la fotografía desde una variedad de perspectivas — desde las reflexiones de los fotógrafos hasta cómo éstos son vistos por los críticos y los profesores; desde pensamientos de algunos escritores acerca de la captura de fotografías (aunque esta sección es un poco pobre, con un largo texto de Wendell Berry y dos más cortos de Cynthia Ozick y Dave Eggers), hasta entrevistas con aquellos que hacen posible que las fotografías encuentren un público (directores de arte, curadores, galeristas, editores visuales, etc).   Disfruté especialmente la entrevista con Robert Pledge, presidente y co-fundador de Contact Press Images (“Cuando conocí a Salgado, en 1974, él tenía 29 años y apenas comenzaba en la fotografía. Él tenía una idea de cómo era el negocio. Recibió algunos golpes tempranos, pero en verdad sabía hacia donde quería ir. Cuando nos conocimos fuimos a un café y me platicó qué era lo que deseaba hacer, y salí de ahí con la impresión de que ese hombre se convertiría en un gigante. Pero además tenía mucha preparación, lo cual es esencial en su obra. Estudió economía y geografía, así que estaba consciente de muchas cosas. Cuando uno echa un vistazo a lo que ha hecho, se da cuenta de que él sabía hacia dónde se dirigía.”). También me impresionó la forma en que Elisabeth Biondi, editora visual de The New Yorker, resumió lo que yo llamaría una ‘atenta aproximación a la toma de fotografías’ (que no es exactamente la regla, debo decir): “Pienso en nuestras fotos como fotografías ‘inteligentes’, esto es, comienzan con un fotógrafo inteligente que piensa qué información, tanto concreta como implícita, debe de ser incorporada a la imagen. Una vez que esto es establecido, es el talento y la estética del fotógrafo lo que determina la calidad de la imagen resultante. En este proceso, por supuesto, necesitamos la cooperación y buena voluntad de los sujetos, ya que el plan mejor pensado puede fracasar si no contamos con ellas.”) También tenemos a Charlotte Cotton, directora de programación cultural en Art + Commerce, quien subraya la importancia de mirar: “Fue un momento fundamental para mi — cambié de ser alguien que venía a la fotografía desde un punto de vista académico, donde a menudo las fotografías sirven para ilustrar argumentos, en lugar de ser objetos en el centro del pensamiento. Aprendí a mirar. No tomo fotografías. No compro fotografías. No acepto fotografías como regalo.”   “La fotografía es nada — lo que me interesa es la vida”, dijo Cartier-Bresson alguna vez. Y aunque comparto esta visión, me gustaría complementarla con esta otra de Dorothea Lange: “La cámara es un instrumento que le enseña a la gente cómo ver sin cámara.”       http://www.zonezero.com/magazine/dcorner/traub/indexsp.php    
Jueves, 29 Octubre 2009
Autor:Zonezero
"Autorretratos" por Pedro Meyer Los Autorretratos de Pedro Meyer Curaduría de Vesta Mónica Herrerías Dur: 4:21 min. "Selfportraits" is now available for iPod video
Lunes, 28 Septiembre 2009
Autor:ZoneZero
  ZoneZero desea unirse a la celebración de la fotografía bangladesí en este hito que marca los 20 años de la Drik Picture Agency y 11 del Pathshala, el Instituto de Fotografía del Sur de Asia. Queremos reconocer en especial la extraordinaria labor que Shahidul Alam ha realizado, no sólo en la organización, en la enseñanza y en conseguir darle visibilidad a los fotógrafos en Bangladesh, sino por hacerlo de manera tan exitosa.   Sabemos que lograr tan suprema tarea es el resultado de la cooperación. También queremos felicitar a los colegas y al equipo de Shahidul en Drik y Pathshala por su visión y compromiso.   Asimismo le agradecemos a Andy Levin y a 100Eyes por compartirnos esta magnífica selección de obras realizadas por fotógrafos bangladesís que retratan a su propia tierra y a su gente.   Nuestros mejores deseos en este aniversario de logros y éxitos, de todos los que hacemos zonezero.com   Visita el artículo completo  
Domingo, 20 Septiembre 2009
Autor:Ulises Castellanos
            Christian Poveda, fotógrafo nacido en Argelia dedicó su trabajo a retratar los conflictos en casi toda Iberoamérica. En los ochenta su lente se centró en el devenir de El Salvador, país que amó y que le arrebató el alma.               La comunidad internacional ha sido conmovida por el reciente asesinato del fotodocumentalista franco-español Christian Poveda. ¿Quiénes lo mataron y por qué? Al parecer se trata de al menos cuatro de los protagonistas de su último documental, La vida loca, historias de los Maras y pandillas de El Salvador. Habrá que esperar el curso de las investigaciones, mientras su cuerpo es repatriado a España.   Pero, ¿quién era Poveda? Aquí trataremos de hacer un retrato hablado de este singular periodista. Siempre resulta difícil ser objetivo cuando un colega muere, y en particular cuando es asesinado en uno de los mejores momentos de su vida, cuando estaba a punto de estrenar en París y en México su más reciente trabajo.   Christian Poveda estuvo en México justo 72 horas antes de ser asesinado por desconocidos en una tierra que tanto amaba, El Salvador. Había venido a México hace unos días para impartir un taller de una semana en el marco del tercer encuentro de fotografía, organizado por Mauricio Palos y realizado en San Luis Potosí. Ése fue su primer y último curso impartido a un grupo de profesionales, entre los que se encontraba un miembro de la plantilla de Excélsior, Abdel Meza, entusiasta fotorreportero que compartió con él sus últimos días.   Abdel me cuenta que, en aquel taller, Christian insistía en transmitir la idea de cómo debíamos involucrarnos con nuestro trabajo, y ser siempre honestos con los personajes que serían objeto de nuestras obsesiones. Y él lo practicaba a fondo. Presentó su documental íntegro a los talleristas.   Christian llegó a El Salvador con las cámaras y lentes Nikon que le había comprado a Sebastián Salgado (una edición especial para aquél fotógrafo brasileño), según me contó hace años él mismo en Perpignan, en el festival de fotoperiodismo. Poveda pasó más de tres años en El Salvador y cerca de dos trabajando con los Maras y la 18, bandas rivales que se mataban a diario. Él se propuso documentar su lado humano y la vida cotidiana, incluyendo cumpleaños, amoríos, visitas médicas y arrestos. A lo largo de su convivencia varios murieron y documentó incluso sus funerales y el dolor de la comunidad cada vez que perdían a un miembro.         Esa dedicación lo llevó, según contaba, a convertirse casi en una figura paternal de las pandillas; chicos en su mayoría huérfanos o abandonados por sus padres, encontraron en él un personaje generoso y de cierta autoridad. Christian los visitaba a diario, incluso, a veces, sin la intención de grabar, sólo pasaba a verlos para saber cómo estaban y así logró una intimidad única. Acá en San Luis, contaba que el Bambam, uno de los Maras, le habló por teléfono para pedirle unos tenis a su regreso a San Salvador.   Poveda fue uno de los fundadores y curador de ES Photo, un programa de exposiciones colectivas de fotografía salvadoreña anuales, cuya quinta edición estaba prevista para iniciar este fin de semana.   Los padres de Christian Poveda eran republicanos y fueron exiliados de la Guerra Civil Española.   Él nació en Argelia durante la ocupación francesa, para refugiarse en París seis años más tarde, tras el final de la ocupación. Saltó a la fama con un reportaje sobre el Frente Polisario, en el Sahara Occidental. También trabajó la invasión de Granada por Estados Unidos y hechos históricos en Argentina, Chile o El Salvador durante la guerra civil hace más de 20 años.   Comenzó su trayectoria como cineasta en 1977, tratando conflictos así como costumbres y hechos felices en países africanos y en casi toda Iberoamérica. Durante los ochenta, Poveda formó parte de los contingentes de corresponsales de guerra que cubrieron las noticias y documentaron los combates entre las fuerzas del Frente Farabundo Martí de Liberación Nacional (FMLN) y el ejército salvadoreño (FAES).   Después de la firma de los Acuerdos de Paz en México el 16 de enero de 1992, Poveda se interesó en los complejos problemas de la posguerra y decidió investigar el fenómeno concerniente a los violentos grupos de antisociales autodenominados “las maras”. Sus últimos tres años de vida los pasó en El Salvador filmando un documental, La Vida Loca. Durante 18 meses documentó la cotidianeidad de las bandas criminales de pandilleros, en especial sobre los integrantes de la banda La Mara 18.   El documental es un registro fiel y comprometido sobre el fenómeno de las pandillas, fue presentando en el Festival de Cine de San Sebastián, en septiembre de 2008, y en encuentros como el de Morelia, La Habana, San Luis Potosí y Helsinki.   El 2 de septiembre de 2009 murió a tiros en la localidad salvadoreña de Tonacatepeque, a unos 16 kilómetros al norte de la capital, donde había estado trabajando en su filme.   Aquí vale la pena señalar que, cuando logró la edición final y los respectivos patrocinios, entre los que se destaca el apoyo del Canal 22, en México, decidió hacer la premier en una universidad salvadoreña a la que acudieron al menos una docena de pandilleros que aparecían en el documental. Cuentan que al acabar la proyección los integrantes de la mara se marcharon en silencio y con la rabia documentada de sus propias vidas. A los pocos días, a raíz de lo que habían visto en esa pantalla, arremetieron contra sus enemigos de siempre. Se desató otra pequeña guerra mientras Poveda estaba en México.   El Salvador tiene 5.5 millones de habitantes. Es una nación con más de diez muertos al día por disputas entre pandillas, que dejan un saldo de cerca de 300 difuntos al mes; no debe sorprendernos el arraigo de esa cultura violenta que lo resuelve con la muerte del otro.           Una línea de investigación tiene que ver con que, según declaraciones de Édgar Romero, fotoperiodista y coorganizador junto a Poveda del IV Festival de Fotografía ES Photo, que La Vida Loca sólo tardó tres días en llegar a los puestos de DVD pirata, y se vendía a un dólar por copia, pero la pandilla que protagonizó la película añadió un impuesto de tres dólares, e hicieron correr el rumor de que Poveda se estaba beneficiando económicamente. Entonces, a su regreso de México, fue a verles para negarlo y a defender también lo suyo, porque era muy cuidadoso con los derechos de autor, indica el periodista.   En esto coincide una publicación del periódico español El País, que, citando fuentes salvadoreñas, deja entrever que el documentalista había tenido diferencias e incluso enfrentado amenazas de pandilleros, debido a la distribución –ilegal– del material audiovisual en las calles capitalinas. Según el rotativo, Poveda intentó arreglar tales diferencias.   Nunca sabremos los motivos de nadie para arrancarle la vida a Poveda con cuatro balazos, tres de ellos en el rostro.   En la colonia La Campanera, en Soyapango, La vida loca, filmada con cámara al hombro, recoge la vida diaria de miembros de una de las principales agrupaciones pandilleras de El Salvador, La Mara 18, que se caracteriza por tener su propio lenguaje, tatuajes, códigos y elevados niveles de agresividad, violencia y criminalidad.   Esta agrupación y la Mara Salvatrucha, iguales una y otra en crueldad, impulsadas por la negación de todo y la muerte, viven una guerra sin piedad. Algunos de estos jóvenes fueron asesinados en el transcurso de la grabación, como muestra el documental.   En América Central les llaman maras y son una copia del modelo de las pandillas de Los Ángeles, creadas por los salvadoreños que emigraron durante la guerra civil, a principios de los años ochenta. Allí surgieron la Mara Salvatrucha y la Mara 18, las dos principales agrupaciones de vándalos que se enfrentan hoy día y entre las que no existe diferencia ideológica o religiosa que pueda explicar esta lucha a muerte, enfrenta a pobres contra pobres.   Así describe Edu Ponces, periodista salvadoreño, la realidad de su país: "El Salvador es el ejemplo para el mundo de todo lo que no hay que hacer en el tema de la violencia".   Hace un par de años, Christian Poveda denunció el plagio que, según él, Isabel Muñoz (fotógrafa española) había cometido en su contra, por copiarle el tema, el estilo y el enfoque con el que había comenzado su trabajo en El Salvador. Hasta la fecha, esa disputa se mantenía en el ambiente sin que se resolviera en ningún sentido.   Al cierre de esta edición cinco personas habían sido acusadas, en El Salvador, en el curso de la investigación por el asesinato del fotoperiodista y realizador franco-español Christian Poveda, según medios locales, los sospechosos son un policía, Juan Napoleón Espinoza, y cuatro supuestos miembros de La Mara 18, José Alejandro Melara, El Puma; Luis Romero Vázquez, El Tiger; Calixto Rigoberto Escobar, El Toro, y Nelson Lazo Rivera, El Molleja, el grupo de pandilleros retratado por Poveda en su documental La vida loca.   Vaya pues un sentido pésame a su familia y a la comunidad de fotoperiodistas profesionales que hoy se duelen con su muerte.     Ulises Castellanos         Links de interés en Zone Zero: La Vida Loca (Homenaje Póstumo) In Memoriam         http://www.zonezero.com/magazine/articles/castellanos/indexsp.php    
Domingo, 13 Septiembre 2009
Autor:Nick Fraser
  Documentalista y fotoreportero inperturbable ante el peligro y la adversidad.     Christian Poveda, asesinado a tiros en El Salvador la semana pasada a la edad de 52 años, fue uno de los fotorreporteros más talentosos de su generación. También fue un valiente documentalista, especializado en temas políticamente controversiales y peligrosos que otros no tocarían.   Christian nació en Argel. Sus abuelos, uno de ellos anarquista, el otro comunista, fueron exiliados de la España de Franco, y Christian decía a menudo cuánto los admiraba por su compromiso político. Después de la independencia de Argelia, la familia se mudó de nuevo, esta vez a Francia. Sin entrenamiento formal y un ojo muy desarrollado, Christian empezó a vender fotos cuando tenía 19 años, y a lo largo del siguiente decenio cubrió guerras por todo el mundo, especializándose en América Latina. Su oportunidad llegó cuando cubrió la guerra civil en El Salvador, país que llegó a amar.  
Domingo, 06 Septiembre 2009 | Leer más
Autor:The Black Snapper
  The Black Snapper, una revista en línea para los fotógrafos con talento de todo el mundo, dedica una semana a talentosos jóvenes fotógrafos de Brasil, seleccionados por Joana Mazza, coordinadora de exposiciones del festival foto FotoRio.   Los artistas destacados son: Gustavo Malheiros, Gabriel Jaruegui y Micaela Vermelho, Guy Veloso, Anna Kahn, Thiago Barros, Luiza Burlamaqui y André Arruda.   The Black Snapper apoya las exposiciones FotoRio de estos fotógrafos emergentes al exhibirlas en línea a los espectadores de más de 120 países de todo el mundo.   La semana de la fotografía brasileña comienza el 11 de septiembre, a las 13:00 (hora holandesa). No te lo pierdas!   El sitio web de la revista presenta un nuevo artista todos los días, en una presentación de diapositivas compuesta de 8 a 20 imágenes. Selecciones semanales son realizadas por curadores invitados.   Una comunidad mundial de profesionales de la fotografía y los expertos apoyan el proyecto. Página Web: www.theblacksnapper.com     Sobre Black Snapper   The Black Snapper es un escaparate para los talentos emergentes de todo el mundo. Nuestra filosofía es utilizar el dinamismo del Internet para facilitar la presentación y espero que el descubrimiento de los fotógrafos de talento. La diversidad de los curadores invitados hace el proceso de selección más objetivo, no habrá una sola persona cuyos gustos y preferencias individuales dominan el contenido.   Los editores discuten su motivación detrás de su selección. La presentación de cada fotógrafo, incluye una introducción y subtítulos para todas las fotos pertinentes. Cada fotógrafo puede publicar enlaces a su propio sitio web y / o el organismo pertinente o galería, si procede. El texto y las observaciones proporcionarán un contexto y una visión más profunda de la presentación.   Presentar a un fotógrafo cada día y contextualizar su obra, impone a nuestro proyecto, aparte de muchos otros, es una característica única y una, a nuestro juicio, que es muy atractiva para los visitantes y fotógrafos.   Uno de los objetivos principales de este proyecto es apoyar la emancipación y la promoción de la fotografía en África, Asia y América del Sur.   El sitio web se actualiza diariamente a las 00:00 de la fecha límite internacional y tiene una sección de archivo. Esto permite a los espectadores que están más interesados en un enfoque más profundo para navegar a través de los números anteriores que mantienen completas las selecciones de los curadores.   Nuestra misión y los antecedentes   The Black Snapper es un proyecto creado por el diseñador Frank Kloos y el fotógrafo documental Diederik Meijer, con sede en Amsterdam, Países Bajos. The Black Snapper tiene como objetivo crear una comunidad en línea que inspire a los profesionales de la fotografía y entusiastas de la fotografía en todo el mundo. The Black Snapper está completamente armado por nuestra pasión por la fotografía. Queremos que The Black Snapper encuentre su propio lugar como un medio que es fundamental en el desarrollo de la fotografía contemporánea.   The Black Snapper es apoyado por una comunidad cada vez mayor, entre los cuales se encuentran:   • Abbas (Magnum Photos) • Aleksandr Glyadyelov, Ukraine • Aperture Foundation, USA • Bamako Encounters, African Photography Biennial, Mali • Candlestar, UK (curator for Iran) • Canvas International Art, The Netherlands • Centro de la Imagen, Peru • Centro de la Imagen, Mexico • Chobimela International Photo Festival, Bangladesh • Jorg Colberg, USA • Dutch Fund for Visual Arts, The Netherlands • Eye Curious, France (2nd curator for Japan) • FotoRio, Brazil • Kiyosato Museum of Photographic Arts, Japan • LatinStock, Argentina • Mannheim Ludwigshaven Heidelberg Photo Festival, Germany • Gilles Mora, independant curator, Spain • Moscow House of Photography, Russian Federation • NRC Next newspaper, The Netherlands • Photo Museum Province Antwerpen, Belgium • Photoworks, UK • Sittcom, stage for Central European Photography, Slovakia • Stills Gallery, Australia • Taiwan International Visual Arts Center, Taiwan • The Guardian Weekend magazine, UK • Photoworks, UK • The Museum of Photography Seoul, Korea • The New York Times Magazine, USA • Three Shadows Photography Art Center, China • Hercules Papaiaonnou, curator of the Thessaloniki Museum of Photography, Greece • Vrij Nederland magazine, The Netherlands       Amsterdam a 6 de septiembre de 2009         http://zonezero.com/magazine/articles/blacksnapper/indexsp.php    
Domingo, 06 Septiembre 2009
236. Premios
Autor:Ehekatl
 
Miércoles, 02 Septiembre 2009
Autor:Ehekatl
  Fundador Director Pedro Meyer pedro@zonezero.com Pedro Meyer es uno de los pioneros y más reconocidos representantes de la fotografía contemporánea. Fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía y organizador de los primeros tres Coloquios Latinoamericanos de Fotografía. Además de su trabajo fotográfico, Pedro Meyer ha sido maestro en diversas instituciones educativas de reconocido prestigio, aparte de curador, editor, fundador y director del destacado sitio de fotografía ZoneZero. En 1987 recibió la prestigiosa beca Guggenheim y en 1985 el premio Internazionale di Cultura Citta di Anghiari. En 1993 se hizo acreedor al National Endowment for the Arts en colaboración con Jonathan Green y el California Museum of Photography en Riverside. También ha recibido numerosos premios en la Bienal Mexicana de Fotografía así como la primera beca por parte de la Fundación Rockefeller para un proyecto en Internet. En 1991 publicó el primer CD ROM del mundo que combinaba imágenes y sonido, titulado “Fotografío para recordar”. Es autor de los libros “Tiempos de América”, “Espejo de Espinas” y “Los Cohetes duraron todo el día”. Su libro “Verdades y ficciones: un viaje de la fotografía documental a la digital” editado por Aperture, más tarde fue publicado en CD ROM por Voyager en 1995. “The Real and the True” publicado por Peach Pitt Press salió en 2005 y su último libro “Herejías” fue publicado por la editorial House Lunwerg como parte de una retrospectiva que incluyó más de 60 museos con exposiciones simultáneasas a nivel mundial durante octubre del 2008. Para más información visita:pedromeyer.com Coordinator tecnológico Miembro del consejo editorial de ZoneZero Alejandro Malo alejandro@zonezero.com Nacido en la Ciudad de México (1972), cursó estudios de Ingeniería Electromecánica y Ciencias de la Comunicación en la UNAM. Ha participado en la proyección y dirección de diversos proyectos culturales y editoriales desde 1993, y ha sido colaborador de diversas publicaciones, tanto impresas como electrónicas, destacándose entre estas últimas la ahora desaparecida 'Park & Read', editada en la Universidad de Dusseldorf y la cual fuera la primera revista literaria multilingue en línea. Desde 1997 se ha desarrollado profesionalmente como consultor en tecnologías de la información, con especial énfasis en proyectos culturales, entre los que cabe destacar la Fundación para las Letras Mexicanas, Internacional de Cultura y 17, Instituto de Estudios Críticos. Durante 2009 se integra al equipo de la Fundación Pedro Meyer, primero como asesor en el mes de julio y posteriormente como webmaster de ZoneZero a partir de noviembre del 2009. Diseño multimedia Programación Ehekatl Hernández ehekatl@zonezero.com Ehekatl Hernández tiene una licenciatura en diseño gráfico por la Escuela Nacional de Artes plásticas (UNAM - MEX) y maestría en Aplicaciones Multimedia por la Universidad Poltécnica de Catalunya (ESPAÑA). Cuenta con más de 15 años de experiencia en diseño gráfico, así como en planeación, desarrollo e implementación de proyectos web y multimedia. Ha sido Profesor de diplomados en Diseño web por la UNAM. Actualmente es consultor para diversas empresas y dirige los proyectos Design-lab y Radio-b.org. Desde hace 8 años colabora en el área de Diseño, Multimedia y Programación web de Zonezero.com y Fundación Pedro Meyer.   Directora de arte Webmaster Elisa Rugo webmaster@zonezero.com Elisa es Licenciada en Comunicación Visual, con especialización en Visualización Creativa por la Universidad de la Comunicación. Realizó estudios formales en Fotografía y Comunicación Publicitaria, así como la participación y asistencia a diversos Talleres y Diplomados de Pintura, Historia del Arte y Fotografía Publicitaria. Desde 2005 colabora en ZoneZero. Colaboró así mismo en el proyecto "Pedro Meyer, Herejías" en diversas tareas de organización, comunicación y diseño. Ha participado además en diversos proyectos creativos como diseñadora freelance en web, arte de discos y fotografía. Participó en el Taller Fotografía e identidad en comunidades indígenas de la Sierra Norte de Puebla, donde colaboró en la elaboración de contenidos, impartición del taller y edición del libro memoria con los resultados del mismo. Formó parte de la generacuón 2012 del Seminarioo de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen.
Miércoles, 02 Septiembre 2009
Autor:Ehekatl
  Bienvenido   ZoneZero® es un sitio dedicado a la creación de imágenes y a la fotografía. Fundada por Pedro Meyer en 1995, ha sido a la vez testigo y participante activo de la revolución digital en curso. ZoneZero® apareció en línea por primera vez cuando el Internet se hizo accesible al público, convirtiéndose en el sitio web de mayor antigüedad dedicado a la fotografía que sigue funcionando y creciendo actualmente. Reconocemos con orgullo que ZoneZero® facilitó el camino para que se entendiera a la computadora como un medio válido para ver fotografías. A partir del 2010, ZoneZero® dejó de ser un proyecto independiente y pasó a ser el sello editorial de la Fundación Pedro Meyer. A lo largo de estos últimos años hemos comenzado una nueva revista impresa, titulada "Siberia", que estará disponible al público en el 2013; una colección de libros electrónicos, que incluyen monografías de autor y textos teóricos y críticos; y otra colección de libros impresos que ya presentaremos más adelante. Todo esto, manteniendo la continuidad en nuestro portal www.zonezero.com, cuyo archivo sigue creciendo y enriqueciéndose constantemente. El proyecto se nombra a partir de una metáfora sobre la transformación que sufrió la fotografía de análoga a digital. ZoneZero® hace referencia al Sistema de Zonas de Ansel Adams como punto de partida en la tradición análoga y a los unos y ceros que se han convertido en el DNA básico para todo lo digital. Las palabras del poeta francés Louis Aragon, en su prefacio a la Mitología Moderna, explican bien el nombre ZoneZero®: “La luz es significativa solo en relación con la oscuridad, y la verdad presupone error. Son estos opuestos mezclados los que pueblan nuestra vida, los que la hacen acre, intoxicante. Existimos sólo en términos de conflicto, en la zona donde el blanco y el negro chocan”. Creemos en dos premisas fundamentales: 1. La creación de imágenes seguirá siendo -cada vez más- una actividad central de nuestras expresiones creativas y culturales. 2. La tecnología digital también seguirá su increíblemente rápida transformación, proveyéndonos con nuevas y supuestamente mejores herramientas para expresar y compartir nuestras ideas. El objetivo de ZoneZero® es ofrecer una plataforma para la fotografía inteligente, aquella que ofrece una visión sensata e informada acerca de lo que está sucediendo en nuestro mundo y que entiende la relevancia de la tecnología en el proceso creativo. También pretendemos ofrecer las herramientas necesarias para el diálogo y el intercambio de ideas con respecto a estos temas. ZoneZero® es un espacio fértil para una comunidad internacional interesada en ver, pensar, crear, compartir y discutir imágenes.  
Miércoles, 02 Septiembre 2009
Autor:Ehekatl
Aquí va la Linea de tiempo de Zonezero durante los últimos 12 años
Miércoles, 02 Septiembre 2009
Autor:Pedro Meyer
    Estoy aquí sentado frente a la pantalla de mi computadora pensando en el editorial de este mes. Pienso en un tema, y lo descarto, pienso en otro, y también lo descarto, y así se me van las horas pasando de un tema a otro, y sin poder concretar uno solo. Me tengo que preguntar qué está ocurriendo.  
Domingo, 09 Agosto 2009 | Leer más
Autor:Open Society Source
  Convocatoria: Moving Walls 17 (Paredes en Movimiento 17) Fecha Límite: Viernes, 23 de octubre del 2009.   El Open Society Institute invita a fotógrafos a presentar una propuesta y un cuerpo de trabajo completo para que se considere en la exhibición grupal Moving Walls 17 (Paredes en Movimiento 17). Desde su inicio en 1998, la serie de exhibiciones Moving Walls (Paredes en Movimiento) presenta a casi 100 fotógrafos cuyo trabajo trata una variedad de cuestiones relacionadas con la justicia social y derechos humanos que coinciden con la misión del OSI.   Favor de notar que el programa de la exhibición para este año incluirá también una nueva Beca de Viaje para un Fotógrafo Emergente con el fin de dar apoyo al avance profesional de la selección de fotógrafos de Paredes en Movimiento que no han estado muy expuestos.       Convocatoria: The Aftermath Project (El Proyecto Secuelas) Fecha Límite: Lunes, 2 de noviembre del 2009.   The Aftermath Project (El Proyecto Secuelas), con beca del Proyecto de Fotografía Documental, busca propuestas para una competencia de una beca anual abierta a fotógrafos de todo el mundo que cubran las secuelas del conflicto.       Reserve Fecha: Recepción por la inauguración de Moving Walls 16 (Paredes en Movimiento 16) Ubicación: OSI-New York Fecha y Lugar: 29 de septiembre del 2009, 6:00 - 8:30 p.m. RSVP este evento   El Proyecto de Fotografía Documental del Open Society Institute organizará una recepción para la inauguración de Moving Walls 16 (Paredes en Movimiento 16), en donde se presenta trabajo de Stefano De Luigi, Benjamin Lowy, Eugene Richards, Tomas van Houtryve, Paolo Woods, y Zalmaïï.         Open Society Institute Verano 2009         http://zonezero.com/magazine/articles/osi/indexsp.php    
Sábado, 08 Agosto 2009
Autor:Atarde on Line
  Fallece el fotógrafo Mario Cravo Neto   El cuerpo del fotógrafo nacido en Bahía, Mario Cravo Neto fue incinerado en la mañana del lunes 10 de Agosto del 2009, en el Cementerio Jardín de Saudade, en el barrio de Brotas. La ceremonia estuvo llena de amigos, familiares y artistas visuales que asistieron a darle el último adiós al renombrado artista.   Emocionada, la familia no quiere hablar con la prensa acerca de la muerte del fotógrafo, que murió en la tarde del domingo 9 de Agosto a las 17 horas, de cáncer de piel a los 62 años. Fue hospitalizado aproximadamente dos semanas antes en el Hospital de la Alianza después de que se ageravó su enfermedad.   Hijo del escultor Mario Cravo Junior, Mario Cravo Neto nació en Salvador el 20 de abril de 1947. Su carrera como fotógrafo comenzó incluso antes, cuando tenía 17 años. Además del reconocimiento en Brasil por la importancia de su trabajo, el fotógrafo participó en exposiciones en diversos países de todo el mundo.   En 1980 y 1995 Cravo Neto, recibió el premio al Mejor Fotógrafo del Año de la Asociación Paulista de Críticos de Arte (APCA), en 1996 recibió el Premio Nacional de Fotografía de Funarte y en 2004 el Premio Mario Pedrosa de la Asociación Brasileña de Críticos de Arte.   Atarde on Line.         Agosto de 2009   • Recomendamos la lectura del artículo: La obra fotográfica de Mario Cravo Neto por Fernando Castro.       http://zonezero.com/magazine/obituaries/cravo/indexsp.php    
Viernes, 31 Julio 2009
Autor:Steven Leckart
    Boingboing.net | Julio 20, 2009   Es posible que ésta sea la foto más famosa del aterrizaje del Apolo sobre la luna. La tomó Neil Armstrong, quien se encargó de tomar la mayoría de las fotos sobre la superficie lunar usando una cámara Hasselblad 500EL equipada con una lente Zeiss Biogon f-5.6/60 mm y película Kodak de 70 mm que era de “base delgada y de emulsión delgada, con doble perforación.   A la 500 EL que se usó en la luna se le conocía como la Cámara de la Información, y se le había adecuado un terminado especial plateado para mejorar la habilidad del hardware para resistir variaciones térmicas extremas (la cámara de en medio que aparece aquí tiene el terminado plateado). La Cámara de la Información tenía también una placa Reseau plate, que producía una rejilla de 5 x 5 de pequeñas cruces que aun se pueden ver en la imagen. La NASA usó las marcas para ayudar en la explicación de la distorsión de la película y calcular la(s) distancia(s) angular(es) entre puntos específicos de la imagen.   Called the Data Camera, the 500EL used on the Moon was modded with a special silver finish to boost the hardware's ability to withstand extreme thermal variations (the middle camera pictured here has the silver finish). The Data Camera also featured a glass , which produced a 5x5 grid of little crosses you can still see on the image. NASA used the markings to help account for film distortion and calculate the angular distance(s) between specific points in the image.   Arriba está la imagen de Buzz AldrinBuzz Aldrin, quien aparece en la mayoría de las imágenes del aterrizaje en la luna. De hecho, sólo hay una foto de Armstrong tomada mientras estaba en la luna, un primer plano borroso de su reflejo en el visor de Aldrin.   Aunque se pensó mucho en como crear la cámara que se llevaría a la luna, Aldrin dice que no hubo mucha planeación en la fotografía en sí, por lo que él se volvió la estrella no oficial de la luna.   Del libro de Aldrin Magnificent Desolation (Magnifica Desolación):   "Neil tomó la mayoría de las fotos en la luna, teniendo la cámara adherida a un accesorio en su traje espacial gran parte del tiempo mientras yo llevaba a cabo una cantidad de experimentos. Yo no tenía un accesorio de ese tipo en mi traje, entonces tenía sentido que Neil manejara la fotografía. Tomó fotos fantásticas también, especialmente cuando se considera que no había visor en la compleja cámara Hasselblad. Estábamos básicamente “apuntando y disparando”. Imaginen tomar tales fotografías históricas y ni siquiera saber qué imagen estábamos obteniendo. A diferencia de la era de la cámara digital de nuestros días, en 1969 estábamos usando película, típicamente viendo a través de una apertura óptica en la parte trasera de la cámara que correspondía a lo que la lente de la cámara estaba “viendo”. Pero con nuestros grandes cascos espaciales, dicho visor no hubiera servido de mucho. Entonces, de forma similar a los vaqueros que disparaban sus pistolas “sixgun” desde sus caderas, dirigíamos la cámara en la dirección de lo que queríamos fotografiar, y apretábamos el gatillo. Dada dicha ambigüedad, esto le da más crédito a Neil por haber traído tales fotos tan sorprendentes de la luna.   Si vemos con más cuidado la reflexión en el visor dorado de mi casco, se puede ver el Águila con su plataforma de aterrizaje, mi sombra con el efecto de halo del sol, varios de los experimentos que habíamos colocado, e incluso a Neil tomando la foto. Es verdaderamente una toma sorprendente, y fue el resultado de un momento totalmente espontáneo por parte de Neil. Más adelante, los expertos y otros se preguntarían porqué en la mayoría de las fotografías en la luna salía yo. No fue porque yo era el más fotogénico de los dos individuos con casco que estaban sobre la luna. Algunos incluso hicieron la conjetura de que había sido un intento decidido de mi parte por eliminar a Neil de las fotos. Eso, por supuesto, es ridículo. Teníamos nuestras tareas asignadas, y debido a que Neil tenía la cámara la mayoría del tiempo que estuvimos en la superficie, simplemente tenía sentido que él fotografiara nuestras actividades y los panoramas del paisaje lunar. Y debido a que yo era la única otra persona que estaba ahí…   Es irónico que la fotografía en la luna fuera una de esas cosas que no se contempló de forma exacta antes de nuestro despegue. La gente de Asuntos Públicos de la NASA no dijo “Oigan, tienen que tomar muchas fotos de esto o aquello.” Todo mundo estaba interesado en la ciencia. Entonces llevamos a cabo la ciencia y el resto fue algo así como “recórcholis”. No habíamos planeado muchas cosas tipo “recórcholis”, que en retrospectiva, probaron ser importantes."     Puede adquirir impresiones de 16 x20 de la imágen superior,  y otras imágenes más de la misión Apollo-11 en: Moonpans.com           http://zonezero.com/magazine/articles/leckart/indexsp.php    
Lunes, 20 Julio 2009
Autor:Maggie Fox
        Washington (Reuters) | Lun 20 de Julio, 2009   Las cintas de las grabaciones originales de los primeros humanos que aterrizaron en la luna hace 40 años se borraron y se volvieron a usar, pero las copias recientemente restauradas de la transmisión original están aún mejor, declararon el jueves funcionarios de la NASA.   La NASA publicó los primeros indicios de una re-elaboración digital completa de la secuencia original del aterrizaje que hace más claras las imágenes borrosas y con poca textura de Neil Armstrong y Buzz Aldrin caminando sobre la superficie de la luna.   El conjunto completo de grabaciones, que ha restaurado Lowry Digital, empresa ubicada en Burbank, California se publicará en septiembre. Hay un avance disponible en www.nasa.gov.   La NASA admitió en 2006 que nadie encontraba las grabaciones de video originales del aterrizaje del 20 de julio de 1969.   Desde entonces, Richard Nafzger, ingeniero del Goddard Space Flight Center de la NASA ubicado en Maryland, quien supervisó todo el proceso televisivo en los sitios de rastreo de la superficie durante la misión del Apollo 11, las ha estado buscando.           La buena noticia es que ya averiguó por donde se encuentran. La mala noticia es que eran parte de un lote de 20,000 cintas a las que se les neutralizó el campo magnético --- se borraron magnéticamente --- y se volvieron a usar para ahorrar dinero.   “El objetivo era televisión en vivo,” Nafzger dijo en una conferencia de prensa.   “Debimos haber tenido a un historiador corriendo por ahí diciendo ‘no me importa si nunca las vuelven a usar, las vamos a guardar’,” agregó.   Encontraron copias buenas en los archivos del noticiero CBS y algunas grabaciones llamadas kinescopios en una caja fuerte de películas en el Johnson Space Center.   Lowry, mejor conocido por la restauración de viejas películas de Hollywood, ha estado digitalizando éstas junto con otros pedazos y piezas para hacer una nueva conversión del aterrizaje original.   A Nafzger no le preocupa que por usar una compañía ubicada en Hollywood se le dé cabida a los teóricos de la conspiración quienes creen que todo el programa lunar que llevó a personas a la luna seis veces entre 1969 y 1972 fue un montaje en un estudio fílmico o en una base militar secreta.   "Esta compañía está restaurando un video histórico. No me importó de donde fuera dicha compañía," declaró Nafzger.   "Los teóricos de la conspiración van a creer lo que van a creer," añadió Mike Inchalik, Director Operativo de Lowry Digital.   Y puede haber por ahí algunas copias no oficiales de la transmisión original hechas en un centro de cambios de video de la NASA ubicado en Sydney, Australia, comentó la agencia espacial. Nafzger dijo que alguien más en Sydney hizo grabaciones también.   "Estas cintas no están en el sistema,” comentó Nafzger. "Estamos, sin duda, abiertos a encontrarlas."         Maggie Fox, Editora de Ciencia y Salud (Edición de Philip Barbara)                 http://zonezero.com/magazine/articles/fox/indexsp.php    
Lunes, 20 Julio 2009
Autor:Richard Butler
    Dpreview.com - Julio 14, 2009   Cuando uno pasa a tanto tiempo aprendiendo y escribiendo sobre un tema en específico, es muy sencillo enfocarse a un solo nicho. Podemos pasar la mayoría de nuestro tiempo pensando o platicando acerca de cámaras digitales en la oficina de DP Review pero vale la pena recordar que hay todo un mundo más allá de las cámaras digitales — hay teléfonos con cámara, por ejemplo.   El gigante de los celulares finlandés, Nokia, nos contactó porque considera que su más reciente teléfono/cámara/reproductor de música, el N86 8MP, es su aparato fotográfico más sofisticado hasta el momento y pensaron que nos podría interesar. Siempre fue probable que hubiera una convergencia de cámaras compactas y teléfonos con cámara así que pensamos echar un vistazo para saber qué tanto nos acerca este teléfono con cámara de 8 megapíxeles.   Damian Dinning ha sido antes gerente de producto y gerente de desarrollo de producto en Minolta y Kodak, y ha sido el responsable de afinar el desempeño de la imagen y los lineamientos de productos futuros en Nokia. Nos habló sobre el trabajo que ha hecho Nokia para desarrollar el N86. “Nos hemos enfocado en el desempeño con poca luz y la velocidad del dispositivo. La misión principal es grabar el momento en un amplio rango de situaciones.”.   En este momento, Dinning hace uso por primera vez del término ‘24/7’, que ocupa con frecuencia en nuestra charla, incluso suena como que podría ser el ’mensaje clave’ del producto: ‘Como parte del estilo de vida 24/7, nunca sabes en qué situación te encontrarás tratando de hacer una foto.’ Lo que ha hecho la compañía para hacer la cámara del teléfono útil en cualquier momento, es ofrecer una luminosa lente gran angular: equivalente a 28 mm con una apertura máxima de F 2.4.   ‘También hemos aumentado la velocidad de la cámara. Nos gustaría ir aún más lejos en esto, pero nos acercamos mucho a la respuesta de la cámara compacta común, en términos de velocidad de autoenfoque, demora de disparo y tiempo entre disparos.’   A pesar del notablemente rápido autoenfoque y la provisión de un control dedicado de zoom, nuestra experiencia con el teléfono es que en el modo de cámara es considerablemente menos fácil de usar que una cámara compacta de las marcas líderes. Sin embargo, se puede personalizar el menú para incluir opciones tales como compensación de exposición, algo que no se puede decir de muchos teléfonos.   El tamaño de la compañía como el mayor fabricante de celulares del mundo, le permite darse el lujo de escoger y comparar sensores: ‘no estamos atados a una compañía, nuestro tamaño significa que podemos trabajar con muchos proveedores diferentes.’, dice: ‘el sensor es 1/2.5”, el mismo en una cámara compacta típica. Es uno de la última generación de sensores CMOS y es el más sensible del mercado.’   El resultado es un teléfono que hace la sugerencia de utilizar su capacidad de 8 MP para producir impresiones tamaño A3. Dinning explica: ‘Utilizamos reducción de ruido, lo que significa que los archivos acaban siendo más pequeños — la compresión es más o menos la misma que la de la cámara compacta típica.’ Sin embargo tenemos nuestras dudas al respecto, ya que las imágenes del Nokia promediaron 1.2 MB, comparadas con los casi 3.5 MB de las imágenes producidas por una cámara compacta de 8MP que revisamos.   No obstante, resulta claro que se han tenido que hacer algunas concesiones para asegurar que las imágenes puedan ser transferidas de manera práctica fuera de la cámara. ‘Hemos mandado hacer algunas impresiones de 20 x 30” y cuando son miradas desde una distancia normal, resultan sorprendentes. Pero hay un límite de cuántas impresiones tamaño cartel puedes acomodar en tu pared. Muchas de estas imágenes se usarán y compartirán en comunidades en línea como Facebook, Flickr y MySpace. Volvemos al uso — tenemos un muy buen equilibrio entre calidad de imagen y un archivo de peso ligero que aumente la velocidad de subida a la red.’   ‘La calidad de la imagen siempre es un equilibrio entre múltiples parámetros,’ concede Dinning: ‘escogimos darle prioridad a la viveza de los colores, a costa de transigir en otras áreas para poder ofrecer tal viveza. Hemos realizado amplios estudios y encontramos que la gente le otorga una importancia muy alta a los colores fuertes y vivos.’     Aún con estas limitaciones, la compañía entiende claramente la importancia de una buena lente. El módulo de lente marca Carl Zeiss está hecho de cuatro elementos asféricos que son alineados durante la fabricación utilizando la salida de imagen del sensor. Después cada módulo es calibrado de manera individual, para considerar que su alineación y estos datos de calibración están almacenados en el teléfono. ‘Ha sido todo un reto’, dice Dinning: ‘Nos llevó dos años desarrollarlo. Trabajamos con la gente de Carl Zeiss, que estuvo involucrada desde el concepto hasta la producción, impulsando la calidad de la lente.   A pesar de todo, el uso de una lente de primera categoría, aunque tenga una útil distancia focal ‘para el usuario 24/7’, significa que el zoom 3X que se ofrece es totalmente digital, lo que tiene un efecto devastador en la resolución de la cámara. Las imágenes acercadas con el zoom son replanteadas a 8MP, con resultados algo interesantes.       ‘Aún no hay zoom óptico,’ nos dice Dinning: ‘Hemos tenido modelos anteriores con zoom óptico pero eran más como videograbadoras de bolsillo. El N86 8MP ofrece navegación personal y un muy buen reproductor de música, además de la cámara — un amplio rango de capacidades. Si quitáramos alguna de ellas, quizá liberaríamos algo de espacio para un zoom óptico pero necesitamos que la tecnología se desarrolle un poco más antes de poder ofrecer todo junto.’     No obstante lo anterior, Dinning siente que el N86 8MP está listo para sustituir a las cámaras compactas en la mayoría de las situaciones. ‘No decimos que sea un remplazo para las cámaras réflex digitales, pero en términos de a dónde se puede llevar y a dónde te gustaría llevarlo, tiene mucho que ofrecerle al aficionado a la fotografía 24/7. Creo que es muy evidente que la gente ya ha estado usando los teléfonos en lugar de cámaras digitales.’   por Richard Butler       http://www.zonezero.com/magazine/articles/butler/indexsp.php      
Miércoles, 15 Julio 2009
Autor:Terri Stone
  Se acaba de volver un poco más fácil el mantenerse honesto en línea.   Ahora es posible indicarle a Google que muestre únicamente archivos etiquetados con una licencia que permite la reutilización de una imagen. Esto se hace marcando algunos campos en la sección de “Derechos de Uso”. Se puede incluso afinar la búsqueda para ver solamente imágenes que se pueden usar comercialmente, o, mi opción favorita, ver imágenes que se pueden modificar y después usar para fines comerciales.   El buscador reconoce imágenes que son del dominio público así como aquellas que están etiquetadas con licencias de Creative Commons y de GNU Free Documentation.   Por supuesto que tendrá que verificar la precisión de la licencia, y cumplir con las restricciones de la misma; por ejemplo, algunas licencias de Creative Commons establecen que se debe incluir la atribución del artista. Sin embargo, todavía es mucho mejor que la interminable búsqueda de imágenes que era lo común antes de esta mejora.     © Creativeprose Julio 15, 2009     Para más información:   Encuentre y Use Imágenes de Forma Segura Vía Google Un cambio en la Búsqueda de Imágenes en Google significa que se pueden encontrar imágenes fácilmente en línea que los creadores han aprobado para uso comercial sin compensación.   En un artículo de un blog, con fecha del 9 de Julio de 2009, los ingenieros de software de Google, Lance Huang y George Ruban silenciosa y tranquilamente revelaron el cambio en la Búsqueda de Imágenes de Google que puede evitar que muchos diseñadores violen el derecho de autor de las imágenes.   Marcando algunos campos en la sección de los “Derechos de Uso” en la página de búsqueda avanzada, ahora usted puede filtrar cada imagen que Google ha indexado de manera que solo verá archivos etiquetados con una licencia que permite la reutilización de la imagen.   Los diseñadores que conocen bien los derechos de autor saben que una etiqueta que indica que “está bien reutilizar la imagen” puede no ser suficiente para cuando se desea usar la imagen comercialmente. ¿Y, si se necesita modificar la imagen y usarla para fines comerciales? No hay problema, solo seleccione qué nivel de derechos de uso necesita en el menú que se despliega, y Google afinará la búsqueda aun más.   El buscador reconoce las imágenes etiquetadas con licencias de Creative Commons y de GNU Free Documentation, y aquellas que son del dominio público.   Por supuesto, que como lo señalan Huang y Ruban, solo porque alguien le pone una licencia a una imagen no quiere decir que en realidad esa persona tenga los derechos legales para hacerlo. Es necesario averiguar más en cuanto a la precisión de la licencia; por ejemplo, algunas licencias de Creative Commons establecen que se debe incluir la atribución del artista. ¡Pero al menos ahora ya estamos más avanzados de lo que estábamos antes en el camino para hacer las cosas bien!   El proceso es así:   1. Vaya a la página de la búsqueda de imágenes. Llene tantos campos como quiera, pero asegúrese de seleccionar la opción adecuada en el menú de Derechos de Uso.         2. Google le dará los resultados que cumplen con sus criterios.     3. Cuando encuentre una que le guste, haga clic en ella.     Terri Stone © Creativeprose July 13, 2009     http://zonezero.com/magazine/articles/stone/indexsp.php    
Miércoles, 15 Julio 2009
Autor:Pedro Meyer
    El propósito de este editorial es tratar de defender el caso de la "inteligencia fotográfica". Uno de los cambios más claros de la era digital es cuán inteligente se ha convertido la fotografía. Simplemente imagínense, hoy en día las fotografías vienen preñadas de todo tipo de información sobre cómo, cuándo y con qué fue hecha una imagen. Qué lente fue utilizado, con qué diafragma fue tomada, qué modelo de cámara, con qué velocidad se disparó el obturador, si es que se usó el flash, y aún mejor, si el flash se disparó a la hora de tomar la foto o no. También es posible saber cuál fue la latitud y la longitud del lugar en donde se capturó la imagen y la hora exacta. El número de serie de la cámara y tantos otros detalles pertinentes también están disponibles. Ahora se pueden catalogar imágenes de acuerdo a las sonrisas en la foto o las caras que aparecen. En otras palabras, todas las fotografías que le tomo a mis hijos, por ejemplo, se separan y se catalogan en un folder con el nombre de cada uno de ellos, y todo esto por supuesto de manera automática. Hoy en día puedes ir a Google y buscar cualquier imagen, digamos un atardecer a manera de ejemplo. Una vez realizada la búsqueda puedes ordenar los resultados de acuerdo a color. El navegador responderá ofreciendo toda una selección de atardeceres rosas, si eso es lo que hubieras pedido. ¿Quieres compararlo con los atardeceres verdes? Con un simple clic obtendrás los nuevos resultados. Uno también puede agregar más información a las imágenes si así lo desea, no nada más palabras claves que facilitarán su búsqueda, sino también sonidos. Uno puede agregar un mensaje verbal a la imagen, o sonidos ambientales o música de fondo que pudieran sumar al contenido. También se puede ligar la imagen a información adicional, agregando un URL por ejemplo, o conectar la imagen a contextos que aporten información no disponible en la imagen por sí sola. Si comparamos esta riqueza de información contenida en un archivo digital, a un simple negativo o diapositiva, podemos empezar a ver con claridad que una nueva forma de fotografía ha emergido. Y eso que aún no tocamos el tema de cuán inteligentes las cámaras en sí mismas se han vuelto, y cómo esto ha modificado nuestro concepto de fotografía, pero ese es tema para otro editorial. Los fotógrafos aún debemos entender las implicaciones de esta abundancia de información. Claro que una fotografía no es mejor por el simple hecho de que viene acompañada de tantos datos. Pero esto sería como descalificar una biblioteca con todos sus volúmenes porque uno no se vuelve más sabio por el simple hecho de caminar entre sus libreros. Creo que entienden mi punto, uno tiene también que leer los libros, pero incluso eso no es suficiente, asimismo, uno tiene que entender y asimilar el contenido. Debemos comenzar a entender el verdadero significado del potencial que hasta ahora permanece dormido dentro de nuestros archivos digitales. Cuando reviso mi archivo digital y veo cuanta retroalimentación viene de parte de estas imágenes, y lo comparo con aquello que tienen que decir mis negativos autistas, me doy cuenta de que el futuro depara tiempos muy interesantes. Por favor compartan con nosotros qué han hecho con todas sus fotografías inteligentes, y lo que ustedes creen que va a ocurrir en un futuro cercano con todo este potencial.   Pedro Meyer Julio 2009 Coyoacán, Ciudad de México         http://zonezero.com/editorial/july09/julio09.php    
Lunes, 13 Julio 2009
Autor:Pedro Meyer
                                      Es notable como se diferencian los actos creativos dependiendo del instrumento que tenemos a la mano. El otro día venia caminando por la calle, cuando había salido de terapia física para mis problemas crónicos con la espalda (el asunto viene al caso como veremos mas adelante). Al venir caminando por la calle me saltó a la vista la imagen tal como lo vemos arriba a la derecha.   La cámara que traía en la bolsa era mi iPhone, que aun cuando no toma en el modelo que yo tengo, fotos de más de 2 megapixeles (el nuevo iPhone S capta las imágenes a 3 megapixeles) estas fotos son lo suficientemente buenas como para la mayoría de las cosas que presentamos vía internet. Otra de las cosas que cabe mencionar es que la idea de un formato de ciertas medidas tan propias de la era analógica, en donde las películas básicamente eran de dos medidas, de 35 mm (cuya medida derivó de que la película era fabricada mayormente para la industria del cine) y las de 6 x 6 centímetros. Por supuesto hubo algunas cámaras que manejaban el medio cuadro tanto en uno u otro rollo, pero el ancho si era bastante standard. El caso es que en la era digital, todo esto ha cambiado, ahora cada fabricante decide la medida de su sensor. Es el equivalente a que cada fabricante de aparatos fotográficos en la era analógica, decidiera las medidas de la película para su cámara.   Pues bien, suelo cargar con el iPhone todo el tiempo, por lo ligero que me resulta ese teléfono/cámara, en contraste con traer una cámara tradicional a cuestas todo el tiempo con el correspondiente peso. Las otras cámaras las “saco a pasear” para asuntos específicos que tengo planeado fotografiar, y entonces me tengo que armar un plan para traer al hombro el peso que representa esa cámara con sus lentes. A eso ya me tuve que acostumbrara para lidiar con los problemas de mi espalda. En este caso, escogí la Sony Alpha 900, porque tiene un sensor completo de 35 mm y por lo tanto capta un total de 25 millones de pixeles. Para mi esta cámara es maravillosa salvo el asunto de que el lente que tengo para esa cámara, pesa una barbaridad. El lente empleado es un Vario-Sonnar de Carl Zeiss, con la marca de Sony. El lente esun zoom de 24 a 70 mm, y tiene una apertura continua de 2.8. Todo lo que tiene ese lente de pesado lo tiene de calidad. En toda mi vida de fotógrafo nunca he usado un lente que tuviera la luminosidad y calidad tonal que tiene este lente y no solo eso sino también la definición. En reseñas que luego leí en el internet, descubrí para mi gran sorpresa, que a una buena cantidad de personas les ocurrió más o menos lo mismo, el lente les llegó a sus manos por caminos inciertos del destino, y cuando se dieron cuenta, ese lente era el mejor que jamás habían usado en cámara alguna. Advierto que el lente no es barato, pero en su calidad no tiene rivales. En la primera imagen se puede apreciar la calidad de la foto, y no es por casualidad que así sea cuando el propósito de ambas cámaras es muy distinto uno del otro. Por una parte, el hacer el equivalente de anotaciones para el artista que lleva su cuaderno de apuntes es lo que me propongo con el iPhone, y ya la obra acabada ya es hecha con la máxima calidad con la otra cámara. Huelga decir que en la fotografía esto no siempre es posible, en la medida que el supuesto instante decisivo ya transcurrió, y no será posible repetirlo.   Pedro Meyer Coyoacán, Ciudad de Mexico 10 de julio de 2009         http://zonezero.com/magazine/articles/meyer5/indexsp.php    
Viernes, 10 Julio 2009
Autor:Daryl Lang
  Actualización, 5.57 PM, horario del este: El New York Times ha publicado una nueva nota de los editores acerca del ensayo con fotos alteradas que se publicó en la Times Magazine del domingo. El periódico dice que “la mayoría de las imágenes no reflejaba por completo la realidad de lo que se pretendía mostrar.” La nota no indica cuáles fotos fueron alteradas o si el fotógrafo no las presentó adecuadamente a los editores. PDN intentó localizar a Edgar Martins, el fotógrafo, pero no ha tenido noticias de él. He aquí la nota del Times:     “Un ensayo fotográfico publicado en la Times Magazine el domingo y en una galería ampliada en el sitio web NYTimes.com titulado Ruinas de la segunda época dorada mostraba grandes proyectos de construcción de viviendas a lo largo de los Estados Unidos que fueron detenidos, a menudo a medio acabar, cuando este mercado se colapsó. La introducción mencionaba que el retratista, un fotógrafo independiente de Bedford, Inglaterra, ‘crea sus imágenes con exposiciones largas, pero sin manipulación digital.’   “Sin embargo, al examinar de cerca una de las fotos, un lector descubrió que había sido alterada digitalmente, al parecer por motivos de estética. Posteriormente los editores confrontaron al fotógrafo y determinaron que la mayoría de las imágenes no reflejaba por completo la realidad de lo que se pretendía mostrar. Si los editores hubieran sabido que las imágenes habían sido manipuladas digitalmente, no hubieran publicado el ensayo fotográfico, que ya fue eliminado de NYTimes.com.”   ------------------------ Actualización, 5.03 PM, horario del este: El New York Times planea incluir una nota de los editores acerca de las fotografías alteradas en la edición de mañana, según Kathy Ryan, editora de fotografía de la New York Times Magazine. ------------------------   Publicado previamente: La New York Times Magazine ha retirado el ensayo fotográfico de Edgar Martins — descrito en la versión impresa como producido “sin manipulación digital”— porque varias de las imágenes muestran signos de dicha alteración. El ensayo fotográfico, que fue publicado en el número aparecido el 5 de julio, muestra proyectos de bienes raíces abandonados.   Cuando se intenta ver la versión en línea del ensayo, aparece una nota de los editores en su lugar.   En la edición dominical del periódico, la Times Magazine hizo mucho hincapié en el hecho de que las imágenes no habían sido alteradas de manera digital. A continuación la descripción que hizo la revista del ensayo de Martins (las negritas son nuestras):   ”El otoño pasado, la New York Times Magazine le encargó a Edgar Martins — fotógrafo portugués de 32 años, radicado en Londres— capturar en película la evidencia física del derrumbamiento del mercado de bienes raíces en los Estados Unidos. Martins, que crea sus imágenes con largas exposiciones, pero sin manipulación digital, viajó desde los campos de Georgia hasta los suburbios de California y visitó grandes proyectos de construcción que fueron comenzados durante los años del boom especulativo y fueron detenidos súbitamente, casi siempre a medias, cuando los mercados de la vivienda y las garantías se colapsaron.”   Actualización: A partir de una copia de la Times Magazine, PDN ha identificado la evidencia de la manipulación en tres de las seis fotos de Martins que fueron publicadas. Un bloguero fue el primero en notar que el proyecto era sospechoso basado en una foto que fue publicada en línea solamente.   En los cuatro casos, la repetición improbable de algunos elementos, sugería que eran imágenes compuestas o que se habían ocultado algunos elementos.   Una foto muestra un salón con iluminación uniforme, en una mansión sin vender, en Greenwich, Connecticut. La habitación parece casi perfecta en su simetría, hasta el punto de tener dos termostatos y apagadores idénticos en paredes opuestas.   También hay patrones que se repiten en las hojas del piso.       Otra imagen muestra un desarrollo en Las Vegas, con una cerca de construcción en el primer plano. La sección de la cerca del lado izquierdo es un reflejo perfecto de la del lado derecho.     Una tercera foto, de una casa en Dawsonville, Georgia, tiene una sección de árboles que se repite en el fondo.     El tema de la manipulación emergió primero en un mensaje publicado el martes en Metafilter, un blog comunitario, que acusó al fotógrafo de utilizar efectos de espejo en la foto de una casa en construcción. Dicha foto sólo apareció en el sitio web del Times. Un contribuyente del blog usó una animación para demostrar que la foto era demasiado perfecta en la simetría — hasta las vetas de la madera en los tableros coincidían a la perfección.     La editora de fotografía de la Times Magazine, Kathy Ryan, confirmó que el Times fue informado de las alteraciones por un lector y que las imágenes alteradas aparecieron tanto en impresión como en línea. Mencionó que estaba planeado publicar una nota de los editores en la edición del jueves del periódico. Nadie respondió el teléfono con el número que aparece en el sitio web de Martins y él no respondió de inmediato a un correo electrónico.   El trabajo de Martins ya ha sido descrito como libre de manipulación anteriormente. La descripción del editor de su libro Edgar Martins: Topologies, publicado en 2008, comienza así: “Mediante hábiles composiciones y encuadres controlados —pero sin manipulación digital— Edgar Martins crea visiones de completa belleza de lugares que rara vez son bellos.”     Publicado por Daryl Lang, Julio 2009. Photo District News.         http://zonezero.com/magazine/articles/pdnpulse/indexsp.php    
Martes, 07 Julio 2009
Autor:Incisive Media Ltd
  La revista francesa Paris Match fue víctima de un engaño, ya que este año los ganadores de su Premio de Fotoperiodismo revelaron que habían falsificado sus imágenes.   Cada año, Paris Match, que sigue siendo una de las últimas revistas semanales que predominan para dar espacio a la fotografía, organiza su “Gran Premio de Paris Match de Fotoreportaje”, dedicada a proyectos de fotoperiodismo. Este año el premio, que viene con 5000 euros como premio en efectivo y diez páginas en Paris Match, fue otorgado a dos estudiantes que asisten a la universidad de artes decorativas de Estrasburgo.   ganaron con su reportaje que refleja una severa crónica sobre la intensa pobreza en la que se encuentran algunos estudiantes mientras estudian en la universidad. Sus imágenes mostraban a los estudiantes viviendo en sótanos y ofreciendo sexo para pagar su alquiler. Otra imagen retrata a un jóven quedándose dormido en un autobús mientras viajaba un lapso de dos horas para poder llegar a su universidad.   Como los dos fotógrafos recibieron el codiciado premio, anunciaron que las imágenes habían sido falsas. 'Pensamos que eran un poco caricaturescas", dice uno de los estudiantes al diario Le Monde. "Pensamos que nunca ganaríamos."   Los términos y condiciones del concurso no prohiben reportajes falsos – algo que probablemente cambiará para el año próximo. Sin embargo, Paris Match ha retirado su premio en efectivo, ofreciéndolo a los dos estudiantes universitarios en su lugar. La revista semanal, que actualmente está advirtiendo a lectores que las imágenes han sido trucadas, también ha anunciado que el próximo año del premio en efectivo se incrementará a 10,000 euros como resultado del fraude de este año.     © Incisive Media Ltd. 2009         http://zonezero.com/magazine/articles/parismatch/indexsp.php    
Miércoles, 24 Junio 2009

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